El arte otoniano es un estilo del arte prerrománico alemán que abarca también algunas obras de los Países Bajos , el norte de Italia y el este de Francia. El historiador del arte Hubert Janitschek lo denominó así en honor a la dinastía otoniana que gobernó Alemania y el norte de Italia entre 919 y 1024 bajo los reyes Enrique I , Otón I , Otón II , Otón III y Enrique II . [1] Junto con la arquitectura otoniana , es un componente clave del Renacimiento otoniano (circa 951-1024). Sin embargo, el estilo no comenzó ni terminó coincidiendo exactamente con el gobierno de la dinastía. Surgió algunas décadas después de su gobierno y persistió más allá de los emperadores otonianos hasta los reinados de la dinastía sálica temprana , que carece de una "etiqueta de estilo" artística propia. [2] En el esquema tradicional de la historia del arte, el arte otoniano sigue al arte carolingio y precede al arte románico , aunque las transiciones en ambos extremos del período son graduales en lugar de repentinas. Al igual que el primero y a diferencia del segundo, fue en gran medida un estilo restringido a unas pocas ciudades pequeñas de la época y a monasterios importantes , así como a los círculos de la corte del emperador y sus vasallos principales .
Tras la decadencia del Imperio carolingio , se restableció el Sacro Imperio Romano Germánico bajo la dinastía sajona otoniana. De ahí surgió una renovada fe en la idea del Imperio y una Iglesia reformada, creando un período de mayor fervor cultural y artístico. Fue en esta atmósfera que se crearon obras maestras que fusionaron las tradiciones de las que los artistas otonianos derivaron su inspiración: modelos de origen tardoantiguo, carolingio y bizantino. El arte otoniano superviviente es en gran medida religioso, en forma de manuscritos iluminados y trabajos en metal, y se produjo en un pequeño número de centros para un estrecho rango de mecenas en el círculo de la corte imperial, así como para figuras importantes de la iglesia. Sin embargo, gran parte de él fue diseñado para exhibirse a un público más amplio, especialmente a los peregrinos. [3]
El estilo es generalmente grandioso y pesado, a veces en exceso, e inicialmente menos sofisticado que los equivalentes carolingios, con menos influencia directa del arte bizantino y menos comprensión de sus modelos clásicos, pero alrededor del año 1000 una sorprendente intensidad y expresividad emergen en muchas obras, ya que "una monumentalidad solemne se combina con una interioridad vibrante, una calidad sobrenatural y visionaria con una aguda atención a la actualidad, patrones superficiales de líneas fluidas y colores ricos y brillantes con emocionalismo apasionado". [4]
Siguiendo los estilos carolingios tardíos, los " retratos de presentación " de los patrones de los manuscritos son muy prominentes en el arte otoniano, [5] y gran parte del arte otoniano reflejó el deseo de la dinastía de establecer visualmente un vínculo con los gobernantes cristianos de la Antigüedad tardía , como Constantino , Teodorico y Justiniano , así como con sus predecesores carolingios, particularmente Carlomagno . Este objetivo se logró de varias maneras. Por ejemplo, los numerosos retratos de gobernantes otonianos suelen incluir elementos, como personificaciones de provincias o representantes del ejército y la Iglesia flanqueando al emperador, con una larga historia iconográfica imperial. [6]
Además de la reutilización de motivos del arte imperial más antiguo, la eliminación de spolia de las estructuras de la Antigüedad Tardía en Roma y Rávena y su incorporación a los edificios otonianos fue un recurso destinado a sugerir la continuidad imperial. Esta era claramente la intención de Otón I cuando retiró columnas, algunas de pórfido , y otros materiales de construcción del Palacio de Teodorico en Rávena y los reutilizó en su nueva catedral de Magdeburgo . Lo único que los retratos de los gobernantes rara vez intentan es una semejanza cercana de los rasgos individuales de un gobernante; cuando Otón III murió, algunas imágenes manuscritas de él fueron reutilizadas como retratos de Enrique II sin que se sintiera la necesidad de cambiar los rasgos.
