Boaz Vaadia (13 de noviembre de 1951 – 25 de febrero de 2017) fue un artista y escultor israelí-estadounidense que trabajó principalmente en piedra y posteriormente en fundición de bronce . Radicado en la ciudad de Nueva York desde 1975, su estudio estaba ubicado en Brooklyn . El poder de los materiales naturales y la relación de los seres humanos con ese poder determinan el contenido de la escultura de Vaadia. [1] Vaadia dijo sobre su trabajo: "Trabajo con la naturaleza como un socio igualitario. Lo más fuerte que abordo es esa conexión primordial del hombre con la tierra. Está en los materiales que uso, los entornos que creo y la forma en que trabajo". [2]
Numerosos coleccionistas públicos y privados de todo el mundo han adquirido obras de Vaadia para sus colecciones. Entre ellos se encuentran el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York, el Museo de Arte Moderno de San Francisco , California, el Museo de Israel , Jerusalén, el Museo al Aire Libre de Hakone , Hakone , Japón, y Grounds For Sculpture , Hamilton, Nueva Jersey . [3]
Vaadia sucumbió al cáncer de páncreas a los 65 años. [4]
Boaz Vaadia nació en una pequeña granja en Gat Rimon , Israel, y atribuye a sus padres el mérito de inculcarle un tremendo amor por la tierra y un sentido de conexión con ella que equivalía a la veneración. [5] Al crecer en una granja, aprendió de su padre a utilizar una mula para arar los campos en lugar de un tractor porque "el tractor violaba la tierra". [6] A los 12 años, se reconoció a sí mismo como escultor y se propuso esa carrera. A los 14 años, se saltó la escuela secundaria y fue directamente a la escuela de arte en el Instituto Avni de Arte y Diseño en Jaffa , afirmando ser dos años mayor que él. [7] En 1969, Vaadia fue reclutado por el ejército israelí y fue asignado a una unidad de ingeniería. Durante sus períodos de licencia, se ofreció como voluntario para restaurar la piedra antigua en Jerusalén en la Iglesia del Santo Sepulcro . Trabajando con albañiles palestinos , aprendió la antigua forma de manipular la piedra local. También trabajó con un herrero que fabricaba herramientas para talladores de piedra, aprendiendo cómo se hacían dichas herramientas y a apreciar las herramientas con las que trabajaba. Fue dado de baja del ejército en 1970. [8] En 1974, Vaadia recibió una importante beca de la Fundación Cultural América-Israel para estudiar en la ciudad de Nueva York. Vaadia se mudó a la ciudad de Nueva York en 1975, donde estudió en el Instituto Pratt y continuó con su carrera como escultor.
Vaadia hizo un gran descubrimiento personal muy poco después de su llegada a Nueva York, cuando aceptó su entorno urbano como algo tan natural para los humanos como el entorno rural en el que creció. [9] Buscó materiales en la ciudad con los que pudiera relacionarse como un bloque de construcción primordial de su entorno, y descubrió aquellos que guiarían su trabajo a partir de entonces: pavimento de piedra azul de las calles de la ciudad y tejas de pizarra, ambos descartados durante el proceso de renovación urbana de Nueva York . [10]
La piedra azul sedimentaria que el artista recuperó de las calles de la ciudad se rompe naturalmente en capas. Vaadia recuerda: "Cuando trabajé por primera vez con este material, traté de forzarlo a formas más continuas y convencionales, y descubrí que siempre se fracturaba en los lugares equivocados. El momento en que descubrí mi verdadero estilo de trabajo fue cuando, en lugar de luchar contra la piedra, me entregué a ella, dejando que las características inherentes del material dictaran la forma, de una manera que refleja la forma en que el sedimento se estratifica naturalmente en la roca". [11]
En 1971, Boaz Vaadia se graduó en el Instituto Avni de Bellas Artes de Tel Aviv . Allí se quedó a dar clases y, como ya estaba familiarizado con la soldadura de acero, construyó una fundición desde cero para aprender a fundir sus obras en bronce. En 1972, introdujo la piedra en sus obras y, finalmente, añadió cabello humano en su exploración del tema de la muerte. En 1973, comenzó a explorar influencias surrealistas creando formas goteantes en metal y piedra, además de utilizar pieles de oveja, ramas y cuero en su obra.
