Caroline Wogan Durieux (22 de enero de 1896 – 26 de noviembre de 1989) fue una grabadora, pintora y educadora estadounidense. Fue profesora emérita tanto en la Universidad Estatal de Luisiana , donde trabajó de 1943 a 1964, como en el Newcomb College de la Universidad de Tulane (1937-1942). Carl Zigrosser, conservador de grabados del Museo de Arte de Filadelfia, escribió:
"Durieux es una maestra en su instrumento. Es como un epigrama pronunciado con tono inexpresivo: el significado penetra con naturalidad; cuando de repente uno percibe el impacto pleno, lo persigue durante días. Su obra tiene esa cualidad inquietante porque sus raíces son profundas, su visión, profunda". [ cita requerida ]
Nació como Caroline Spelman Wogan en Nueva Orleans, Luisiana , el 22 de enero de 1896; en una familia criolla . [1] A la edad de 4 años, comenzó a dibujar y recibió lecciones de arte de Mary Williams Butler (1873-1937), quien era una artista local y miembro de la facultad de arte en Newcomb College en la Universidad de Tulane . [2] Trabajó con acuarela desde la edad de seis años y a la edad de 12 creó una carpeta de diez acuarelas que representan paisajes de Nueva Orleans. Una de esas acuarelas, Church Pew s, se ilustra a continuación. La mayoría de estas primeras obras se encuentran ahora en The Historic New Orleans Collection . [3] Continuó en Newcomb College de la Universidad de Tulane en la Escuela de Arte dirigida por Ellsworth Woodward . Desde sus días universitarios, se interesó por la sátira y el uso del humor en sus imágenes. Durieux obtuvo una licenciatura en Diseño en 1916 y una licenciatura en Educación Artística en 1917, y realizó estudios de posgrado en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania dirigida por Henry Bainbridge McCarter . [4]
Regresó a Luisiana después de graduarse y en abril de 1920 se casó con Pierre Van Grundard Durieux (1889-1949). Pierre trabajaba en el negocio de su familia, importando encajes y prendas de vestir de muchos países latinoamericanos. [5]
"Mi abuela me dio una pizarra y lápices. Dibujaba constantemente a pesar de las burlas ocasionales de los otros niños. Recuerdo que un primo se quejó de uno de mis dibujos de un caballo azul, a lo que le respondí: "Puedo dibujar el caballo azul si quiero, porque es mi caballo". De niño, solo era realmente feliz cuando dibujaba". [ cita requerida ]
"Todos los sábados por la mañana tenía clase con Mary Butler, una amiga de mi madre que enseñaba en Newcomb. Era muy buena porque te ayudaba, no te imponía nada. Me enseñó perspectiva, a ver cosas que no había visto antes. Me enseñó las reglas. Al principio las reglas me molestaban mucho hasta que decidí que no tenía que hacer cada cosa exactamente. Tenía buena memoria visual. También podía dibujar personas y se parecían a ellas de una manera muy rudimentaria. Solía conseguir semejanzas que me divertían muchísimo; eso me encantaba". [ cita requerida ]
"El señor Woodward nos daba a menudo un tema para que lo representáramos de alguna manera. Un día nos propuso como tema: "A quien tiene, más le será dado". Hice un dibujo en blanco y negro. Mostraba a un hombre en un hospital rodeado de cinco niños a los que una enfermera les presentaba un nuevo par de gemelos. Hizo que todo el mundo se riera porque era el único que tenía gracia. Todos los demás estudiantes habían optado por trabajar de forma más solemne. Woodward no podía tomárselo en serio; lo habría hecho si hubiera podido, pero no pudo. Nos dio otro que trataba sobre la muerte. Me criticaron porque se supone que los esqueletos son muy tristes, y yo había dibujado uno alegre" [ cita requerida ]
El trabajo de Pierre la llevó a trabajar en Cuba, un trabajo que Caroline describió como una época de "crecimiento artístico tranquilo que agudizó su sentido del color". [ cita requerida ] Caroline Durieux vivió en el Barrio Francés a mediados de la década de 1920 y formó parte de un círculo de individuos talentosos y creativos que aparecían en una publicación privada, "Sherwood Anderson and Other Famous Creoles". Sus vecinos de al lado incluían al autor William Faulkner y al diseñador de plata William Spratling . [ cita requerida ]