En una continuación e intensificación de las tendencias carolingias tardías, muchas miniaturas contienen miniaturas de presentación que representan a los donantes de los manuscritos a una iglesia, incluidos obispos, abades y abadesas, y también al emperador. En algunos casos, las miniaturas sucesivas muestran una especie de relevo: en el Sacramentario de Hornbach, el escriba presenta el libro a su abad, quien lo presenta a San Pirmin , fundador de la Abadía de Hornbach , quien lo presenta a San Pedro, quien lo presenta a Cristo, ocupando en total ocho páginas (con las tablas iluminadas enfrentadas) para enfatizar la unidad e importancia de la "estructura de mando" que une a la iglesia y el estado, en la tierra y en el cielo. [7]
El arte bizantino también siguió ejerciendo influencia, especialmente con el matrimonio de la princesa griega Teófano con Otón II, y los elementos bizantinos importados, especialmente esmaltes y marfiles, se incorporan a menudo a la metalistería otoniana, como las cubiertas de los libros. Sin embargo, si hubo artistas griegos reales trabajando en Alemania en ese período, han dejado menos rastro que sus predecesores en la época carolingia. Los manuscritos fueron escritos e iluminados por monjes con habilidades especializadas, [8] algunos de cuyos nombres se conservan, pero no hay evidencia en cuanto a los artistas que trabajaron en metal, esmalte y marfil, que generalmente se supone que fueron laicos, [9] aunque hubo algunos orfebres monásticos en el período medieval temprano , y algunos hermanos legos y asistentes laicos empleados por los monasterios. [10] Si bien la joyería secular proporcionó un flujo constante de trabajo para los orfebres, el tallado de marfil en este período era principalmente para la iglesia, y puede haber estado centrado en los monasterios, aunque (ver más abajo) las pinturas murales parecen haber sido realizadas generalmente por laicos.
Los monasterios otonianos produjeron muchos manuscritos medievales iluminados magníficos. Eran una forma de arte importante de la época y los monasterios recibían patrocinio directo de emperadores y obispos, y contaban con el mejor equipo y talento disponible. [11] La gama de textos muy iluminados estaba muy restringida (a diferencia del Renacimiento carolingio ) a los principales libros litúrgicos, y muy pocas obras seculares recibían ese tratamiento. [2]
A diferencia de los manuscritos de otros períodos, es muy frecuente decir con certeza quién encargó o recibió un manuscrito, pero no dónde se hizo. Algunos manuscritos también incluyen ciclos relativamente extensos de arte narrativo, como las dieciséis páginas del Códice Áureo de Echternach dedicadas a "tiras" en tres niveles con escenas de la vida de Cristo y sus parábolas . [12] Los manuscritos profusamente iluminados se encuadernaban con ricos tesoros y sus páginas probablemente eran vistas por muy pocos; cuando se llevaban en las grandes procesiones de las iglesias otonianas, parece que se hacía con el libro cerrado para mostrar la cubierta. [13]
El estilo otoniano no produjo manuscritos supervivientes anteriores a la década de 960, cuando se realizaron los libros conocidos como el "grupo Eburnant", tal vez en Lorsch , ya que varias miniaturas del Códice Gero (ahora Darmstadt ), el más antiguo y grandioso del grupo, copian las de los Evangelios carolingios de Lorsch . Este es el primer grupo estilístico de la tradicional " escuela de Reichenau ". Los otros dos manuscritos importantes del grupo son los sacramentarios que llevan el nombre de Hornbach y Petershausen . En el grupo de cuatro miniaturas de presentación del primero descrito anteriormente "casi podemos seguir ... el movimiento que se aleja del expansivo idioma carolingio hacia el otoniano más definido". [14]