En 1976, Vaadia comenzó a trabajar con la piedra sedimentaria. Con estas obras, comenzó a explorar la fuerza natural de la gravedad . [12] En algunas de estas obras, encontró formas ingeniosas de suspender una gran piedra que sirviera como elemento compositivo integral. Utilizó el peso de la piedra para proporcionar la fuerza gravitacional necesaria que permitiera que la pieza se mantuviera en pie. Al reconocer las verdades físicas reveladas en el proceso de realización de este conjunto de trabajos, Vaadia avanzó hacia exploraciones más profundas de conceptos tridimensionales y se centró en su interés por la estructura, el equilibrio y la gravedad. [13]
A partir de 1985, Vaadia se dedicó a realizar motivos figurativos ejecutados únicamente en piedra. De sus trabajos anteriores, mantuvo la utilización de la gravedad como fuerza para mantener la estabilidad. Para estas formas basadas en el cuerpo, su metodología implicó apilar láminas de roca escalonadas en una formación que sugería piedras individuales modificadas por superficies marcadas con cinceles. [14]
Vaadia dice: "Fue un momento muy emocionante para mí cuando me di cuenta de que realmente podía volver a trabajar en forma figurativa y seguir respetando la forma en que la piedra azul y la pizarra se forman en la naturaleza..." [7] Al quitar las rocas no deseadas, Vaadia aprovechó la forma en que la naturaleza coloca los sedimentos en capas. Utilizando herramientas tradicionales (martillo y cincel), moldeó cada piedra para que se adaptara a toda la composición. Como resultado, esta obra refleja técnicas escultóricas que son paralelas a las transformaciones naturales de la piedra. La estratificación de las piedras que hace el artista refleja las conversiones naturales de la materia. [14]
Este desarrollo en su obra abrió un largo período de gran producción creativa y reconocimiento. Vaadia comprendió que los materiales que había elegido limitaban lo que se podía construir con ellos y, al respetar las propiedades estructurales de las losas de piedra azul, creó una restricción artística para sí mismo: cada una de sus esculturas debía poder mantenerse en pie y mantenerse unida únicamente por la fuerza de la gravedad (aunque en última instancia estuvieran atornilladas para garantizar su seguridad y permanencia). [2] Como resultado, se ha limitado conscientemente a poses estables y compactas, y a una forma humana generalizada que alude a los moai de la Isla de Pascua , la escultura faraónica egipcia y el reposo budista .
A finales de los años ochenta, Vaadia introdujo segundas y terceras figuras en su obra. [14] Glenn Harper, editor de Sculpture Magazine, señaló sobre estas piezas: "Las figuras están compuestas de hecho... dentro de los grupos, hay una dinámica emocional, pero más un vínculo que un conflicto. Y hay un profundo sentido de homenaje a la gente común, en lugar de conmemorar a los 'héroes', en toda la obra". [15]
En 1987, Boaz abrió su práctica para incluir ediciones limitadas de las esculturas de piedra fundidas en bronce, aumentando su capacidad para explorar nuevas composiciones a través de las relaciones entre múltiples figuras. [16] En 1989 compró un estudio en Williamsburg (Brooklyn). Las calles allí también estaban siendo demolidas. Cuando vio que se sacaban rocas antiguas del suelo durante las reparaciones de alcantarillado cerca de su estudio de Berry Street en 1989, estaba decidido a rescatarlas y, posteriormente, las incorporó a sus composiciones figurativas. [17] Durante los últimos 30 años, ha ampliado su exploración de la figura en capas a través de la escala y mediante agrupaciones variadas basadas en la familia y en animales domésticos. En 2002, Vaadia comenzó a crear retratos, logrando una semejanza a través de la forma, la figura y la postura, al tiempo que se adhería a su estilo característico. [18] En 2011, desarrolló una nueva forma de hacer visible su escultura al espectador, fotografiando cada capa sucesiva de la escultura Haza'el. El resultado fueron cuarenta y dos imágenes aparentemente abstractas, comenzando con la base de piedra azul y terminando con la piedra angular de la cabeza. [19] El trabajo reciente de Vaadia en una serie de esculturas en bajorrelieve le permitió un nuevo nivel de definición y detalle de las características debido al soporte arquitectónico inherente de la pared incorporada.