Durieux nació en un matrimonio mixto en una época en la que esto se tomaba más en serio que hoy. La familia Wogan era católica romana; los Spelman eran episcopalianos. Caroline solía referirse a su padre, Nicholas, como si estuviera oficialmente excomulgado de la Iglesia católica debido a su matrimonio con su madre. [6]
Los domingos, Caroline era llevada con su madre a los servicios protestantes y luego era llevada rápidamente a escuchar las "campanas y los olores" de la Misa Mayor de la Catedral Católica. [6]
La religión es el tema central en Benedición, Sacerdotes, Acólitos, Interior de la iglesia, Enmascarado de la muerte, Primera comunión (2), Ángeles ociosos, Insomne, La mujer de Lot, Lady Godiva, Anunciación, En el dique, Huevo de Pascua, Hierro se afila con hierro, Un líder de culto exhorta a su rebaño, Madre Carré y otros.
"No recuerdo un momento en el que no tuviera un lápiz en la mano intentando plasmar en una pizarra, en un papel de regalo o incluso en la madera ideas visuales sobre mi entorno.
Para mí el arte no es trabajo. Es diversión.
Si por casualidad puedo ofrecer a los demás algo de diversión mientras me entretengo yo mismo, tanto mejor. Si no, bueno... ¡qué lástima!" [7]
El 19 de abril de 1920 se casó con su amigo de la infancia Pierre Durieux en la casa de sus padres en el 1226 de Louisiana Avenue en Nueva Orleans. En octubre de 1920, los Durieux se mudaron a La Habana, Cuba, donde Pierre aceptó un puesto en General Motors. [7]
A finales de diciembre de 1920, Caroline Durieux regresó a Nueva Orleans para dar a luz al primer y único hijo de la pareja. Pasó los siguientes seis meses recuperándose de complicaciones posparto en la casa de vacaciones de sus padres en Bay St. Louis, Mississippi. Cuando regresó a Cuba, ella y Pierre vivieron en el tranquilo barrio de Vedado. Trabajó brevemente en una empresa de diseño, pero pasó la mayor parte de su tiempo creando pinturas, dibujos y acuarelas de su colorido entorno. Ha dicho que el color, y la mayoría de sus obras de este período fueron naturalezas muertas, flores y paisajes.
A petición de su ama de llaves, se involucró con las mujeres nativas de la comunidad, ayudándolas a idear un método rudimentario de control de la natalidad. [7]
Este ensayo de Marysol Nieves apareció en una publicación de Christie's de 1999 que destacaba la procedencia de una pintura de Rivera, La bordadora . "La década de 1920 marcó el comienzo de un período de transformación cultural extraordinaria y radical en México. Tal vez en ningún otro ámbito esta reinvención fue más notable que en las artes visuales, donde artistas como Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros abogaron por un nuevo enfoque de la creación artística que fuera social y políticamente comprometido, al mismo tiempo que se basaba en nociones de accesibilidad y compromiso cívico.
Su modelo galvanizó a artistas en los Estados Unidos que también buscaron liberarse del dominio del arte europeo para hacer arte que estuviera arraigado en el modernismo pero que reflejara su propia realidad específica. El diálogo intercultural que siguió hizo que muchos artistas estadounidenses viajaran a México, mientras que el muralista mexicano más importante pasó largos períodos de tiempo en los Estados Unidos, ejecutando murales, pinturas y grabados; participando en exposiciones; y enseñando e interactuando con artistas locales. Los artistas, escritores e intelectuales de Luisiana (y particularmente de Nueva Orleans) acudieron en masa a México... atraídos por las afinidades formales entre el arte precolombino y el modernismo, así como por las obras social y políticamente cargadas de sus colegas artistas del otro lado de la frontera. Por ejemplo, los nativos de Nueva Orleans William Spratling y Caroline Durieux entablaron amistad, estudiaron y colaboraron en numerosas ocasiones con artistas como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Emilio Amero y Carlos Orozco Romero.
