Herr, gehe nicht ins Gericht mit deinem Knecht (Señor, no juzgues a tu siervo), BWV 105es unacantata de iglesiadeJohann Sebastian Bach. La compuso enLeipzigpara el noveno domingo después dela Trinidady la interpretó por primera vez el 25 de julio de 1723. El musicólogoAlfred Dürrha descrito la cantata como una de "las descripciones más sublimes del alma en el arte barroco y cristiano".
Bach compuso la cantata en 1723 en su primer año en Leipzig para el noveno domingo después de la Trinidad . Es probable que el libretista anónimo fuera un teólogo de la ciudad; el texto comienza con el segundo verso del Salmo 143 : "Y no entres en juicio con tu siervo, porque ningún viviente será justificado delante de ti" (Salmo 143:2). [1] [2] [3] [4] El salmo es uno de los Bußpsalmen de Martín Lutero , sus traducciones al alemán de los siete salmos penitenciales , publicado por primera vez en Wittenberg a principios de 1517, medio año antes de las Noventa y cinco tesis . Después de ser reimpreso e incluso pirateado en toda Alemania, hubo una edición revisada en 1525. [5] [6] [7]
Las lecturas prescritas para el domingo eran de la Primera Epístola a los Corintios , una advertencia sobre los dioses falsos y un consuelo en la tentación (1 Corintios 10:6-13), y del Evangelio de Lucas , la parábola del mayordomo injusto (Lucas 16 :1–9). El tema de la cantata se deriva del Evangelio: dado que la humanidad no puede sobrevivir ante el juicio de Dios, debe renunciar a los placeres terrenales, "las riquezas de la injusticia", por la única amistad de Jesús; porque con Su muerte la culpa de la humanidad fue absuelta, abriendo "las moradas eternas". Esa parte del libreto cubre los movimientos cuarto y quinto (los segundos recitativos y arias). El recitativo alto se basa en alusiones bíblicas en Salmo 51:11: "No me eches de tu presencia" y Malaquías 3:5: "Me acercaré a ti para el juicio, y seré testigo rápido contra los hechiceros, y contra los adúlteros." El texto del aria de soprano está tomado de Romanos 2:15: "acusándose o excusándose unos a otros". Hay una referencia a las epístolas de Pablo en el segundo recitativo, Colosenses 2:14: "Anulando el acta de los decretos que había contra nosotros" y "clavándola en la cruz". El coral de cierre es el undécimo verso del himno Jesu, der du meine Seele , escrito por Johann Rist en 1641. [1]
Bach interpretó la cantata por primera vez el 25 de julio de 1723 en la Thomaskirche de Leipzig. [4] [1] [8]
La cantata en seis movimientos está escrita para cuatro solistas vocales ( soprano , alto , tenor y bajo ), un coro de cuatro voces , corno , dos oboes , dos violines , viola y bajo continuo . [1]
La cantata comienza con un coro en dos partes, una forma de preludio y fuga, correspondiente a las dos primeras frases del Salmo 143: "Señor, no entres en juicio con tu siervo / porque ante ti ningún viviente será justificado". Como escribe William G. Whittaker : "El coro es tan magistral que incluso un análisis detallado sólo puede hacerle escasa justicia". [2] [9]
La orquesta está compuesta para cuatro voces, las dos voces superiores proporcionan los primeros violines, oboe y corno colla parte y las otras los segundos violines y oboe; además de violas hay un bajo continuo . En las partes del segundo violín del movimiento de apertura, hay secciones que requieren notas por debajo del rango normal del oboe barroco (B ♭ y G por debajo del C central ): en ese caso, se puede utilizar un instrumento de lengüeta diferente; o, como sugiere Leisinger (1999), las pocas notas fuera del rango del oboe barroco pueden transponerse. Tampoco está claro qué instrumento barroco tenía Bach en mente para un corno: un corno da caccia , un corno da tirarsi o algún otro instrumento barroco de viento de madera (como un cornetto ) que pueda duplicar las voces de soprano o alto. La elección del instrumento también debe crear el equilibrio adecuado entre los primeros violines y el tenor en la segunda aria. [2] [4] [10] [11] [12]
La monumental primera parte, marcada como adagio , comienza en sol menor con un ritornello orquestal de ocho compases, sombrío y armónicamente complejo. Los vibrantes y repetidos ritmos del bajo figurado suenan incesantemente en el preludio. El ritornello tiene un tono penitente, su canon lento está lleno de modulaciones cromáticas torturadas, séptimas suspendidas y que se convierte en motivos lúgubres y suspiros en los violines y oboes. Bach [13] ha utilizado un cromatismo similar en otros lugares para ilustrar la crucifixión , por ejemplo para la sección Crucifixus del Credo en la Misa en si menor [14] y para la última estrofa, "trug uns'rer Sünden schwere Bürd' wohl an dem Kreuze lange", en el preludio coral O Mensch, bewein dein Sünde groß , BWV 622 . [15]