Una serie de manuscritos importantes producidos a partir de este período en un grupo distintivo de estilos se atribuyen generalmente al scriptorium del monasterio insular de Reichenau en el lago de Constanza , a pesar de una falta admitida de evidencia que los conecte con el monasterio allí. CR Dodwell fue una de las muchas voces disidentes aquí, creyendo que las obras se habían producido en Lorsch y Trier en cambio. [15] Dondequiera que estuviera ubicada, la "escuela de Reichenau" se especializó en libros de evangelios y otros libros litúrgicos , muchos de ellos, como los Evangelios de Múnich de Otón III ( c. 1000 ) y las Perícopas de Enrique II (Múnich, Bayerische Nationalbibl. clm. 4452, c. 1001–1024 ), encargos imperiales. Debido a su calidad excepcional, los manuscritos de Reichenau se agregaron en 2003 al Registro Internacional de Memoria del Mundo de la UNESCO . [16]
Los manuscritos más importantes de la "escuela de Reichenau" se dividen en tres grupos distintos, todos ellos nombrados en honor a los escribas cuyos nombres aparecen registrados en sus libros. [17] Al "grupo Eburnant" mencionado anteriormente le siguió el "grupo Ruodprecht", llamado así por el escriba del Salterio de Egberto ; Dodwell asigna este grupo a Tréveris. Los Evangelios de Aquisgrán de Otón III , también conocidos como Evangelios de Liutar, dan su nombre al tercer " grupo de manuscritos de Liutar", la mayoría del siglo XI, en un estilo fuertemente contrastante, aunque la mayoría de los eruditos todavía lo atribuyen a Reichenau, pero Dodwell también a Tréveris. [18]
El miniaturista más destacado del «grupo Ruodprecht» fue el llamado Maestro del Registrum Gregorii , o Maestro Gregorio , cuyo trabajo recordaba en algunos aspectos a la pintura manuscrita de la Antigüedad Tardía , y cuyas miniaturas son notables por «su delicada sensibilidad a los grados tonales y las armonías, su fino sentido de los ritmos compositivos, sus sentimientos por la relación de las figuras en el espacio y, sobre todo, su toque especial de reticencia y aplomo». [19] Trabajó principalmente en Tréveris en las décadas de 970 y 980, y fue responsable de varias miniaturas del influyente Codex Egberti , un leccionario evangélico realizado para el arzobispo Egberto de Tréveris , probablemente en la década de 980. Sin embargo, la mayoría de las 51 imágenes de este libro, que representan el primer ciclo extenso de imágenes que representan los acontecimientos de la vida de Cristo en un manuscrito de Europa occidental, fueron realizadas por dos monjes de Reichenau, que son nombrados y representados en una de las miniaturas. [20]
El estilo del «grupo Liuthar» es muy diferente y se aleja más de las tradiciones clásicas que de las que retorna; «lleva el trascendentalismo al extremo», con «una marcada esquematización de las formas y los colores», «formas aplanadas, ropajes conceptualizados y gestos expansivos». [21] Los fondos suelen estar compuestos por bandas de color con una lógica simbólica más que naturalista, el tamaño de las figuras refleja su importancia y en ellas «el énfasis no está tanto en el movimiento como en el gesto y la mirada», con escenas narrativas «presentadas como un acto cuasi litúrgico, diálogos de divinidad». [22] Este «espectáculo mudo gestual [pronto] se convencionalizaría como lenguaje visual en toda la Europa medieval». [4]
El grupo se produjo quizás entre los años 990 y 1015 o más tarde, y los manuscritos más importantes incluyen los Evangelios de Múnich de Otón III , el Apocalipsis de Bamberg y un volumen de comentarios bíblicos allí, y las Perícopas de Enrique II , las más conocidas y más extremas del grupo, donde "el estilo de la figura se ha vuelto más monumental, más enrarecido y sublime, al mismo tiempo delgado en densidad, insustancial, meras siluetas de color contra un vacío brillante". [23] El grupo introdujo el fondo de oro macizo a la iluminación occidental.