Junto con la Universidad de Tulane, el entonces floreciente Club de Artes y Oficios de Nueva Orleans también sirvió como un nexo importante entre estas dos prósperas comunidades de artistas. En 1928, el Times-Picayune declaró a Diego Rivera "el pintor más grande del continente norteamericano" [8] al tiempo que anunciaba una exposición de cuatro días de sus pinturas al óleo y acuarelas en el Club de Artes y Oficios de Nueva Orleans. Otras exposiciones relacionadas siguieron, incluida una exposición de 1933 de obras de artistas mexicanos (Rivera, Amero y Tamayo) junto con obras de Spratling y Durieux.
Spratling, un diseñador de plata consumado, viajó a México a fines de la década de 1920 con el arqueólogo de la Universidad de Tulane, Frans Blom. Las noticias de las excavaciones de las ruinas mayas de Blom y sus exploraciones del istmo de Tehuantepec (también una fuente de estudio para Rivera) publicadas en periódicos y revistas locales cautivaron a los habitantes de Luisiana. [9] Motivado por estos relatos, Spratling viajó con Blom a fines de la década de 1920 para estudiar el arte indígena antiguo y la arqueología. El viaje finalmente impulsó a Spratling a mudarse a Taxco, México, donde desempeñó un papel importante en la promoción de las tradiciones de la platería mexicana.
La pintora y grabadora Caroline Wogan Durieux llegó a la Ciudad de México en 1926 con su esposo Pierre, el recién nombrado representante corporativo de General Motors en América Latina. Armada con una carta de presentación de Blom para el gran muralista Diego Rivera, Durieux se adaptó rápidamente a su nuevo entorno. Durieux no sólo se hizo amiga de muchos de los principales artistas e intelectuales mexicanos de la época (incluidos Rivera y Kahlo), sino que también floreció bajo la tutela de Rivera y Emilio Amero, con quienes perfeccionó sus habilidades como pintora y grabadora, así como las cualidades satíricas de su obra. En 1929, el curador René d'Harnoncourt organizó una exposición individual de pinturas al óleo y dibujos de Caroline en la Sonora News Company de la Ciudad de México. [10]
Rivera publicó una reseña entusiasta en la revista Mexican Folkways:
"Desde que vive entre nosotros, ha desarrollado una estrecha relación espiritual con el país y, al mismo tiempo, ha crecido en ella la madura capacidad de expresión de una pintora. Su pintura no sólo muestra el amor por la naturaleza, exaltando la grandeza de las montañas, la belleza de los campesinos y la ordenada libertad de nuestra arquitectura, sino que también ha visto a nuestra burguesía mestiza, pervertida y deformada, con la mirada clara de un montañés mexicano, y sin embargo con toda la urbanidad, la cultura y la sofisticación occidental que son propias de Caroline". [11]
La duradera amistad entre Durieux y Rivera se celebra quizás mejor en el elegante retrato que el artista mexicano pintó de su camarada de Nueva Orleans en 1929 y que hoy cuelga en la colección del Museo de Arte de LSU en Baton Rouge.
