Landing on Water es el decimosexto álbum de estudio de Neil Young . El álbum fue lanzado el 21 de julio de 1986 por Geffen Records .
El álbum representa un regreso a un sonido de rock contemporáneo después del álbum country de 1985 Old Ways y el álbum doo wop de 1983 Everybody's Rockin' . La compañía discográfica de Young, Geffen, había demandado al artista por crear álbumes que no representaban su estilo familiar. Para Landing on Water , Young contrató al productor Danny Kortchmar , al ingeniero Niko Bolas y al baterista de estudio Steve Jordan . El álbum se destaca por su producción única y su sonido sintético de los años 80 con baterías prominentes, synclavier y sintetizadores, lo que le da una sensación "claustrofóbica". Según Young en una entrevista de 2009, "un presidente de una compañía discográfica en Europa me dijo que era el disco más claustrofóbico que había escuchado, y pensé que era bastante genial. Lo puso en su Porsche y lo subió muy alto. Sentía que estaba todo sobre él ". [1]
Al igual que su predecesor, Old Ways , Landing on Water se grabó a lo largo de más de dos años. El primer intento de un álbum comercial, sin género, data de finales de 1983 y principios de 1984. Las pistas de acompañamiento de "I Got a Problem" y "Hard Luck Stories" se grabaron en el estudio casero de Young en Broken Arrow Ranch como grabaciones en solitario con Synclavier . "Hard Luck Stories" se grabó el mismo día de enero de 1984 como un primer intento de "Razor Love", que luego apareció en Silver & Gold de 1999 , y un nuevo intento de "If You Got Love", una toma descartada de Trans . Algunos elementos de las grabaciones originales de Young de 1983-1984 se utilizaron como pistas de acompañamiento con nuevas partes de batería, guitarra y sintetizador agregadas durante las posteriores sesiones de Record One .
Young también intentaría hacer material nuevo en el rancho con Crazy Horse y el productor Elliot Mazer . La banda tuvo dificultades para lograr el sonido sintético y comercial deseado por Young con un sonido de batería potente. En entrevistas para la biografía de Jimmy McDonough, Shakey , la banda expresó sus frustraciones con el proceso de grabación. Mazer y Young hicieron que la banda grabara por separado en contraste con su estilo familiar de grabación en vivo. La retroalimentación y otros problemas con el equipo culminaron con Young destrozando una guitarra en señal de frustración y finalmente abandonando las sesiones. [2]
La banda interpretaría el nuevo material en vivo en The Catalyst en Santa Cruz en cuatro shows el 6 y 7 de febrero de 1984. El nuevo material incluía las canciones del álbum "Touch the Night", "Violent Side" y "I Got a Problem", así como las canciones "Rock, Rock, Rock", "So Tired" y "Your Love Is Good To Me". Los conciertos fueron grabados profesionalmente y circulan como bootlegs. Young y la banda intentarían sesiones adicionales en The Power Station en Nueva York con David Briggs como productor, pero nuevamente no tuvieron éxito en completar un álbum. En una entrevista de Rolling Stone de 1990 con James Henke , Young explica: "Fuimos a Nueva York e intentamos grabar estas canciones durante tres semanas, y no logramos una pista. Simplemente perdimos un montón de tiempo. Fue entonces cuando introduje por primera vez los instrumentos de viento; teníamos una sección de instrumentos de viento con Crazy Horse. Simplemente nunca pudimos lograr que cuajara". [3] Según una entrevista de 1995 con Nick Kent para la revista Mojo , se intentó grabar el álbum con la banda REM , pero los esfuerzos se frustraron cuando Geffen amenazó con demandar a Young por grabar con el grupo. Las experiencias de Young con Geffen darían como resultado que la banda firmara con Warner en lugar de Geffen en sus propias negociaciones para un contrato con un sello importante esa década. [4] Finalmente, Young dejaría en suspenso sus intentos de grabar un álbum de rock y se iría de gira durante el año siguiente con una banda de country. Young reflexionaría sobre las dificultades de grabar un álbum de sonido comercial para Geffen a principios de 1984 durante las entrevistas para Shakey :
"Escuchaba la radio y oía un gran sonido de tambor y decía: 'Es genial. Quiero conseguirlo. Pero no quiero hacer lo que están haciendo ellos'". No quiero sonar como esos discos, pero quiero ese sonido de batería". Resultó que era algo muy difícil de hacer. Y ya sabes, con Crazy Horse es algo muy especial, porque ninguno de nosotros sabe tocar de verdad. Sabemos que no somos buenos. Joder, siempre lo hacíamos en la primera toma y nunca nos salía bien, pero nunca podíamos hacerlo mejor. Así que lo que pasa es que cuando entra un músico de verdad, lo jode todo. Eran unos tipos geniales con el "feeling", los dos, pero eso hizo que todo el mundo fuera consciente de que eran unos músicos realmente tontos. Oh, las sesiones eran una mierda. Nos inhibíamos unos a otros y estábamos todos enfermos, con la maldita enfermedad del legionario o algo así. No sé por qué fuimos a Nueva York. Sacamos a Horse de su entorno. The Power Station... allí se habían hecho demasiados discos de éxito. Terminó siendo un gran fracaso. Todo el mundo estaba desanimado y no hicimos nada durante mucho tiempo. Porque no sabíamos qué hacer. Nunca fallé por completo en conseguir algo. Fue una época difícil. Tuve mucha animosidad por parte de mi propio equipo durante esos años. Quiero decir, Briggs estaba enojado conmigo. Crazy Horse tenía un gran resentimiento. Estaban enojados porque grabé con otras personas. Todo el mundo estaba enojado conmigo, ¿sabes? " [2]
