New York Eye and Ear Control es un álbum de improvisaciones grupales grabado en julio de 1964 por una versión aumentada delgrupo de Albert Ayler para proporcionar la banda sonora de la película de Michael Snow del mismo nombre. [4]
New York Eye and Ear Control surgió cuando el artista, músico y cineasta Michael Snow recibió un encargo de una organización con sede en Toronto llamada Ten Centuries Concerts para una película que empleaba jazz. [5] Snow había asistido recientemente y disfrutado de un concierto del saxofonista Albert Ayler [5] (recordaba "quedé completamente noqueado" [6] ), y había estado poniendo su estudio en Chambers Street en el bajo Manhattan a disposición de músicos como Roswell Rudd , Archie Shepp , Paul Bley y Milford Graves para los ensayos. [7] Decidió contratar a Ayler y su cuarteto (que en ese momento incluía al trompetista Don Cherry , el bajista Gary Peacock y el baterista Sunny Murray , y que había grabado recientemente los álbumes Prophecy y (sin Cherry) Spiritual Unity ), junto con el trombonista. Rudd y el saxofonista John Tchicai , para realizar una grabación, afirmando que "quería comprar media hora de música". [5]
Snow recordó que tenía ciertas estipulaciones antes de la sesión: "No quería ninguna composición tocada previamente, y quería que fueran tantas improvisaciones en conjunto como fuera posible sin solos". [5] También afirmó: "Mientras estaba involucrado con el llamado free jazz, siempre me sorprendía cómo todo el mundo seguía sujetando libros, como en todo el jazz anterior, donde tocas una melodía, tocas tus variaciones y luego tocas la Sintonizar de nuevo. Seguía sintiendo que no quería eso, y particularmente lo que tenía en mente para la película, definitivamente no lo quería, lo quería con la más pura improvisación libre posible". [8] Según Snow, "Aceptaron y actuaron de esta manera... en mi opinión, esta es una de las razones por las que la música es tan genial". [6] Más tarde llamó al conjunto "uno de los mejores grupos de jazz de todos los tiempos". [9] (En su ensayo de 1966 "Around about New York Eye and Ear Control", Snow resumió sus pensamientos sobre la música: "La forma de la canción finalmente es inutilizable, el ritmo estricto finalmente es inutilizable en 'Jazz'. Sigue 'adelante' donde antes a... ¡Sorpresa! La demanda de Canto y Danza es tan natural que puede haber 'nuevas' Canciones, 'nuevos' Ritmos, 'nuevas' Danzas. Una sorpresa muy agradable." [10] )
La sesión de grabación tuvo lugar el 17 de julio de 1964 en el loft del poeta Paul Haines , que era vecino de Snow y que también instaló y operó el equipo de grabación. [11] [12] Roswell Rudd recordó que Snow "no dijo nada. Dijo que simplemente siguiera adelante y jugara y cuando tuvo el tiempo que necesitaba, lo tomó e hizo una película con eso. En otras palabras, hizo la película. a partir de una sesión improvisada en lugar de hacer la película y ponerle la banda sonora. Hizo una banda sonora y luego salió y filmó una película, no sé cuántas personas han hecho eso alguna vez". [12] (Las notas del álbum confirman esto, diciendo "La música fue grabada antes de la producción de la película". [13] )
La película de Snow utiliza el motivo de lo que llamó la "Mujer Caminante", una silueta basada en la imagen de Carla Bley. [14] Snow declaró: "En mis películas he tratado de darle al sonido una posición más pura e igualitaria en relación con la imagen". [6] "Esperaba una corriente ininterrumpida de energía contra la cual iba a colocar las tomas casi completamente estáticas de la figura bidimensional de Walking Woman, ya sea negativa o positiva. La imagen fue editada sin referencia a qué episodio sonoro podría acompañarlo. Es un intento de hacer una simultaneidad de "ojo" y "oído". Y la música fue creada para ser la banda sonora de una película, no para ser simplemente 'música'". [15]
Respecto a su elección de título, Snow también dijo:
Es como si la música fuera un tipo particular de experiencia y la película fuera algo bastante diferente que se ve simultáneamente. Por eso el título, New York Eye and Ear Control : en realidad era poder escuchar la música y poder ver la imagen sin que la música dijera: Esta imagen es triste o esta imagen es feliz, que es una forma en que la película Siempre se utiliza la música. Realmente quería que fuera posible que pudieras escucharlos. Son muy, muy diferentes. Es como si la parte de la imagen fuera muy clásica y estática. De hecho, la mayor parte del movimiento está en la música. Entonces, son una especie de contrapunto y están en sus propios mundos, pero suceden simultáneamente. [dieciséis]
La película se estrenó ese mismo año en Toronto. [15] Snow recordó: "Me sorprendió ver a la gente levantarse y salir muy temprano en la proyección de la película". [15] En una proyección posterior en Nueva York, "El público abucheó, abucheó, silbó y arrojó papel a la pantalla. La película terminó y, sorprendentemente, también hubo fuertes aplausos. Dos personas del público se levantaron de un salto y corrieron. a la cabina donde estaba con el proyeccionista. Estaban muy emocionados y dijeron: 'Eso fue maravilloso. ¿Quién hizo eso?' Dije que yo era el realizador de la película, tuvimos una breve conversación y se presentaron: Andy Warhol y Gerard Malanga". [15] Según Snow, Bernard Stollman , fundador de ESP-Disk , se enteró de la película y se acercó a él para publicar la música en un álbum. Snow declaró: "la idea surgió después de que la película se había hecho y mostrado y desconcertó a todos... [Stollman] me preguntó si estaría interesado, y en realidad tenía sentimientos encontrados al respecto, porque fue hecha precisamente para ser usado junto con las imágenes que hice. Estaba haciendo una película con esta música, y para separar las dos, realmente tuve que discutirlo, lo cual parece un poco extraño, supongo, pero la intención era hacerlo. Úselo de cierta manera con ciertos tipos de imágenes". [17]
Los críticos han comparado el álbum con grabaciones clave de free jazz como el anterior Free Jazz de Ornette Coleman y el posterior Ascension de John Coltrane . John Litweiler lo considera favorable en comparación debido a su "libre movimiento de tempo (a menudo lento, generalmente rápido); de densidad de conjunto (los músicos entran y salen a voluntad); de movimiento lineal". [18] Ekkehard Jost lo coloca en la misma compañía y comenta sobre "un toma y daca extraordinariamente intenso por parte de los músicos" y "una amplitud de variación y diferenciación en todos los niveles musicales", calificándolo como "una de las mejores grabaciones de Ayler". " [19] Richard Brody escribió que el álbum es "superior a esas actuaciones en su formato más libre, verdaderamente orientado al grupo, sin solistas ni acompañantes específicos", afirmando que "la juerga desenfrenada une la alegría de las tradiciones de Nueva Orleans con las furias urbanas". del día." [20] El crítico de All About Jazz, Clifford Allen, describió New York Eye and Ear Control como "una ventana valiosa a la historia temprana de la música, así como a lo que pudo haber sucedido fuera de las fechas de grabación, de lo que más de uno suele estar al tanto". [21] El dramaturgo y director Richard Foreman describió su reacción ante la conjunción de la película y la música de la siguiente manera: "Mike Snow postula un ojo que mira las superficies con tanta intensidad... la imagen misma parece temblar, finalmente cede ante La presión. Un comienzo engañoso –silencioso: una forma blanca y plana cortada bruscamente a la silueta de una mujer que camina, sin razón aparente apoyada contra los árboles, las rocas de la orilla del mar pero lentamente– bajo el ataque del tiempo, la luz y una música creciente tan agresiva. comienza a pasar por alto el oído y atacar los hábitos de visión de los ojos. Cada vez que un corte borra a esta absurda idiograma-mujer, ella reaparece – apoyada contra la amenaza del ojo destructivo por el SONIDO – que insiste en construir un espacio en el que. Los objetos pueden sostenerse por sí mismos." [22]