En 1926, su esposo Pierre fue nombrado representante principal de General Motors para toda América Latina, pero Caroline se quedó y trabajó en la Ciudad de México. Recibió una carta de presentación para Diego Rivera del antropólogo de Tulane, Franz Blom , que ayudó a facilitar su transición a la comunidad de artistas locales. En 1929, el curador Rene d'Harnoncourt organizó una exposición individual de pinturas al óleo y dibujos de Caroline en la Sonora News Company. Rivera escribió una reseña favorable de la exposición de su amiga y luego eligió la ocasión para pintar su retrato. Una vez más, un ascenso para Pierre marcó un desarrollo importante en la carrera de su esposa. Esta vez se mudaron a la ciudad de Nueva York, donde Caroline forjó una amistad de por vida con el comerciante de arte, Carl Zigrosser . Zigrosser defendió la carrera de Durieux, primero como director de la Galería Weyhe , luego como curador de grabados en el Museo de Arte de Filadelfia e incluyéndola en sus numerosos libros. Fue Zigrosser quien reconoció el talento de Durieux y su ojo para la sátira y la alentó a adoptar la litografía como medio principal de expresión artística.
En 1931, los Durieux fueron trasladados nuevamente a la Ciudad de México. Ansiosa por aprender más sobre litografía, Durieux se inscribió en la Academia de San Carlos (hoy conocida como Universidad Nacional Autónoma de México ) para estudiar con Emilio Amero . En 1934, Durieux experimentó con el aguafuerte, una técnica que aprendió de Howard Cook . Caroline le escribió a Carl Zigrosser: "Todos mis grabados son desgarradores. Creo que es porque el medio es muy precario: el menor desliz y todo está perdido. No puedo ser graciosa en una placa de cobre. Me siento trágica en el momento en que pienso en hacer un grabado". [12]
En 1937, a Pierre Durieux le diagnosticaron una enfermedad cardíaca grave . Sus médicos le ordenaron regresar a los Estados Unidos, por lo que la pareja abandonó México a regañadientes y regresó a Nueva Orleans. Más tarde ese año, Durieux fue contratada para enseñar en el departamento de arte del Newcomb College durante el semestre de otoño, donde se centró en garantizar que sus estudiantes pudieran dibujar antes de avanzar a otras clases. En octubre de 1937, Durieux exhibió su grabado, Hunger , como miembro de la Society of American Etchers (ahora conocida como Society of American Graphic Artists ). La exposición, organizada en la galería Marcel Guiot, contó con 50 miembros y artistas. Durieux aceptó un segundo trabajo como directora del Federal Art Project (FAP) de la Works Progress Administration en febrero de 1939. En un estado donde la segregación racial siguió siendo legal hasta la década de 1960, la división de Louisiana de Caroline del FAP fue el único proyecto que no practicó la discriminación. Caroline siempre expresó gran orgullo por ese logro: "Tenía la sensación de que un artista es un artista y no importa de qué color sea". Robert Armstrong Andrews, director asociado de la oficina nacional, elogió el trabajo de Durieux: "He observado que la gente de Luisiana se preocupa más por las potencialidades de los negros y menos por sus limitaciones que la gente de cualquier otro estado". [13]
De 1943 a 1964, enseñó en el departamento de arte de la Universidad Estatal de Luisiana . [14]
En la década de 1950, Durieux experimentó con el grabado; trabajó en el perfeccionamiento de su técnica de grabado electrónico (con tinta radiactiva) y produjo las primeras impresiones en cliché verre en color . [15]
En 1976, Caroline Durieux fue la primera artista viva en ser honrada con una retrospectiva de su obra en la Colección Histórica de Nueva Orleans.
En 1980, recibió el premio a la trayectoria artística del Women's Caucus for Art . [16]
A principios de los años cincuenta, Caroline se tomó un año sabático para estudiar litografía en color en París. Su decisión de continuar sus estudios es indicativa de la dedicación continua de Durieux al arte del grabado y de una larga vida de aprendizaje constante. Durante su permiso, viajó por toda Europa: Francia, Italia, España e Inglaterra. Finalmente, fue a estudiar al estudio de Edmund Desjobert (fallecido en 1964) y su hijo en París. [17]
Al principio, Durieux tuvo dificultades en el taller debido a su género:
"Cuando entré para comenzar mi trabajo, me dieron las piedras más pequeñas y antiguas que pudieron encontrar. Al principio estaba furioso, pero las usé para hacer mis primeras imágenes y las traje de vuelta. El maestro impresor parecía sorprendido por mi habilidad, y de inmediato me dieron la mejor piedra caliza, la más pesada, que tenían para mis siguientes piezas".
