Christine Hellyar (nacida en 1947) es una artista neozelandesa que realiza esculturas e instalaciones. [1]
Hellyar nació en 1947 en Nueva Plymouth . Completó un Diploma en Bellas Artes (Hons) en la Escuela de Arte de Elam en 1970, [1] donde se centró principalmente en la escultura que incorpora paisajes y accidentes geográficos. [2] Mientras estaba en Elam, Hellyar fue enseñado por el escultor Greer Twiss y se hizo amigo de la también escultora Molly Macalister . [2]
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Trabajando tanto en escultura como en instalación, el trabajo de Hellyar incorpora una amplia gama de materiales, desde elementos naturales encontrados como hierba y piedras, hasta arcilla, tela y yeso, látex, plomo y bronce para fundición. [3] : 54–55
A lo largo de los años, los temas constantes en el trabajo de Hellyar han incluido "su celebración del medio ambiente, su interés en la interacción de las personas con la naturaleza, la validación de lo doméstico y el cuestionamiento de los roles de género tradicionales". [3] : 54
En la escuela de arte la animaron a experimentar con látex de caucho y luego con un nuevo material. [1] Hellyar se sintió atraído por las propiedades del medio, que permitía una replicación precisa de la textura y los detalles, y utilizó látex para moldear objetos como hojas y piñas. [3] : 54
Country Clothesline (1972), ahora en la colección de la Galería de Arte Govett-Brewster , fue una de las primeras obras importantes de Hellyar: consta de 22 prendas bañadas en látex y colgadas de una cuerda sostenida por un poste. [4] : 161 Hay un elemento de azar en la obra, ya que no hay instrucciones sobre en qué orden deben colgarse los artículos. [5]
Una de las primeras exposiciones titulada Bush Situation (1976) creó un entorno que rodeaba al espectador con piezas de suelo y moldes colgantes de látex de vegetación, a menudo cosidos con alambre de cobre. [6] : 88 La historiadora de arte Priscilla Pitts señala que "A pesar de la sutileza del color y los detalles de estas obras, algunos espectadores encontraron la textura flácida y el olor gomoso del látex desagradable y claramente antinatural, un recordatorio poco bienvenido de que esto era arte". no la naturaleza'. [6] : 88
Hellyar se mudó a Cornwall en el Reino Unido en 1974, y luego se mudó a Escocia , donde vivió de 1977 a 1978, antes de regresar a Nueva Zelanda. [2] Durante este período, viajó por Europa y visitó muchos museos y galerías. [7] Esta experiencia alimentó su interés en la forma en que se recolectan y exhiben los objetos como "artefactos". [7] Posteriormente, Hellyar produjo una serie de obras a principios de la década de 1980 conocidas como 'Gabinetes de pensamiento', en las que se basó en la estética de las exhibiciones de museos, presentando huesos, alimentos y 'artefactos' que creó a partir de una variedad de materiales en Armarios, alacenas, bandejas o directamente en el suelo del espacio de la galería. [3] : 54 Las obras examinan, entre otras ideas, la evolución del pensamiento y la inteligencia humanos y cómo el modelo cazador/recolector de las sociedades antiguas podría aplicarse a la vida moderna. [1] [3] : 54
Desde finales de la década de 1970, Hellyar comenzó a trabajar más con objetos y materiales encontrados como la arcilla, que eran menos costosos y más fáciles de conseguir que el látex y el metal. [4] : 161 El escritor Warwick Brown describe una 'exposición memorable de 1979' donde Hellyar mostró '70 esculturas pequeñas y suaves hechas de percal sin blanquear cosido y envueltas en diversos materiales naturales. Las antenas asomaban entre pliegues y bolsillos; cosas peludas y plumosas escondidas en capullos o telarañas. Cada pequeña obra tenía su propia identidad, y el espectador parecía rodeado de una vida protectora y solitaria, reunido en un laboratorio para el estudio o la experimentación”. [1]
En 1982, Hellyar realizó una exposición llamada Shelter en la Galería de Arte de la ciudad de Auckland . [4] : 162 Para ello llenó toda la habitación con estructuras creadas a partir de muselina, lino y ramitas, que fueron trenzadas, tejidas y cosidas entre sí. [4] : 163 Las estructuras parecían trampas, guaridas o refugios, y estaban "habitadas" por "pequeñas criaturas hechas de sustancias como pieles y garras, conchas y cortezas". [4] : 163 En el mismo año, Hellyar se unió al personal docente de Elam. [2]
Para la Bienal de Sydney de 1982 , Hellyar creó una instalación escultórica con tres componentes: Meat Cupboard , Dagger Cupboard y Cloak Cupboard . Los gabinetes de madera con frentes de vidrio estaban llenos de una variedad de objetos creados y coleccionados por la artista: en una carta describió el contenido de Meat Cupboard como "3 huesos realistas provenientes de cortes de tamaño decente, 6 formas fetales abstractas, 6 "encontrados" recolectados. ' nidos, 6 de mis recipientes de barro con diferentes tipos de carne en cada uno." [8] Cada grupo de artículos se colocó en un estante separado en su gabinete, y cada estante hacía referencia a un estilo de arte diferente: Realismo en la parte superior, luego Abstracción, luego Objetos Encontrados, y el estante más bajo fusionaba los tres. [8]