Dos miniaturas de dedicatorias añadidas a los Evangelios de Egmond alrededor de 975 muestran una versión neerlandesa menos lograda del estilo otoniano. En la Abadía de San Emerano de Ratisbona se conserva el importante Códice Áureo carolingio de San Emerano , que probablemente influyó en un estilo con "una línea incisiva y una organización muy formal de la página", dando lugar en el Códice Uta de c. 1020 a esquemas complejos donde "bandas de oro delinean los cuadrados, círculos, elipses y rombos en negrita que encierran las figuras", y se incorporan inscripciones en el diseño que explican su complejo simbolismo teológico. Este estilo iba a ser muy influyente en el arte románico en varios medios. [24]
La abadía de Echternach adquirió importancia durante el reinado del abad Humberto, que ejerció el cargo entre 1028 y 1051, y allí se produjeron las páginas (no la cubierta) del Códice Áureo de Echternach , a las que siguieron los Evangelios dorados de Enrique III en 1045-46, que Enrique regaló a la catedral de Espira (hoy El Escorial ), la obra más importante de la escuela. Enrique también encargó los Evangelios de Uppsala para la catedral de esa ciudad (hoy en la biblioteca de la universidad). [25] Otros scriptoria monásticos importantes que florecieron durante la época otoniana incluyen los de Salzburgo , [26] Hildesheim , Corvey , Fulda y Colonia , donde se hizo el Códice Hitda . [27]
Esta escena se incluyó a menudo en los ciclos otonianos de la vida de Cristo. Muchos muestran a Jesús (con el halo cruzado) dos veces, una durmiendo y otra calmando la tormenta .
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Los objetos para decorar iglesias, como cruces, relicarios , frontales de altar y encuadernaciones de tesoros para libros, estaban todos hechos o cubiertos de oro, embellecidos con gemas, esmaltes, cristales y camafeos. [28] Este era un estilo mucho más antiguo, pero la versión otoniana tiene características distintivas, con una decoración muy recargada de superficies, a menudo gemas levantadas desde la superficie principal en pequeñas torres de oro, acompañadas de proyecciones de "colmena" en alambre de oro y relieves figurativos en oro repujado que decoraban áreas entre las barras de esmalte y decoración de gemas. Las reliquias adquirían una importancia cada vez mayor, a veces política, en este período, por lo que se hicieron relicarios cada vez más ricos para contenerlas. [29] En tales obras, las gemas no solo crean una impresión de riqueza, sino que sirven tanto para ofrecer un anticipo de la naturaleza adornada con joyas de la ciudad celestial , como para creer que determinados tipos de gemas tenían propiedades realmente poderosas en varios aspectos "científicos", médicos y mágicos, como se establece en los populares libros lapidarios . [30] Las pocas piezas de joyería secular que se conservan son de estilos similares, incluida la corona que usó Otón III cuando era niño y que le regaló a la Virgen Dorada de Essen cuando ya no le quedaba. [31]
Entre los ejemplos de crux gemmata o cruces procesionales se encuentra un grupo destacado en el Tesoro de la Catedral de Essen ; varias abadesas de la Abadía de Essen eran princesas otonianas. La Cruz de Otón y Matilde , la Cruz de Matilde y la cruz de Essen con grandes esmaltes fueron probablemente donadas por Matilde, abadesa de Essen (fallecida en 1011), y una cuarta cruz, la Cruz de Teófano, llegó unos cincuenta años después. [32] La Cruz de Lotario ( Aquisgrán ) y la Cruz Imperial ( Viena ) eran posesiones imperiales; Viena también tiene la Corona Imperial del Sacro Imperio Romano Germánico . La cubierta del libro del Códice Áureo de Echternach ( Germanisches Nationalmuseum , Núremberg ) es de un estilo muy comparable. [33] Otros objetos importantes incluyen un relicario de San Andrés coronado por un pie en Tréveris , [34] y frontales de altar de oro para la Capilla del Palacio, Aquisgrán y la Catedral de Basilea (ahora en París). [35] La Capilla del Palacio también alberga el púlpito o Ambón de Enrique II . La cubierta superior carolingia tardía de los Evangelios de Lindau ( Morgan Library , Nueva York) y el Ciborio de Arnulfo en Múnich fueron importantes precursores del estilo, de unas décadas antes y probablemente del mismo taller. [36]