—Caroline W. Durieux
No sólo el director del taller notó el talento de Durieux sino que también quedaron impresionados con su capacidad para hablar su idioma: "Como hablo francés, me enseñaron todo tipo de pequeños trucos que no les contaban a los otros estadounidenses del grupo porque no les gustaban, ya que no hablaban francés". [17]
Estudió con Desjobert durante tres meses en 1952 y nuevamente en 1957.
En este nuevo medio, la litografía en color, su obra se volvió cada vez más abstracta y su sátira, más sutil y compleja. Las litografías en color de Durieux son más sugerentes y menos caprichosas. De su obra de esa época, dijo: "Quería ser más enfática, más esencial. Poco a poco me di cuenta de que lo que se DEJA FUERA es importante". [17]
El interés de Durieux por la muerte es evidente en la obra sobria y minimalista Insomnie (1957) (figura 121). La artista representa una escena nocturna de un cementerio montañoso que está repleto de cruces blancas. Una zona verde con contornos blancos marca cada parcela. Incluso en la muerte, un esqueleto solitario no puede relajarse y se sienta despierto contemplando el cielo lleno de estrellas. La idea se le ocurrió a Durieux cuando vio un cementerio militar estadounidense mientras viajaba en autobús en el sur de Italia; pensó que todos estaban dormidos; "luego se me ocurrió que tal vez uno de ellos no lo estaba". [17]
Durieux tenía un gran interés por el clima político en su país y en el extranjero. Las actividades del Ku Klux Klan perturbaban al artista, como a muchos otros sureños. Deep South (1957) (figura 130) es una "parodia" del KKK15 con sus figuras encapuchadas y numerosas cruces caídas y sus cenizas.
La elección de colores de Durieux, rojo, blanco, azul y amarillo, también tiene una intención irónica. El rojo, el blanco y el azul implican patriotismo, una emoción que los miembros del Klan intentan evocar entre sus miembros. La inclusión del amarillo por parte de Durieux añade una dimensión sutil a la litografía, ya que el color se asocia tradicionalmente con la cobardía.
Durieux no pasó todos sus tres viajes a París en el taller de Desjobert. También trabajó en el grabado en color en Lacouriere-Frelaut, fundada en 1929. Trabajó con Roger Lacouriere, un grabador y maestro impresor a quien Stanley William Hayter llamó "el artesano más hábil de la impresión en color". [17]
Caroline Durieux, John McCrady y Ralph Wickiser colaboraron en un libro de 1948, Mardi Gras Day , publicado por Henry Holt. Cada artista contribuyó con 10 obras de arte como ilustraciones para el libro. Las diez litografías que Durieux contribuyó para este libro son menos satíricas que gran parte de su trabajo. Cuando se le preguntó sobre esto, Durieux dijo que Mardi Gras era inherentemente autosatírico y, por lo tanto, decidió presentarlo tal como es. [18]
Durieux estuvo presente en la jornada de puertas abiertas del día de Mardi Gras organizada por Lyle Saxon en el Hotel St. Charles. Vestirse con un disfraz era un requisito para ingresar a la fiesta y algunas de las imágenes de Durieux para el libro eran de asistentes. [18]
En 2018, el desfile de Hermes incluyó una carroza titulada Caroline Durieux, que se inspiró en Swine Maskers, una de las litografías de la artista del libro. Las otras nueve litografías fueron: Carnival Ball, Coach Dogs, Death Masker, Five Girls, Night Parade, Queen of the Carnival, Rex, Six o'clock, TruckRiders. [19]
