El Concierto para orquesta de cuerdas doble de Michael Tippett (1938-39) es una de sus obras más populares y frecuentemente interpretadas.
Al igual que otras obras de la temprana madurez del compositor, como la Primera Sonata para piano y el Primer Cuarteto de cuerdas, el Concierto se caracteriza por su energía rítmica y su atractivo melódico directo. Representando a la vez un punto de encuentro para muchas de sus primeras influencias y una liberación para las experiencias catalizadoras que definieron la década posterior a su salida de Londres y del Royal College of Music, el Concierto fue un experimento de multiplicidades, donde la diversidad del material temático (inventado e importado) se sintetizó a través de la unidad tímbrica del conjunto: dos conjuntos, de hecho, una manifestación más de la oposición y las divisiones que contribuyen a la multidimensionalidad de la obra. [1]
Tippett identificó los polirritmos y elementos de Northumbria en la pieza como provenientes de la influencia de Jeffrey Mark , a quien había conocido mientras estaba en el RCM. La pieza está dedicada a Mark, y Tippett también produjo un retrato de Mark en la segunda variación de la Fantasía sobre un tema de Handel : "para Jeffrey Mark, traumatizado por la guerra, una explosión discordante de octavas". [2]
Al igual que en el oratorio de 1941 Un niño de nuestro tiempo y en la Sinfonía Nº 3 de 1973, las preocupaciones humanitarias de Tippett se evidencian claramente en su uso de melodías derivadas de fuentes musicales populares y folclóricas y que hacen referencia a ellas .
Tippett completó la partitura el 6 de junio de 1939 y se estrenó el 21 de abril de 1940. [3]
Se puede observar la influencia de Bartók y Stravinsky, así como de la Escuela de Madrigal inglesa del siglo XVII . De estos, y de la canción popular , Tippett deriva su distintiva y personal técnica de "ritmo aditivo". Esto se ha descrito como "un tipo de ritmo cuyo efecto está determinado por una acumulación de acentos irregulares e impredecibles en la música". [4] El compositor David Matthews describe el efecto de esta manera: "Es la libertad rítmica de la música, su alegre liberación de las nociones ortodoxas de estrés y longitud de frase, lo que contribuye tanto a su vitalidad". [5]
Al dividir la orquesta en dos secciones iguales e idénticas, Tippett puede tocar una contra la otra, utilizando la síncopa y la imitación para agregar más vitalidad rítmica y propulsión a la música. Este efecto antifonal es similar al que se encuentra en la música coral del Renacimiento y del Barroco temprano de compositores como Monteverdi y Gabrieli . El primer movimiento ( Allegro con brio ) está en forma de sonata y contrasta un tema vigoroso y enérgico en octavas con una idea más delicada y ligeramente orquestada en violines y violonchelos. El movimiento lento ( Adagio cantabile ) comienza con una de las melodías más conmovedoras y sentidas de Tippett para violín solista grave, que revela el profundo amor del compositor por el blues , especialmente el canto de Bessie Smith . Una fuga ofrece un contraste cromático , y el movimiento se completa con un regreso de la melodía inicial en el violonchelo solista.
En el rondo final (Allegro molto), Tippett utiliza una melodía que generalmente se describe como "basada en una melodía de gaita de Northumbria " para llevar la obra a un clímax emocionante y estimulante. Sin embargo, esta melodía, tal como aparece aquí, no se parece a ninguna melodía tradicional de gaita de Northumbria y, al tener un compás de dos octavas, sería imposible de tocar en el instrumento.
Movimiento 1 - Allegro con brio
Aunque el movimiento inicialmente suena como forma ritornello, en realidad es forma sonata.