Chung Sanghwa ( coreano : 정상화 ; hanja : 鄭相和; nacido en 1932) es un artista minimalista y dansaekhwa surcoreano . [1] [2] [3] Después de recibir su Licenciatura en Bellas Artes de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Seúl en 1956, Chung desarrolló su estilo de pintura único en forma de cuadrícula en Japón y Francia a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980. [4] Procedente de una generación de artistas surcoreanos de posguerra, el proceso reductivo de pintura de Chung consiste en la aplicación y eliminación repetitiva de la pintura sobre el lienzo. [5]
Chung Sanghwa nació en 1932 en el condado de Yeongdeok ( 영덕 ;盈德), provincia de Gyeongsang del Norte , Corea del Sur. Recibió su licenciatura en pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Seúl en 1956. [6] [7] En la universidad, se centró en pintar imágenes figurativas y figurativas, pero poco a poco pasó a "experimentar con la pintura de estilo informal atípico". [8] En la escena artística coreana de la década de 1950, Chung Sanghwa desarrolló una fascinación por la materialidad del lienzo y la pintura y se acercó a la pintura como si estuviera esculpiendo una obra tridimensional en medio del "torbellino del movimiento informal". [9]
Chung Sanghwa participó en la exposición grupal de 1958 para la Asociación de Artistas Contemporáneos ( 현대미술가협회 ), la exposición del Grupo Actuel de 1962 ( 악튀엘 ) y la exposición de 1963 para el Congreso para la Libertad Cultural (CCF, 세계문화자유회의) y gradualmente se involucró con el monocromo , el minimalismo y el arte informal . [10] [6] Después de graduarse, se formó en París durante un año en 1967, pintó en Kobe , Japón de 1969 a 1976, y luego nuevamente en París de 1977 a 1992. [11] Participó en la IV Bienal de París en 1965 y en la X y XII Bienal de São Paulo en 1967 y 1973. [12]
Chung vivió la Guerra de Corea (1950-1953) y formó parte de la generación de artistas surcoreanos de posguerra. Al expresar emociones contemporáneas compartidas de pérdida, ansiedad y miedo por los conflictos ideológicos y la violencia formidable que se experimentaron a raíz de la guerra, Chung inicialmente utilizó colores llamativos y material de clase, pero lentamente fue pasando al trabajo monocromático durante su estancia en Kobe en la década de 1970, desarrollando más tarde sus famosas estructuras de cuadrícula a finales de los años 70 y principios de los 80. [13] [14] Mientras que sus obras de la década de 1960 se crearon dibujando cuadrículas y rellenando los cuadrados con color, las obras de la década de 1970 emplearon el nuevo método de "eliminación" y "relleno" del espacio. [15] [16]
Después de trabajar en París durante un año en 1967, Chung se mudó a Kobe, donde estaba más cerca de casa después de que su esposa enfermara. Allí, experimentó con diversas técnicas y medios, incluido el papel , la impresión , el décollage y el frottage , creando su propio vocabulario visual en el proceso. [17] Al interactuar con artistas de Gutai , Chung Sanghwa continuó construyendo y refinando su estilo a lo largo de la década de 1970. [18] Con el estímulo de su suegra, Chung continuó pintando en París incluso después de la muerte de su esposa hasta 1992, después de lo cual regresó a Corea del Sur y estableció su estudio en Yeoju , provincia de Gyeonggi . [19]
La identidad de las obras de Chung Sanghwa es más evidente en su metodología . [15] [20] El patrón del "proceso interminable de agregar y restar sobre la superficie demarcada" es un sistema que forma un plano saturado y profundidad en el espacio del lienzo. [16] [12] Las cuadrículas de Chung se han descrito como un plano intermedio que conecta el espacio interno y externo; en lugar de una barrera física y sólida que separa los dos espacios, el método de Chung de "vaciar y llenar" es una forma de verlos como un reino de conciencia coexistente e interactivo . [12] [11] La técnica está más cerca de esculpir o moldear cerámica que de " pintar " y es comparable a la técnica de incrustación sanggam ( 상감기법 ) en cerámica en la que se cortan capas de arcilla y, en su ausencia, se inserta un engobe blanco para formar patrones. [21] [22]
Los componentes técnicos de la práctica artística de Chung Sanghwa son laboriosos y se interpretan como "un registro de su encuentro con el material". [23] Comienza formando capas de superficie pictórica de 1,5-5,0 mm compuestas de una mezcla de caolín y pegamento para madera , sobre las que talla en " fracturas " doblando repetidamente el lienzo suelto . [24] [25] Después de esto, vuelve a colocar el lienzo en el marco de madera y modulariza la superficie cortando cuadrados individuales y llenándolos con múltiples capas de pintura hasta que logra la textura y profundidad deseadas. [24] [26] Chung Sanghwa afirma que el trabajo manual forma parte integral de su metodología; no contrata aprendices ni asistentes y, como la mayoría de sus obras son grandes, muchas de ellas tardan más de un año en completarse. [27] Explica que sus obras nunca son espontáneas; más bien, son acumulaciones deliberadas y coordinaciones cuidadosas de sensaciones temporales, pensamientos instintivos y trabajo psicológico que se unen en forma de innumerables píxeles . [28]
A medida que sus obras adquirieron la forma de una abstracción completa en Kobe a partir de 1973, reemplazó los colores vivos por monocromos . [9] Sin embargo, el monocromo de Chung Sanghwa consiste en numerosas variantes del mismo color. La mayoría de sus obras están en delicados tonos de blanco o azul. Según el artista, el azul es refrescante y puede expresar cambios sutiles y misteriosos de tonos, mientras que el blanco tiene una fuerte presencia y es efectivo y transparente para mostrar el contenido o el proceso de sus obras. [27] [29] No hay dos obras del mismo color y Chung demuestra un control estricto de su superposición de pintura acrílica que se filtra a través de superficies individuales del lienzo pixelado y profundidades variables de caolín para formar conjuntos únicos de colores. [30] [31]
Las estructuras en cuadrícula de Chung Sanghwa se habían perfeccionado más o menos en su segunda residencia en París a fines de los años 1970 y su metodología de "pelar y rellenar" había madurado hasta convertirse en sofisticación. [17] Mantuvo sus prácticas artísticas y características estilísticas que había formulado en París durante la mayor parte de su carrera e incluso después de regresar a Corea del Sur. [17]
Chung realizó exposiciones nacionales e internacionales, incluida From All Sides: Tansaekhwa on Abstraction (2015) en la galería Blum & Poe en Los Ángeles . [32] [33] [34] [35] [36] En 2015, las pinturas de Chung Sanghwa se incluyeron en la Feria de Arte Frieze de Nueva York. [37] La Galería Hyundai (갤러리현대, Seúl, Corea) ha organizado más de 25 exposiciones de Chung, incluidas 9 muestras individuales desde 1983. [38] [39] [40] [41] [42] Desde 1996, Chung continúa trabajando en su estudio apartado en Yeoju. Las obras de Chung se encuentran en colecciones permanentes de muchas instituciones de arte prestigiosas, incluido el Museo de Arte Samsung Leeum , el Museo de Arte de Seúl , el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio , el Museo de Arte de la Prefectura de Shizuoka y el Museo de Arte Asiático de Fukuoka. [43] Al igual que muchos otros artistas de Dansaekhwa , Chung Sanghwa ha logrado un éxito comercial significativo, particularmente a partir de la década de 2010, y sus obras a menudo se han vendido o subastado a precios récord. [44] [45]