En agosto de 1940, el presidente Franklin D. Roosevelt nombró a Nelson A. Rockefeller para dirigir la Oficina del Coordinador de Asuntos Interamericanos (CIAA), una nueva agencia federal cuyo principal objetivo era fortalecer las relaciones culturales y comerciales entre los EE. UU. y América Latina, en particular Brasil, con el fin de encaminar la influencia del Eje y asegurar la solidaridad hemisférica. Rockefeller nombró a Caroline Durieux para acompañar una exposición del Museo de Arte Moderno a Buenos Aires, Montevideo y Río. [7] Muchos imaginaban de manera diferente las exposiciones de arte que se enviaban a México. ¿Eran puramente culturales? ¿Tenían la intención de mejorar las relaciones entre nuestros países o estaban destinadas a promover nuestros objetivos estratégicos, políticos y de defensa? Habiendo pasado gran parte de su carrera en Cuba y México, Durieux tenía las habilidades lingüísticas y las conexiones políticas necesarias para comprender las sensibilidades del público objetivo. Transmitió sus preocupaciones a DC de que el cartel promocional estaba demasiado centrado en los EE. UU. para ser aceptado ampliamente y que el catálogo que lo acompañaba era confuso porque las obras que no se exhibían en una ciudad determinada estaban ilustradas de manera destacada en el libro que lo incluía todo. [20]
Durieux era una persona inteligente y sociable, y utilizó esas habilidades para que los eventos fueran un éxito. Involucró a los artistas locales, alentó su participación y los cautivó con sus charlas y simposios sobre arte. Facilitó la adquisición de los suministros necesarios a nivel local para que las comunidades pudieran expresar sus visiones. [20] Lo que comenzó como una buena intención sin fundamento se convirtió en un diálogo saludable sobre el arte entre las naciones. [20]
En la década de 1950, el trabajo de Durieux en la impresión electrónica se utilizó como herramienta en la Guerra Fría . La Comisión de Energía Atómica envía una exposición de las obras de Durieux a todo el mundo para promover la premisa de que la energía atómica puede utilizarse para crear arte en lugar de armas. [7]
Caroline Durieux nunca se conformó con lo que había logrado. Le intrigaban la experimentación y las nuevas fronteras. El libro de Zigrosser sobre Durieux se publicó en 1949. En 1951, Durieux experimenta con sus amigos de la facultad Naomi y Harry Wheeler, un botánico, con microbios recubiertos de tinta. En 1952, Durieux crea la primera impresión electrónica utilizando tinta radiactiva. En el libro The Appeal of Prints, Carl Zigrosser elogia la técnica como un avance en la técnica del grabado.
En 1954, Durieux introduce el color en el proceso de impresión electrónica con la ayuda de sus amigos profesores de Química, el Dr. Olen Nance y el Dr. John F. Christman.
En 1957, Durieux solicita una patente para la impresión electrónica. Ese mismo año, ella y el Dr. Christman recuperan la técnica del siglo XIX, el cliché verre, utilizando papel fotográfico en lugar de vidrio. Finalmente, idean una forma de imprimir clichés verres en color utilizando la nueva técnica.
Las nuevas técnicas tardaron en adoptarse porque muchos se mostraban reacios a trabajar con niveles bajos de radiación. Sin embargo, el trabajo experimental de Durieux fue bien recibido tanto por los críticos como por los museos.
