La pandemia del sida comenzó a principios de los años 1980 y trajo consigo una oleada de emociones del público: estaban asustados, enojados, temerosos y desafiantes. La llegada del sida también trajo consigo una condena de la comunidad LGBT. Estas emociones, junto con la visión de la comunidad LGBT, allanó el camino para una nueva generación de artistas. [1] Los artistas involucrados en organizaciones activistas contra el sida tenían la ideología de que si bien el arte nunca podría salvar vidas como lo haría la ciencia, podría transmitir un mensaje. [2] El arte de la crisis del sida generalmente buscaba hacer una declaración sociopolítica, enfatizar el impacto médico de la enfermedad o expresar sentimientos de añoranza y pérdida. Las ideologías estaban presentes en las concepciones del arte en los años 1980 y todavía son pertinentes para la recepción del arte hoy también. Elizabeth Taylor , por ejemplo, habló en un beneficio para el sida que incluía obras de arte, enfatizando su importancia para el activismo en que "el arte vive para siempre". Este comentario articula la capacidad de las obras de arte de esta época para enseñar e impactar al público contemporáneo, después de la crisis. [2] Esta página examina los esfuerzos de artistas, colectivos artísticos y movimientos artísticos para dar sentido a una pandemia tan urgente en la sociedad estadounidense.
El arte individual en relación con la crisis del sida se encontraba a menudo en museos o galerías de arte, en espacios en los que sólo los económica y socialmente privilegiados podían beneficiarse de sus mensajes. Los colectivos artísticos y activistas tenían como objetivo llegar al público en general, proporcionando un espacio para construir comunidad, lamentar y difundir la educación sobre la epidemia del sida de una manera mucho más prolífica.
Un ejemplo sería el proyecto NAMES Project AIDS Memorial Quilt , una gran colcha que contiene miles de paneles que conmemoran a quienes viven con el SIDA o han muerto a causa de él. La colcha está compuesta por paneles de muchos colores y patrones, algunos sombríos y oscuros, otros vibrantes, y no cuenta ninguna historia más allá del recuerdo. Cada panel conmemora a una persona o grupo que sufrió el SIDA, aunque algunas personas tienen varios paneles dedicados a ellas y otras tienen simplemente un nombre de pila, un apodo familiar o relacionado con la relación, o "anónimo". En junio de 2006, la colcha conmemoraba aproximadamente 83.900 nombres, aunque el proyecto NAMES señaló que los miles de nombres representaban menos de una cuarta parte de todas las muertes por SIDA en los Estados Unidos, y un porcentaje aún menor del número total de muertes relacionadas con el SIDA en todo el mundo. [3]
El National AIDS Memorial Grove , que se encuentra en el Golden Gate Park de San Francisco , fue concebido por primera vez por un grupo de personas locales en 1988. La epidemia de SIDA había sido devastadora para San Francisco y el grupo deseaba un entorno tranquilo en el que llorar de manera saludable. Las obras comenzaron en el sitio de de Lavveaga Dell en 1991 y, en 1996, Nancy Pelosi lideró al Congreso de los Estados Unidos en la aprobación de la Ley de National AIDS Memorial Grove de 1996, que fue firmada como ley por el presidente Bill Clinton . El sitio ha sido cuidado por cientos de voluntarios y un jardinero de la ciudad. [4] El Grove alberga un círculo de hormigón plano en el suelo, destinado a ser grabado con los nombres de quienes padecen SIDA. Este acto de conmemoración es participativo y está abierto a la participación de los visitantes. [5] En 2011, Andy Abrahams Wilson y Tom Shepard crearon un documental sobre el proceso de creación del Grove, en el que se analiza el concurso para un posible diseño y las respuestas mixtas que tuvo la Junta Directiva ante ellos. [6] Otras respuestas al Grove han sido menos positivas, como los grafitis y el vandalismo. [7]
Gran Fury , el comité artístico de ACT UP , era un colectivo anónimo diseñado para crear medios artísticos sobre la epidemia del SIDA. El colectivo funcionaba como un grupo anónimo porque le quitaba importancia a cualquier individuo y reforzaba la idea de los esfuerzos colectivos para poner fin a la crisis. La misión de Gran Fury era poner fin a la epidemia, principalmente sacando a la luz los problemas con los que lidiaba la sociedad, como la homofobia y la discriminación de las personas con SIDA (PWA). El colectivo llevó el arte a la esfera pública a menudo para llegar a audiencias más amplias de las que podía alcanzar dentro del espacio del museo; además, debido a que el grupo a menudo se enfrentaba a la censura, comenzó a publicar obras ilegalmente en las calles de la ciudad. [8]