En 2014, Keno Auctions informó que Vaadia:
... incorpora materiales del entorno de la ciudad de Nueva York, pizarra, guijarros, piedra azul y cantos rodados, para crear esculturas figurativas con características universales. Sus materiales, en particular la piedra azul y la pizarra formadas a partir de capas de sedimento comprimido , están tallados para exponer cada capa estratificada. Apoyándose en el peso de la piedra, las figuras de Vaadia se conectan con la naturaleza para aprovechar los poderes inherentes a sus materiales. Cada escultura evoca una meditación existencial sobre el progreso de la civilización y nuestra relación humana con el medio ambiente. La declaración de Vaadia dice: "El hombre vino de la tierra y en la muerte regresa a ella. Veo la piedra como la estructura ósea de la tierra". [20]
En 1975, Vaadia recibió una beca de la Fundación Cultural América-Israel y se mudó a Nueva York para estudiar en el Pratt Institute. En 1976 recibió una beca Beeckmann para estudiar en la Escuela de Arte del Museo de Brooklyn , Brooklyn, Nueva York, y se le concedió una extensión de la beca de la Fundación Cultural América-Israel para un año adicional de estudio. [21]
En 1977, a través del America the Beautiful Fund de Lady Bird Johnson , se le concedió una residencia artística en la sección Harriman de Palisades Interstate Park, Nueva York, donde creó una obra que se colocó en el sendero de los Apalaches . Vaadia recibió una beca del Committee for the Visual Arts, Artists Space, Nueva York, NY, en 1985 y de la Ariana Foundation For the Arts, Nueva York, NY, en 1986. En 1988 recibió una beca del National Endowment for the Arts , Washington, DC.
Vaadia viajó a Japón para recibir el Premio del Museo al Aire Libre Utsukushi-ga-hara en 1992. En 2012, el artista recibió el Premio Aviv por Logros Artísticos de la Fundación Cultural América-Israel en Nueva York, NY. En junio de 2014, la Fundación Ruso-Americana en cooperación con el New York Post le otorgó a Vaadia el 12º Premio Anual del Mes de la Herencia Rusa por sus excepcionales contribuciones en la promoción del patrimonio y la cultura de Bujará a través del arte.
Cuando se mudó al SoHo de la ciudad de Nueva York en 1975, Vaadia conoció a Ivan Karp , el legendario galerista que más tarde se convertiría en su marchante. Su primera gran exposición individual de obras producidas en Nueva York, de naturaleza ritualista e inspirada en fetiches africanos, altares y herramientas antiguas, tuvo lugar en 1976 en la galería Hundred Acres, propiedad de Karp. [22] Aunque Vaadia también expuso en la galería Elise Meyer en 1979, Karp siguió siendo su marchante principal. En 1986 tuvo su primera exposición figurativa en la galería OK Harris en Soho. La muestra completa se agotó en 3 horas, lo que llevó a Karp a comentar que "nunca había visto nada parecido en toda su vida". [23]
Vaadia está representada por Jim Kempner Fine Art en Nueva York, NY; Connaught Brown en Londres, Inglaterra, y Baker Sponder Gallery en Miami/Boca Raton.
En el momento de su muerte el 25 de febrero de 2017, Vaadia estaba casado con Kim Vaadia y tenía dos hijas, Rebecca y Sara. Su muerte fue cubierta en un artículo del New York Times el 2 de marzo, y se informó que la causa fue cáncer de páncreas . [24] Según el Times: "Kim Vaadia dijo que la familia planeaba convertir su estudio en un museo. Trabajó hasta casi el final, dijo, y su último trabajo terminado fue un gran relieve de piedra". [24]