A finales de 1985 y principios de 1986, Young haría un nuevo intento de grabar un álbum de sonido más comercial en Record One Studios en Los Ángeles. Esta vez, Young contrataría al productor Danny Kortchmar , que recientemente había tenido éxito con Building the Perfect Beast de Don Henley . Young, Kortchmar y el baterista de estudio Steve Jordan tocan todos los instrumentos en el álbum, incluido Synclavier, bajo sintetizado y otros sintetizadores. Young volvería a tocar con Jordan más tarde durante su actuación en SNL de " Keep on Rocking in the Free World " en 1989. Jordan también se uniría más tarde a los Rolling Stones . Kortchmar traería al ingeniero Niko Bolas , iniciando una relación de trabajo a largo plazo. Bolas continuaría produciendo varios de los álbumes posteriores de Young.
Kortchmar recordó sus experiencias al hacer el álbum en una entrevista de 2019 con Dale Kawashima:
"Había escuchado el material que estaba haciendo con Don Henley y le intrigaba la idea de usar más componentes electrónicos. Tenía un Synclavier (sintetizador/estación de trabajo), así que me trajo, pensando que era un tipo que sabía de estas cosas, lo cual era cierto hasta cierto punto. Lo primero que hice fue llamar a dos de mis grandes amigos para que trabajaran conmigo en ello. Uno era Steve Jordan, el gran baterista, y el otro era Niko Bolas, que es un ingeniero de sonido brillante. Y entramos allí y simplemente hicimos explotar el local. Fue increíble trabajar con Neil, porque realmente estábamos machacando. Yo tocaba un bajo sintetizado en la mayor parte del trabajo, y Neil tenía material pre-secuenciado que había hecho en su Synclavier. Así que hacíamos funcionar el Synclavier y Neil golpeaba y Steve... su sonido de batería simplemente atravesaba la pared. Y Neil respondió brillantemente a este gran ritmo, así que fue muy divertido. Amo a Neil, es un gran músico. Cat... es un tipo muy talentoso y aventurero, musicalmente hablando. Nos lo pasamos genial haciendo ese disco. [5]
La producción y la mezcla distintivas del álbum fueron el resultado del deseo de Young de crear un sonido único. Además, insistió en un proceso de grabación en el que se superpusieron capas de instrumentos a las demos originales. Young explicó en entrevistas para Shakey :
"Necesitaba un cambio total. Quería ver qué estaba pasando, qué estaba pasando en los estudios de Los Ángeles, qué tipo de discos se estaban haciendo, cómo los estaban haciendo. Las voces en ese disco eran bastante débiles porque estaban todas sobregrabadas. Las demos también estaban sobregrabadas, porque la pista original estaba sobregrabada sobre una pista de clic. No fue idea de Danny hacer eso. Fue culpa mía. Era una cuestión de concepto, quería ver qué pasaba. Fue una especie de reingreso a la grabación creativa. En cierto modo lo perdí por un tiempo. Landing on Water fue el principio... o el final, depende de cómo lo mires. Solo quería probar algo más, salir adelante... Sentía que me estaba muriendo. Sentía que si no hacía algo, lo iba a perder. Algo tenía que despertarme". [2]
La decisión de añadir un coro de niños a las canciones "Violent Side" y "Touch the Night" fue el resultado de conocer al San Francisco Boys Choir en un evento al que asistieron Young y su esposa. Se le pidió a la pareja que hablara en un evento para padres sobre sus experiencias al criar a un niño con parálisis cerebral, y se le pidió a Young que presentara al coro. Más tarde les pidió que actuaran para el álbum. [6]
Las letras de varias de las canciones reflejan la presión personal que Young enfrentaba por parte de su compañía discográfica y la necesidad de cuidar de su familia en ese momento. Además, Young comenzó a levantar pesas durante la grabación del álbum, lo que, según él, hizo que la música fuera más agresiva. [2]
Los temas que enmarcan el álbum, "Weight of the World" y "Drifter", analizan el impacto de las relaciones a la hora de afrontar los desafíos del mundo. En "Weight of the World", elogia su relación por ayudarlo a superar sus desafíos, mientras que en "Drifter", reexamina los beneficios de la relación y si preferiría escapar de sus problemas en su lugar.