Después del primer ritornello, los instrumentos permanecen en silencio excepto el pulsante bajo continuo; el coro canta en canon durante seis compases con nuevo material independiente en estilo motete polifónico . Primero, el contralto comienza a cantar una entrepierna separada "Herr" seguida de motivos en semicorchea para "gehe nicht ins Gericht"; dos tiempos después, el tenor comienza de manera similar, luego la soprano y luego el bajo. Las cuatro voces continúan cantando la frase musical "Herr, gehe nicht in Gericht" en un derroche de disminuciones imitativas , hasta alcanzar una cadencia en "mit deinem Knecht". [16] Luego hay una repetición del solemne ritornello de ocho compases, ahora en clave dominante con las partes superiores intercambiadas. Se repite el episodio del coro de seis compases, con el alto respondiendo a la soprano y luego el bajo al tenor. El coro está ahora acompañado por la orquesta en doble contrapunto, empleando motivos derivados del primer episodio para coro. Tras una cadencia en el coro, el orquestal continúa brevemente el doble contrapunto, hasta llegar a un tercer episodio de composición libre para el coro. Ahora las sopranos dirigen los altos y luego los tenores dirigen los bajos. El tercer episodio dura doce compases y está ricamente compuesto, combinando todas las ideas musicales del coro y la orquesta: después de menos de tres compases del episodio, en un momento de patetismo, el ritornello orquestal original se toca por primera vez en contrapunto con el coro. Como escribe Spitta , "por fin emite su propio grito penitencial, atravesándolo completamente en el rango medio del compás, como si fluyera directamente de los corazones de los anfitriones cantantes". El preludio concluye elegantemente en una punta de pedal , con una coda similar al breve interludio orquestal. [1] [9] [2] [17]
La segunda parte del primer movimiento es una enérgica fuga de permutación , marcada como allegro , compuesta inicialmente sólo para los cantantes concertantes y el continuo, pero finalmente retomada por todo el coro ripieno , doblado por la orquesta. El tono del texto es condenatorio: "Denn vor dir wird kein Lebendiger gerecht" - "Porque ante ti ningún viviente será justificado". El tema del tema de la fuga comienza resueltamente con entrepiernas separadas para "Denn", cantada inicialmente por el tenor acompañado por el bajo continuo. La siguiente entrada fugaz es cantada por el bajo, y el tenor asume ahora el contrasujeto derivado en parte de las figuras de corchea del continuo al comienzo de la fuga. A las voces más bajas se unen sucesivas entradas fugaces en soprano y alto. Después de 21 compases de canto coral con una puntuación muy ajustada, las entradas de tutti comienzan con los bajos doblando el continuo, seguidos por los tenores doblando las violas, los altos los segundos violines y el oboe y las sopranos los primeros violines, el oboe y el corno. La larga fuga, con su tono cada vez más tenso de denuncia, llega a su fin después de 50 compases más. Como ha comentado André Pirro , en la música del preludio de Bach, "no importan ni la descripción, ni el dramatismo, ni la referencia particular a las palabras; sino que es la sustancia la que debe expresarse, con sobriedad, sin gesticulación, pero con sentido de autoridad". , como un heraldo que proclama una ley o un filósofo que declara los principios de su sistema". Sobre la fuga, Pirro escribe: "No se trata simplemente de inclinarse ante el juez justo, sino de mostrar la inevitable severidad de la justicia. [...] El motivo repetitivo de la fuga no sólo multiplica la abrumadora sentencia, sino que el desarrollo infalible de la composición predice que el castigo se derivará del pecado. Bach utiliza la lógica de su arte para revelar, entre sus horrores, los axiomas de su religión. [1] [3] [4] [18] [19]
El breve pero expresivo recitativo alto es seguido por una de las arias más originales y llamativas de Bach , que representa en términos musicales la ansiedad y la desesperación inquieta del pecador. [1] Spitta escribe que "un terror secreto y, al mismo tiempo, un profundo dolor impregna toda [aria]". [9] El movimiento ha sido descrito como "una de las arias más impresionantes jamás compuestas por Bach". [4]