También se fabricaron grandes objetos en metales no preciosos, como los candelabros de rueda más antiguos que se conservan de finales de este período, un enorme candelabro en Essen y, en particular, una espectacular colección de ambiciosas obras de bronce de gran tamaño y otras de plata más pequeñas en la catedral de Hildesheim de la época del obispo Bernward (fallecido en 1022), que era un artista, aunque su biógrafo fue inusualmente honesto al decir que no alcanzó "las cimas de la perfección". La más famosa de ellas es el par de puertas de la iglesia, las Puertas Bernward , con escenas de figuras bíblicas en relieve de bronce, cada una fundida en una sola pieza, donde las composiciones poderosamente simples transmiten sus significados mediante gestos enfáticos, de una manera comparable a las miniaturas de Reichenau del mismo período. [37] También hay una columna de bronce, la Columna Bernward , de 3,79 metros (12,4 pies) de altura, originalmente la base de un crucifijo, fundida en una sola pieza hueca. Esta forma inusual está decorada con veinticuatro escenas del ministerio de Jesús en una franja continua que se enrolla alrededor de la columna a la manera de la Columna de Trajano y otros ejemplos romanos. [38]
Alrededor de 980, el arzobispo Egberto de Tréveris parece haber establecido el principal taller otoniano que producía esmalte cloisonné en Alemania, que se cree que cumplía pedidos para otros centros, y después de su muerte en 993 posiblemente se trasladó a Essen . Durante este período, el taller siguió los desarrollos bizantinos (de muchas décadas antes) al utilizar la técnica senkschmelz o "esmalte hundido" además de la que ya se utilizaba vollschmelz . Las pequeñas placas con motivos decorativos derivados de formas vegetales continuaron utilizando vollschmelz , con esmalte por toda la placa, mientras que las figuras ahora solían estar en senkschmelz , rodeadas por una superficie de oro simple en la que se había empotrado el contorno de la figura. La cruz de Essen con grandes esmaltes ilustrada arriba muestra ambas técnicas. [39]
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Durante el período otoniano se realizaron numerosas esculturas de marfil de pequeña escala, de las que Milán fue probablemente el centro, si no el principal, junto con Tréveris y otros yacimientos alemanes y franceses. Hay muchos paneles oblongos con relieves que en su día decoraban las tapas de los libros, o que todavía lo hacen, siendo la Crucifixión de Jesús el tema más común. Estos y otros temas continúan en gran medida la iconografía carolingia, pero en un estilo muy diferente. [40]
Un grupo de cuatro situlas otonianas de marfil parecen representar un nuevo punto de partida para la talla de marfil en su forma, y el tipo apenas se encuentra después de este período. Las situlas eran vasos litúrgicos utilizados para contener agua bendita , y anteriormente eran generalmente de madera o bronce, de lados rectos y con un asa. Se sumergía un aspergillum en la situla para recoger agua con la que rociar a la congregación u otros objetos. Sin embargo, los cuatro ejemplos otonianos del siglo X están hechos de una sección completa de colmillo de elefante , y son ligeramente más grandes en la circunferencia en sus partes superiores. Todos están ricamente tallados con escenas y figuras en diferentes niveles: la Situla de Basilewsky de 920 en el Victoria & Albert Museum , decorada con escenas de la vida de Cristo en dos niveles, [41] la "Situla de Gotofredo" de c. 980 en la Catedral de Milán , [42] una en el Tesoro de la Catedral de Aquisgrán , [43] y una en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. [44] Todos ellos procedían del entorno de la corte otoniana: una inscripción dice que el arzobispo Gotfredus regaló el ejemplar de Milán en previsión de una visita del emperador, [45] también mencionado en el ejemplar de Londres, que posiblemente era del mismo taller. [46] El último y más suntuoso ejemplar es el de Aquisgrán, que está tachonado de joyas y muestra a un emperador entronizado, rodeado por un papa y arzobispos. Probablemente se realizó en Tréveris alrededor del año 1000. [47]