DIVA TV (Damned Interfering Video Activist Television) fue un colectivo de artistas que utilizaban el vídeo como su medio principal, dirigiendo su trabajo a los miembros de ACT UP. Fundado por Catherine Saalfield (ahora Catherine Gund ), Ray Navarro, Jean Carlomusto , Gregg Bordowitz , Bob Beck, Costa Papas, Ellen Spiro , George Plaggianos y Rob Kurilla, DIVA TV creó vídeos que cubrían las acciones de ACT UP, así como los eventos dentro del movimiento. DIVA TV funcionó como un programa de televisión queer educativo que a menudo educaba a sus espectadores sobre la epidemia del SIDA. Algunas características distintivas de DIVA TV fueron su estilo firmemente poco profesional, con tomas sin refinar y sin limpieza de estudio de las imágenes, y la tendencia a la desobediencia civil. [9]
Proyecto ContraSIDA por Vida , una agencia de prevención del VIH para latinos que comenzó en San Francisco en 1993, fue diseñada para llegar a las poblaciones marginadas de San Francisco afectadas por la pandemia del SIDA: específicamente, jóvenes latinos queer, trabajadores sexuales, poblaciones transgénero y otras personas marginadas en el distrito Mission de San Francisco. Proyecto utilizó un lenguaje muy progresista e interpelación radical (dar identidad a algo) en sus anuncios, lo que facilitó la inclusión de una audiencia más amplia. Además, Proyecto utilizó una mezcla de español e inglés en sus folletos y carteles, lo que representó las identidades mixtas de sus audiencias al mismo tiempo que dejó en claro que la audiencia hispanohablante era el grupo demográfico crucial en la misión de Proyecto. La agencia ofreció varios talleres dirigidos a una amplia gama de identidades diferentes con el fin de facilitar el discurso y construir relaciones comunitarias al mismo tiempo que educaba a la población joven sobre las prácticas sexuales y los problemas de la epidemia del SIDA. Proyecto a menudo utilizó un activismo artístico muy conmovedor en formas simbólicas y provocativas, como una papaya mostrada de manera erótica para sugerir la sexualidad latina. El Proyecto también facilitó talleres en los que los participantes crearon imágenes en respuesta a la pandemia del SIDA; estas imágenes se basaron en retablos , una forma de arte tradicional latina. [10]
Nicholas Nixon se hizo muy conocido como fotógrafo; en 1988 realizó una exposición en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York titulada "Pictures of People" (Imágenes de personas). Algunas fotografías eran de personas con SIDA, documentando su deterioro físico en intervalos de semanas o meses. Nixon afirmó que su objetivo era capturar visualmente las terribles consecuencias de la epidemia del SIDA. Su representación de personas con SIDA fue muy controvertida, ya que algunos afirmaron que sus imágenes eran de individuos desesperados y solitarios. Durante la exposición en el MOMA, un grupo de ACT UP llamado AIDS Coalition to Unleash Power organizó una protesta muy tranquila contra las imágenes de Nixon de PWA. [11]
Aziz + Cucher , un dúo colaborativo que ha creado mucho arte aparte de la epidemia del SIDA, creó la serie Chimera después de que a Cucher le diagnosticaran VIH. Cucher estuvo muy enfermo después de su diagnóstico hasta que los avances médicos le permitieron recuperar su salud y sobrevivir al virus. La serie captura la mezcla de avances médicos y tecnológicos que restauraron el estándar de salud de Cucher e intenta señalar la experiencia de vida y la comodidad que Cucher encuentra en la biotecnología como una persona que vive con VIH. [12]
Sunil Gupta es un artista al que le diagnosticaron VIH pero que pudo llevar una vida sana gracias a los avances médicos. Gupta creó una serie titulada From Here to Eternity (De aquí a la eternidad) en 2001, en la que fotografía su vida diaria y sus rutinas como persona que vive con VIH, incluida la extracción de sangre. A diferencia de fotografías anteriores de personas diagnosticadas con VIH, las imágenes de Gupta son menos morbosas e insisten en su propia vitalidad. El trabajo de Gupta suele clasificarse como una representación visual de una experiencia continua del SIDA. [12]