El aria comienza con un ritornello extendido tocado elocuentemente en el oboe. Las frases fragmentadas del oboe, angustiosas y lúgubres, van acompañadas únicamente de repetidas semicorcheas en los violines trémolos y constantes corcheas en las violas: la ausencia de un bajo continuo y la acumulación de séptimas aumentan el sentimiento de ansiedad y desesperanza. El ritornello concluye con un pasaje continuo de lamentación en semicorchea: material musical que se escucha varias veces más tarde en el oboe, pero nunca en la voz. Retomando los motivos separados del ritornello, la soprano comienza la sección La, cantando el primer pareado del aria, "Wie zittern und wanken, Der Sũnder Gedanken", seguido por el oboe en el canon una negra después: a su dúo le sigue una repetición del pasaje de semicorchea para oboe. La soprano y el oboe repiten la música del pareado, pero en ese momento la soprano canta de repente el segundo pareado, "Indem sie sich unter einander verklagen...", acompañada únicamente por las violas, con material musical completamente nuevo. La notable línea melódica continua de la soprano, con sus frenéticas semicorcheas y semicorcheas ascendentes, se desarrolla en canon con el oboe, como si "cada uno se quejara del otro". Juntos, los dos solistas entrelazan dos líneas melódicas muy ornamentadas pero tortuosas, cuyos melismas y disonancias inquietantes representan el alma atribulada. Después de una repetición libre de la sección A para soprano y oboe, hay una sección B más corta para el tercer pareado. Más sostenido que las secciones A, se deriva del material musical del ritornello. El aria concluye con una repetición del ritornello. La voz canónica principal , con el oboe haciéndose eco de la soprano una negra más tarde, es similar al comienzo del sexto Concierto de Brandeburgo . [1] [3] [4] [2]
El ambiente se vuelve esperanzador en el siguiente recitativo de bajo acompañado: la seguridad de Jesús de que el pecador alcanzará la salvación mediante su muerte en la cruz. El solo de bajo está acompañado por violines y violas que tocan suaves figuras de semicorchea; y por el bajo continuo tocando repetidas octavas de corchea de pizzicato . En la iconografía musical de Bach, estas corcheas repetidas representan la sentencia de muerte, cuando (en el registro de bienes, cuerpo y vida) Dios emite el juicio sobre el alma. El recitativo conduce a una estricta aria da capo para tenor, corno y cuerdas, que aporta una nueva energía rítmica, extática y animada.
La introducción del ritornello en el solo de corno del aria es inicialmente duplicada por los primeros violines, pero luego se transforma en pasajes más rápidos y de filigrana en semicorcheas. La parte de tenor tiene una notable cualidad bailable, similar a una gavota , lo que resulta en la división fuera de ritmo de las frases en medio compás ( Kann ich nur) o un compás ( Jesum nur zum Freunde machen ). La escritura angular en la parte de tenor de la frase So gilt der Mammon nichts bei mir es particularmente animada, con sucesivos saltos hacia arriba para la palabra nichts . Hay un estado de ánimo contrastante en la sección media del aria, cuando el corno no suena, "como si se resistiera a reflejar la comparación". En la sección central, aunque el material melódico del tenor es independiente, el acompañamiento de cuerdas se deriva del tema del ritornello original así como de las guirnaldas de semicorcheas. [1] [3] [2] [9]
Como uno de los editores de Neue Bach-Gesellschaft , Robert L. Marshall fue responsable de crear una edición urtext de la cantata para Bärenreiter en 1985. Su preparación comenzó en 1972, aprovechando la rara oportunidad de tener el manuscrito autógrafo de la partitura completa de Bach. disponible, creado por Bach como una "partitura de composición". Marshall intentó revertir el proceso, analizando cómo Bach podría haberse dedicado a componer movimientos, alterando partes si fuera necesario. Para el último coral, donde las cuerdas acompañan al coro y otros instrumentos colla parte , las dos últimas páginas de la partitura autógrafa revelan las numerosas modificaciones que hizo Bach. [20] [21] [22] A lo largo de la cantata, el uso que hace Bach de "pintura de palabras" prevalece, pero en el coral final es particularmente imaginativo. [3]
Las sopranos y los altos tocan el coral reforzado por el corno y los oboes, mientras regresa el motivo de cuerdas del trémolo que lo acompaña. Con cada estrofa sucesiva , el trémolo se vuelve gradualmente menos rápido y disonante: las semicorcheas repetidas cambian a tresillos, luego corcheas, luego tresillos atados y finalmente entrepiernas constantes para la breve coda. Musicalmente, el coral se hace eco de la calma del hombre tras la conciliación con su Hacedor, poniendo fin a una cantata que el musicólogo Alfred Dürr ha descrito como una de "las descripciones más sublimes del alma en el arte barroco y cristiano". [1] [2]
