El Concierto para orquesta de doble cuerda de Michael Tippett (1938-1939) es una de sus obras más populares y frecuentemente interpretadas.
Al igual que otras obras de la temprana madurez del compositor, como la Primera Sonata para piano y el Primer Cuarteto de Cuerdas, el Concierto se caracteriza por una energía rítmica y un atractivo melódico directo. Representando a la vez un punto de encuentro para muchas de sus primeras influencias y una liberación de las experiencias catalizadoras que definieron la década posterior a su salida de Londres y del Royal College of Music, el Concierto fue un experimento de multiplicidades, donde la diversidad del material temático (inventado y importado) se sintetizó a través de la unidad tímbrica del conjunto (dos conjuntos, de hecho, una manifestación más de la oposición y las divisiones que contribuyen a la multidimensionalidad de la obra). [1]
Tippett identificó los polirritmos y los elementos de Northumbria en la pieza como provenientes de la influencia de Jeffrey Mark , a quien había conocido mientras estaba en el RCM. La pieza está dedicada a Mark, y Tippett también realizó un retrato de Mark en la segunda variación de la Fantasía sobre un tema de Handel : "porque la guerra traumatizó a Jeffrey Mark, una explosión tintineante de octavas". [2]
Como en el oratorio de 1941 Un niño de nuestro tiempo y la Sinfonía n.° 3 de 1973, las preocupaciones humanitarias de Tippett se evidencian claramente en su uso de melodías que se derivan de fuentes musicales populares y populares y se derivan de ellas.
Tippett completó la partitura el 6 de junio de 1939 y se estrenó el 21 de abril de 1940. [3]
Se puede mostrar la influencia de Bartok y Stravinsky, así como la de la Escuela Madrigal inglesa del siglo XVII . De estos, y de las canciones populares , Tippett deriva su técnica distintiva y personal de "ritmo aditivo". Esto ha sido descrito como "una especie de ritmo cuyo efecto está determinado por una acumulación de acentos irregulares e impredecibles en la música". [4] El compositor David Matthews describe el efecto así: "[E]s la libertad rítmica de la música, su alegre liberación de las nociones ortodoxas de acento y duración de la frase, lo que contribuye en gran medida a su vitalidad". [5]
Al dividir la orquesta en dos secciones iguales e idénticas, Tippett puede enfrentar una contra la otra, utilizando la síncopa y la imitación para añadir más vitalidad rítmica y propulsión a la música. Este efecto antifonal es similar al que se encuentra en la música coral del Renacimiento y del Barroco temprano de compositores como Monteverdi y Gabrieli . El primer movimiento ( Allegro con brio ) tiene forma de sonata y contrasta un tema vigoroso y conductor en octavas con una idea más delicada y ligeramente compuesta en violines y violonchelos. El movimiento lento ( Adagio cantabile ) se abre con una de las melodías más conmovedoras y sentidas de Tippett para violín solo bajo, que revela el profundo amor del compositor por el blues , especialmente el canto de Bessie Smith . Una fuga ofrece contraste cromático y el movimiento se completa con el regreso de la melodía inicial en el violonchelo solista.
En el final del rondó (Allegro molto), Tippett utiliza una melodía generalmente descrita como "basada en una melodía de gaita de Northumbria " para llevar la obra a un clímax emocionante y edificante. Sin embargo, esta melodía, tal como aparece aquí, no se parece a ninguna melodía tradicional de gaita de Northumbria y, al tener un compás de dos octavas, no se podría tocar en el instrumento.
Movimiento 1 - Allegro con brio
Si bien el movimiento inicialmente suena como una forma de ritornello, en realidad está en forma de sonata.