El famoso director de cine de vanguardia Rosa von Praunheim luchó con su arte desde el comienzo de la epidemia del VIH en favor de la educación sobre el sida, el sexo seguro y los derechos de los infectados. En los EE.UU. consiguió mucha atención con sus películas Silence = Death y Positive (1990), que tratan sobre todo de la lucha de artistas estadounidenses como Keith Haring y David Wojnarowicz contra el sida. Fue cofundador de ACT UP en Alemania y llevó a cabo numerosas campañas de alto perfil en su país natal para llamar la atención sobre la situación de las personas infectadas. El enfoque radical del director lo convirtió en un icono internacional del activismo contra el sida. [13]
David Wojnarowicz fue un artista estadounidense y activista contra el sida que también sufrió y murió de sida. El artista se sintió particularmente provocado por el silencio de las administraciones de Reagan y Bush con respecto a la crisis del sida, que él veía como resultado de que los hombres blancos heterosexuales fueran los responsables de lo que el público ve expuesto a través de los medios. [14] Su trabajo era típicamente de naturaleza política, pero también autobiográfico en el sentido de que se inspiró en sus propias experiencias como persona queer con sida. Su trabajo a menudo tomaba prestadas imágenes del arte pop, el arte callejero, la ciencia y el movimiento surrealista, pero desarrolló su propio arsenal de imágenes icónicas que incluían soldados, hombres abrazándose y animales, entre otras cosas. En 1987, Wojnarowicz perdió a su amigo Peter Hujar y ese mismo año le diagnosticaron sida. Después de estos eventos, Wojnarowicz recurrió cada vez más a la fotografía como su medio de elección, incorporando texto de una manera distintiva. [15]
Felix Gonzalez-Torres se ha convertido en un famoso artista queer en la América contemporánea, y creó muchas obras en relación con el SIDA, específicamente cómo el VIH/SIDA afectó su vida romántica. El costo emocional de perder un amante por la enfermedad fue enfatizado, permitiendo al público examinar una relación queer a través de una lente amorosa y doméstica, distante de cualquier presunto homoerotismo que las masas esperaban encontrar en el arte relacionado con el SIDA. [16] Su trabajo rara vez, o nunca, fue explícitamente queer o abierto sobre su comentario sociológico político con respecto a la cultura estadounidense y el SIDA. En cambio, Gonzalez-Torres hizo varias piezas posminimalistas que se consideraron atemporales, y fotografías con las que cualquier persona podría identificarse sin siquiera conocer sus matices queer "Sin título" (Retrato de Ross en Los Ángeles) . Muchas de las piezas de Gonzalez-Torres eran conceptuales y participativas, y a menudo se alentaba a los espectadores a llevarse una pieza de la obra de arte a casa. Josh Takano Chambers-Letson afirmó que la obra de Gonzalez-Torres infectaba al espectador con un "virus ideológico", que el espectador llevaría consigo para reflexionar sobre él más tarde. [17] Gonzalez-Torres deseaba llevar el debate sobre la identidad queer y la epidemia del SIDA fuera de los salones legislativos del país y al espacio más público de la galería de arte. Era muy consciente de la censura de la cultura queer que se estaba produciendo en el país, y afirmó que creó intencionalmente una obra queer que sería indescifrable para cualquier conservador que intentara degradar su obra; si realmente podían entender los tonos queer y homoeróticos de sus piezas conceptuales, el conservador tendría que explicar la forma en que él o ella llegó a entender estas cosas. [17]
Keith Haring , a quien le diagnosticaron sida en 1988, había sido artista desde su infancia. Haring estudió arte en la Ivy School of Professional Art de Pittsburgh y, finalmente, en la School of Visual Arts. Fue en esta segunda escuela, ubicada en Nueva York, donde se convirtió en parte de una próspera comunidad de artistas. Haring sabía que quería crear arte público basado en su inspiración de artistas como Jean Dubuffet, Pierre Alechinsky, William Burroughs, Brion Gysin y Robert Henri. Comenzó su carrera haciendo "arte del metro", pero rápidamente se hizo reconocido por sus exhibiciones en Nueva York y una Pop Shop que vendía una multitud de artículos de diferentes medios. Haring era un artista público muy conocido con muchas piezas en hospitales infantiles antes de su diagnóstico de sida. El sida lo impulsó aún más a hacer arte público que mostraba específicamente imágenes de la epidemia del sida; este fue el comienzo de la Fundación Keith Haring. Cuando murió Haring en 1990, ya había aparecido en varios periódicos y revistas con obras de arte en exposiciones individuales y grupales. [18]