A mediados de la década de 1980, Hellyar empezó a trabajar con látex y telas de nuevo, y amplió el tema del "cazador/recolector" en obras como "Pacific Food Aprons", en las que se cosían moldes de látex de verduras y carne sobre delantales de tela. [3] : 55 [4] : 163 La historiadora del arte Anne Kirker señala que en el momento de su exposición Aprons en 1985 en Wellington, Hellyar era vista como "uno de los escultores más innovadores y que invitan a la reflexión del país". [8] Priscilla Pitts en su estudio de 1998 sobre la escultura reciente de Nueva Zelanda señala que la tensión entre grandes ideas y manifestaciones sutiles es clave para el trabajo de Hellyar. Al describir una instalación de 1986 , Nacer, dar frutos y morir , compuesta por formas de vida vegetal y marina moldeadas con arcilla blanca fina o fundidas en látex, bronce, plomo o hierro, Pitts escribe:
Estas formas se agrupan para guiar al espectador a través de una narrativa esquematizada no sólo del ciclo humano (y de toda la naturaleza) de nacimiento, reproducción y muerte, sino también de la evolución de la vida, en la tierra, desde el agua a la tierra y finalmente al aire. La obra es grande y sus temas son grandiosos, pero a través de la naturaleza fragmentada y baja de la composición y el uso de objetos pequeños de tamaño natural, Hellyar se asegura de que sea todo menos monumental. Esta es una característica de gran parte de su trabajo, que desafía constantemente las nociones modernistas de la escultura como algo independiente, asertivo y monolítico. [6] : 89
En la década de 1990, Hellyar realizó grandes y delicadas esculturas de bronce hechas de plantas y flores. Hoy continúa trabajando en escultura e instalación. [1] Entre estas obras de arte se encontraba Armlet (1993), una escultura al aire libre encargada para la Universidad de Auckland que presenta hojas de palma nīkau , harakeke , dedos del pie y esquejes de helecho plateado fundidos en bronce. [2]
En 2015, Hellyar colaboró con los artistas Maureen Lander y Jo Torr en una exposición Tell Tails en la Biblioteca Nacional de Nueva Zelanda . [9] La exposición se inspiró en las colecciones de la Biblioteca Alexander Turnbull y en la contribución de Hellyar. Red Cloud se compone de decenas de pañuelos, pañuelos, servilletas y servilletas teñidos de rojo sangre. Todos estos materiales se utilizaron como elementos de intercambio en las primeras interacciones entre los pueblos indígenas del Pacífico y los exploradores europeos; La obra se inspiró en una obra del artista colonial William Ellis en la que los tahitianos usan pañuelos europeos. [9] A finales de 2017, Hellyar presentó la exposición Looking, Seeing, Thinking en Te Uru Waitakere Contemporary Gallery . [10] La instalación, hecha de tela impresa y esculturas, amplió el interés de Hellyar por la historia de la Ilustración en Nueva Zelanda:
La historia de la Ilustración en Nueva Zelanda ha sido un tema de trabajo de Hellyar desde 2002, en particular con su exposición Mrs Cook's Kete en el Museo Pitt Rivers de Oxford con Maureen Lander . Al explorar las historias de género, Hellyar señala que la madre de la señora Cook era una empresaria con un almacén que proporcionaba gran parte de la ropa de mujer utilizada para el comercio en el Pacífico. Hellyar está particularmente interesado en lo que los europeos trajeron al Pacífico en ese momento, y también en lo que se llevaron, incluido el desarrollo de colecciones de museos que asignan jerarquías a los objetos a través de procesos museísticos de denominación, clasificación y exhibición. El dibujo botánico, que todavía se utiliza en los museos, fue popular en el siglo XVIII, tanto para uso científico como entre entusiastas, botánicos aficionados y jardineros. [10]
Hellyar dio una conferencia en el Instituto Gippsland de Educación Superior en 1980 y fue profesora titular en Elam de 1981 a 1996. [3] : 102 Anne Kirker señaló en su Historia de las mujeres artistas de Nueva Zelanda de 1986 que Hellyar se había "ganado una reputación como profesora y "Es una de las pocas mujeres que trabaja como tal en cualquiera de las dos escuelas universitarias de arte de este país". [8]
Hellyar ha expuesto constantemente en Nueva Zelanda e internacionalmente desde la década de 1970. Su trabajo ha sido incluido en importantes exposiciones, incluida la Bienal de Sydney de 1982 , When Art Hits The Headlines ( Galería Nacional de Arte , Wellington, 1987), NZXI ( Galería de Arte de la Ciudad de Auckland , Galería de Arte de Nueva Gales del Sur , Sydney y el Instituto de Arte Contemporáneo). , Brisbane, 1988), Three from NZ ( Museo de Arte de Long Beach , Los Ángeles, 1990), Headlands: Thinking Through New Zealand Art ( MCA , Sídney, 1992), y Treasures of the Underworld (Pabellón de Nueva Zelanda en la Feria de Sevilla de 1992). Expo, Amsterdam y varias sedes de Nueva Zelanda, 1992 a 1994). [3] : 102
En 2005, Hellyar participó en Tylee Cottage Residency en la Galería Sarjeant de Whanganui y en 2011 como artista botánico residente en el Jardín Botánico de Auckland . [11]
El trabajo de Hellyar se encuentra en muchas colecciones públicas de Nueva Zelanda, incluida la Galería de Arte de Auckland , la Galería de Arte Govett-Brewster , el Museo de Nueva Zelanda Te Papa Tongarewa y la Galería de Arte de Christchurch . [5] [7] [12] [13]
El historiador de arte Michael Dunn siente que el arte de Hellyar está influenciado por el arte pop y Don Driver , y señala que los valores conservacionistas de Hellyar están presentes en sus obras. Al hablar de las obras de Hellyar, especialmente las obras que incorporan objetos coleccionables, Dunn comenta que "Hellyar se presenta como una coleccionista empedernida con ojo para ordenar sus objetos encontrados en sistemas de presentación que recuerdan a las exhibiciones de museos antiguos". [2]