Entre los diversos grupos estilísticos y supuestos talleres que se pueden detectar, el responsable de piezas que incluyen el panel de la cubierta del Codex Aureus de Echternach y dos alas de dípticos ahora en Berlín (todos ilustrados a continuación) produjo un trabajo particularmente fino y distintivo, tal vez en Trier, con "una asombrosa percepción de la forma humana... [y] facilidad en el manejo del material". [48]
Un grupo muy importante de placas , hoy dispersas en varias colecciones, fueron probablemente encargadas (quizás por Otón I) para la Catedral de Magdeburgo y se denominan Marfiles de Magdeburgo , "placas de Magdeburgo", "placas del Antependio de Magdeburgo" o nombres similares. Probablemente se hicieron en Milán alrededor del año 970, para decorar una gran superficie plana, aunque se ha discutido mucho si se trataba de una puerta, un antependio o un frontal de altar, la cubierta de un libro excepcionalmente grande, un púlpito o algo más. Cada placa casi cuadrada mide unos 13x12 cm, con una escena en relieve de la Vida de Cristo dentro de un marco plano sencillo; una placa en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York tiene una escena de "dedicación", donde un monarca coronado presenta a Cristo una iglesia modelo, generalmente considerada como Otón I con la Catedral de Magdeburgo. En total sobreviven diecisiete, probablemente menos de la mitad del conjunto original. Las placas incluyen áreas de fondo completamente cortadas a través del marfil, que presumiblemente originalmente habría estado cubierto con oro. Aparte de los espacios que quedan al lado de los edificios, estos elementos calados incluyen algunos que dejan patrones de tablero de ajedrez o de follaje. [49] Peter Lasko describe el estilo de las figuras como "muy pesado, rígido y macizo... con un tratamiento extremadamente claro y plano de los drapeados... en composiciones simples pero poderosas". [50]
Aunque los registros documentales demuestran claramente que muchas iglesias estaban decoradas con extensos ciclos de pintura mural, las supervivientes son extremadamente raras y, en la mayoría de los casos, fragmentarias y en mal estado. Por lo general, carecen de pruebas que ayuden a datarlas, como los retratos de los donantes, y su fecha suele ser incierta; muchas han sido restauradas en el pasado, lo que complica aún más el asunto. La mayoría de las supervivientes se concentran en el sur de Alemania y alrededor de Fulda en Hesse ; aunque también hay ejemplos importantes del norte de Italia. [51] Hay un registro del obispo Gebhard de Constanza contratando artistas laicos para un ciclo ahora desaparecido en su recién fundada (983) Abadía de Petershausen , y los laicos pueden haber dominado el arte de la pintura mural, aunque quizás a veces trabajaran según diseños de iluminadores monásticos. Los artistas parecen haber sido bastante móviles: "en la época de las pinturas de Oberzell había un pintor mural italiano trabajando en Alemania, y uno alemán en Inglaterra". [52]
La iglesia de San Jorge en Oberzell, en la isla de Reichenau, es la que mejor se conserva, aunque se ha perdido gran parte de la obra original y las pinturas que quedan a los lados de la nave han sufrido el paso del tiempo y la restauración. Las escenas más grandes muestran los milagros de Cristo en un estilo que muestra una aportación bizantina específica en algunos elementos y una proximidad a los manuscritos de Reichenau, como los Evangelios de Múnich de Otón III ; por lo tanto, suelen datarse en torno a 980-1000. De hecho, las pinturas son uno de los fundamentos de la tesis de que la abadía de Reichenau es un importante centro de pintura manuscrita. [53]