Robert Mapplethorpe , nacido en 1946, se enamoró del arte y la fotografía a temprana edad. Comenzó a experimentar con Polaroids, lo que lo llevó a su primera exhibición y continuó con la fotografía después de adquirir una cámara. Mapplethorpe tomó fotografías que muchos en ese momento encontraron "impactantes". Estas fotografías incluían trabajos de la escena S&M de Nueva York y desnudos de hombres y mujeres. En el año 1986, cuando le diagnosticaron SIDA, Mapplethorpe tuvo una serie de encargos, que incluían, entre otros, diseñar escenarios de espectáculos de danza y tomar retratos de artistas de Nueva York para el libro 50 New York Artists. Antes de que Mapplethorpe falleciera en 1989, logró no solo tener un gran impacto en el arte moderno, sino también establecer la Fundación Robert Mapplethorpe, que promueve y apoya la continuación de las artes, así como ayudar a financiar la investigación médica para el SIDA. [19]
El Movimiento de Videos sobre el SIDA consistió en varios videos y cineastas diferentes. Tom Kalin fue un activista y director estadounidense contra el SIDA que realizó al menos ocho videos centrados directamente en la epidemia del SIDA, aunque ha declarado que todas sus obras se ven afectadas de alguna manera por la crisis del SIDA. Las obras de Kalin expresan sus propias respuestas personales a la epidemia y su búsqueda de su comunidad durante la crisis. Hizo sus videos específicamente para quienes fueron víctimas de la crisis, muchos de los cuales eran amigos suyos. [20] Juanita Mohammed fue una activista y cineasta contra el SIDA cuyo primer trabajo comenzó cuando estaba produciendo con WAVE, la Women's AIDS Video Enterprise. Con WAVE, Mohammed trabajó para empoderar a las mujeres marginadas que se vieron desproporcionadamente afectadas por el SIDA en sus comunidades, específicamente las mujeres de color de bajos ingresos. Más tarde, Mohammed se hizo cargo de la producción de Words to Live By , un video creado por adolescentes, para adolescentes; Mohammed era especialmente aficionado a este trabajo por la autenticidad de la voz de sus cineastas hacia su audiencia y por su potencial educativo para un grupo demográfico que no estaba lo suficientemente educado sobre el SIDA. [20] Ray Navarro, mencionado anteriormente como miembro fundador de DIVA-TV, fue un artista de video y escritor chicano que creó un trabajo que reflejaba lo que Joshua Javier Guzmán llama una "estética queer chicana". [21] El trabajo de Ray Navarro expresa su ambivalencia hacia la vida en la epidemia del SIDA y la de la comunidad queer chicana, utilizando la estructura estilística del marco de la cámara como un modo de representar la separación entre la vida interior, privada y la socialización externa, que se encarna en la ambivalencia de la estética queer chicana. [21]
El AIDS Quilt Songbook inicialmente fue una colección de 18 canciones que se estrenó en 1992, pero ahora es un ciclo de canciones en curso de múltiples compositores, ahora con subcolecciones centradas en Chicago, Minnesota, Chapel Hill, Filadelfia y Tacoma.
Considerada ampliamente como la primera sinfonía que trata el tema, la Sinfonía No. 1 de John Corigliano (escrita entre 1988 y 1989 y estrenada en 1990) se inspiró en parte en el NAMES Project AIDS Memorial Quilt y sus tres movimientos están dedicados a un pianista, un ejecutivo musical y un violonchelista respectivamente, todos amigos y colegas en la vida de Corigliano a quienes él conmemora.
El cuarteto de cuerdas más largo jamás escrito en Australia, el AIDS Memoir Quartet , es una obra de 17 movimientos de Lyle Chan , miembro de ACT UP durante la década de 1990. La obra dura 90 minutos cuando se interpreta sin narración y 2 horas con ella. Contiene retratos de amigos activistas famosos ahora fallecidos y efectos inusuales como el uso de silbatos policiales para recordar las manifestaciones callejeras de ACT UP, el grupo de protesta de acción directa del que Lyle Chan era un miembro principal. Él y otros activistas dirigieron un club de compradores para contrabandear tratamientos contra el SIDA desde los EE. UU. que no estaban disponibles en Australia.
En 1985, Elton John , Gladys Knight , Stevie Wonder y Dionne Warwick grabaron una versión de la canción de 1982 That's What Friends Are For y la lanzaron como sencillo benéfico. Parte de las ganancias se destinaron a la investigación y prevención del sida. En 1986, la canción ganó un premio Grammy.
Entre 1986 y 1988, Diamanda Galas estrenó su trilogía sobre el SIDA llamada La máscara de la muerte roja .
Las performances de Ron Athey a menudo reflejan temas relacionados con el SIDA, en particular una performance en el Walker Art Center en Minnesota que causó controversia, y su performance de 1993 Four Scenes in a Harsh Life .