Caroline Durieux fue una profesora talentosa y una mentora dedicada de sus alumnos, primero en el Newcomb College de la Universidad de Tulane en Nueva Orleans y luego en la Universidad Estatal de Luisiana en Baton Rouge. En 1964 se jubiló como profesora emérita, pero continuó viendo y asesorando a los estudiantes en su casa cerca del campus hasta que sufrió un derrame cerebral en 1980. Entre sus alumnos hay cinco que merecen ser mencionados. [21]
George Dureau (1930–2014) fue un fotógrafo y pintor especializado en fotografías de desnudos en blanco y negro de atletas pobres, enanos y amputados, muchos de ellos negros. Sus fotografías aparecieron antes de que Robert Mapplethorpe se hiciera famoso por sus retratos de desnudos; se cree que el trabajo de Dureau inspiró a Mapplethorpe. Los ataques de extremistas de derecha a una exposición de Mapplethorpe ayudaron a elevar su perfil. En contraste, los conservadores de la alta sociedad de Nueva Orleans parecían aceptar colgar las fotografías de Dureau de hombres negros desnudos junto a sus Audubon.
Una noche, Caroline estaba cenando en la casa de su colega artista Evelyn Withersoon (1901-1998) cuando George Dureau irrumpió en la fiesta para arrodillarse frente a Durieux y presentarle un gran dibujo de un cupido desnudo dotado de un pene enorme: una tarjeta de San Valentín para su mentor.
Robert Gordy (1933-1986) es considerado uno de los pintores sureños más originales y creativos del siglo XX. Fue conocido por sus complejas pinturas acrílicas que presentaban patrones y repeticiones, y formas lineales en un espacio pictórico plano con colores muy similares. Pintor y grabador, Gordy creó una magnífica serie de monotipos al final de su vida.
Aris Koutroulis (1938–2013) creció durante la Segunda Guerra Mundial, en Grecia, sobreviviendo a los bombardeos y al hambre. Ese trauma marcó su vida como ciudadano estadounidense y como artista. En la Universidad Estatal de Wayne, fue una piedra angular del Departamento de Grabado, donde desafió las ideas de sus estudiantes sobre lo que era el arte, al tiempo que les permitía cuestionar sus propios procesos personales de creación artística.
En una historia oral del Smithsonian, Koutroulis afirmó:
"Caroline Durieux fue fantástica, una gran influencia en mi vida. Aprendí de ella no sólo sobre arte, sino también sobre la vida. Era absolutamente asombrosa en su forma de vivir y de pensar, la claridad de su mente y su capacidad de saber qué es y qué no es, qué es real y qué es ilusionista. Ella se dio cuenta de mi potencial. Fue la responsable de que yo fuera a Tamarind. Ella les escribió: "Esta es la persona que deberías tener"." [22]
Elmore Morgan, Jr. (1931–2008) es un pintor de la pradera del suroeste de Luisiana que sigue la tradición del arte al aire libre y que creó una colección monumental de obras emblemáticas que capturan la paleta vívida de ese amplio paisaje bajo cielos espaciosos. Morgan también fue un fotógrafo consumado. De 1965 a 1998, Morgan enseñó pintura y dibujo en la Universidad de Luisiana en Lafayette, donde influyó profundamente en muchos pintores contemporáneos de Luisiana que estudiaron o enseñaron con él. Morgan fue alumno de Durieux y se convirtió en coleccionista de sus litografías. [ cita requerida ]
Jesselyn Benson Zurik (1916–2012) creó pinturas, esculturas y dibujos a lo largo de su vida y los exhibió en todo el mundo. Se destacó en la creación de ensamblajes impregnados de patrones arquitectónicos e industriales. Obtuvo su título de Diseño en el Sophie Newcomb College de la Universidad de Tulane en 1938, donde estudió con Caroline Durieux. Fue una devota de la educación permanente y fue generosa al apoyar a los artistas, especialmente en la creación en 1997 del Fondo Jesselyn Zurik para la Investigación en su alma mater, el Newcomb College. [ cita requerida ]