De este período se han conservado muy pocos ejemplares tallados en madera, pero la monumental figura pintada de Cristo en la cruz de Gero (hacia 965-970, catedral de Colonia ) es una de las obras maestras más destacadas de este período. Su datación tradicional por parte de la iglesia, que durante mucho tiempo se consideró inverosímilmente temprana, fue finalmente confirmada por la dendrocronología . [54] La Virgen dorada de Essen (hacia 1000, catedral de Essen , que antiguamente era la abadía) es una supervivencia prácticamente única de un tipo de objeto que alguna vez se encontró en muchas iglesias importantes. Es una escultura más pequeña de la Virgen con el Niño , que está en madera que fue cubierta con yeso y luego con una fina lámina de oro. [55] La escultura monumental siguió siendo rara en el norte, aunque hay más ejemplos en Italia, como los relieves de estuco del copón de Sant' Ambrogio, Milán , y también el de la Abadía de San Pietro al Monte , Civate , que se relacionan con la talla de marfil del mismo período, [56] la gran cruz de plata de la abadesa Raingarda en la Basílica de San Michele Maggiore en Pavía [57] y algunas esculturas de piedra.
Las obras otonianas que han sobrevivido son en su mayoría obras que estaban bajo el cuidado de la iglesia y que se conservaban y valoraban por sus conexiones con figuras reales o eclesiásticas de la época. Muy a menudo, las joyas de la metalistería fueron robadas o vendidas a lo largo de los siglos, y muchas piezas ahora carecen por completo de ellas, o tienen reemplazos modernos de pasta de vidrio. Como en otros períodos, hay muchos más paneles de marfil supervivientes (cuyo material suele ser difícil de reutilizar) para cubiertas de libros que cubiertas de metal completas, y algunos paneles de marfil más gruesos fueron tallados de nuevo más tarde desde la parte posterior con un nuevo relieve. [58] Muchos objetos mencionados en fuentes escritas han desaparecido por completo, y probablemente ahora solo tenemos una pequeña fracción de la producción original de relicarios y similares. [2] Varias piezas tienen añadidos o cambios importantes realizados más tarde en la Edad Media o en períodos posteriores. Los manuscritos que evitaron grandes incendios de bibliotecas han tenido las mejores posibilidades de sobrevivir; los peligros a los que se enfrentan las pinturas murales se mencionan anteriormente. La mayoría de los objetos más importantes permanecen en colecciones alemanas, a menudo en bibliotecas y tesoros de iglesias.
El término "arte otoniano" no se acuñó hasta 1890, y la década siguiente vio los primeros estudios serios del período; durante las siguientes décadas, el tema estuvo dominado por los historiadores del arte alemanes que se ocuparon principalmente de manuscritos, [59] aparte de los estudios de marfiles y esculturas en general de Adolph Goldschmidt . Una serie de exposiciones celebradas en Alemania en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial ayudaron a presentar el tema a un público más amplio y promover la comprensión de los medios artísticos distintos de las ilustraciones de manuscritos. La exposición de Múnich de 1950 Ars Sacra ("arte sacro" en latín) ideó este término para la metalistería religiosa y los marfiles y esmaltes asociados, que fue reutilizado por Peter Lasko en su libro para Pelican History of Art , el primer estudio del tema escrito en inglés, ya que el término histórico-artístico habitual, las "artes menores", parecía inadecuado para este período, donde eran, junto con las miniaturas de manuscritos, las formas de arte más significativas. [60] En 2003, un revisor señaló que la ilustración de manuscritos otonianos era un campo "que todavía está significativamente subrepresentado en la investigación histórica del arte en idioma inglés". [61]
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