A principios de los años 50, Durieux se tomó un año sabático para estudiar litografía en color en París. Su decisión de continuar sus estudios es indicativa de su constante dedicación al arte del grabado y de una larga vida de constante aprendizaje. Durante su licencia, viajó por toda Europa: Francia, Italia, España e Inglaterra. Finalmente, fue a estudiar al taller de Edmund Desjobert (fallecido en 1964) y su hijo en París. Al principio, Durieux tuvo dificultades en el taller debido a su género:
"Cuando entré para comenzar mi trabajo, me dieron las piedras más pequeñas y antiguas que pudieron encontrar. Al principio estaba furioso, pero las usé para hacer mis primeras imágenes y las traje de vuelta. El maestro impresor parecía sorprendido por mi habilidad, y de inmediato me dieron la mejor y más pesada piedra caliza que tenían para mis siguientes piezas". [ cita requerida ]
No sólo el director del taller notó el talento de Durieux, sino que también quedaron impresionados con su capacidad para hablar su idioma:
"Como hablo francés, me enseñaron todo tipo de truquitos que no les contaban a los demás americanos del grupo porque no les gustaban porque no hablaban francés". [ cita requerida ]
Estudió en el Atelier Desjobert durante tres meses en 1952 y nuevamente en 1957. En este nuevo medio de la litografía en color, su obra se volvió cada vez más abstracta y su sátira más sutil y compleja. Las litografías en color de Durieux son más sugerentes y menos caprichosas. Dijo sobre su obra en esta época: "Quería ser más enfática, más esencial. Poco a poco me di cuenta de que lo que se DEJA FUERA es importante". [ cita requerida ]
El interés de Durieux por la muerte es evidente en la obra sobria y minimalista Insomnie (1957) (figura 121). La artista representa una escena nocturna de un cementerio montañoso que está repleto de cruces blancas. Una zona verde con contornos blancos marca cada parcela. Incluso en la muerte, un esqueleto solitario no puede relajarse y se sienta despierto mirando el cielo lleno de estrellas. La idea se le ocurrió a Durieux cuando vio un cementerio militar estadounidense mientras viajaba en autobús en el sur de Italia; pensó que todos estaban dormidos; "luego se me ocurrió que tal vez uno de ellos no lo estaba". Durieux tenía un gran interés en el clima político en su país y en el extranjero. Las actividades del Ku Klux Klan perturbaban a la artista como a muchos otros sureños. Deep South (1957) (figura 130) es una "parodia" del KKK15 con sus figuras encapuchadas y numerosas cruces caídas y sus cenizas. La elección de colores de Durieux (rojo, blanco, azul y amarillo) también tiene una intención irónica. El rojo, el blanco y el azul implican patriotismo, una emoción que los miembros del Klan intentan evocar en sus miembros. La inclusión del amarillo por parte de Durieux añade una dimensión sutil a la litografía, ya que el color se asocia tradicionalmente con la cobardía. Los tres viajes de Durieux a París no transcurrieron todos en el taller de Desjobert. También trabajó en el grabado en color en el Atelier Lacouriere-Frelaut, fundado en 1929. Trabajó con Roger Lacouriere, un grabador y maestro impresor a quien Stanley William Hayter llamó "el artesano más hábil de la impresión en color".
Durieux murió el 26 de noviembre de 1989 en Baton Rouge, Luisiana. [23] Sus documentos se conservan en la Universidad Estatal de Luisiana [24] y en los Archivos de Arte Americano . [25]
En 2010, se exhibió una retrospectiva, "Caroline Durieux: A Radioactive Wit", en el Museo de Arte de LSU. [26] En 2018, apareció en un cortometraje en la televisión pública de Nueva Orleans, WYES, como parte de la campaña "Tricentennial Moments" de la estación en honor a la ciudad. [ cita requerida ]
Las colecciones más grandes de obras de Durieux se pueden ver en los siguientes museos: el Museo de Arte de Filadelfia , la Colección Histórica de Nueva Orleans , el Museo Estatal de Luisiana , el Museo Ogden de Arte Sureño , el Museo de Arte de LSU , el Museo de Arte y Ciencia de Luisiana y el Museo de Arte Meridian . [7]
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