"Violent Side" fue una de las primeras canciones escritas para el álbum, de la época en la que la relación de Young con Geffen estaba en su punto más bajo y él luchaba por priorizar tanto las necesidades de su familia como su carrera en el rock en decadencia. Su letra describe el insomnio y la incapacidad de dormir debido a la lucha interna y el procesamiento de las emociones.
La canción "Hippie Dream" revisita y lamenta el aparente fracaso del idealismo de los años 60. Las líneas iniciales Take my advice / Don't listen to me reflejan la línea inicial Please take my advice de "Tired Eyes" de Tonight's the Night de 1975. Su letra hace referencia a " Wooden Ships " de su socio creativo David Crosby en un momento en el que Crosby enfrentaba importantes desafíos personales. Young le explicó a James Henke de Rolling Stone en junio de 1988: "Escribí esa para Crosby. Pero supongo que podría haber sido para mí, o para cualquiera. En realidad se trata de los excesos de toda nuestra generación. De hippie a yuppie, quiero decir, ha sido una gran evolución". [7] Crosby había estado asociado durante mucho tiempo con el movimiento hippie y había actuado con Young en Woodstock . A principios de la década de 1980, Crosby tenía una adicción continua a la cocaína de base libre y comenzó a llevar un arma en paranoia después del asesinato de John Lennon . Crosby fue arrestado varias veces por posesión de armas, drogas y conducción en estado de ebriedad, y finalmente pasó 9 meses en una cárcel de Texas en 1985. [8] A la luz de las dificultades de Crosby, la letra de "Hippie Dream" muestra a Young reflexionando sobre si los ideales de la generación de Woodstock estaban ahora muertos: Y los barcos de madera / Son un sueño hippie / Volcados en exceso / Si sabes a qué me refiero. Young parece argumentar que el idealismo hippie no está muerto, y que la música lo ayudará a superar sus desafíos actuales: Sólo porque se acabó para ti / No significa que se acabó para mí / Es una victoria para el corazón / Cada vez que la música empieza / Así que por favor no mates la máquina. El archivista Joel Bernstein y amigo mutuo de ambos artistas que había intentado ayudar a Crosby con sus adicciones declaró para Shakey "Me dieron escalofríos cuando la escuché. 'Hippie Dream' es un gran retrato de David. Tan cortante". [2] En una entrevista de Rockline , Young recuerda haber escrito la canción y haberse puesto en contacto con Crosby:
"Tenía a Crosby en mente desde hacía unos cinco años y seguí escribiendo cosas diferentes. Entonces, una noche, escribí eso. Lo llamé y le dije: "Escribí esta canción; probablemente la vas a escuchar. Todo lo que tienes que hacer es demostrar que no sabía de lo que estaba hablando, y sería un tipo feliz si pudieras hacer eso". [6]
Según una entrevista de Rockline de octubre de 1983 , Young le prometió a Crosby en el apogeo de sus problemas que si Crosby se volvía sobrio y superaba sus adicciones, Young volvería a colaborar con CSNY. [9] Después de confesar su adicción durante su tiempo en prisión, Crosby le hizo cumplir la promesa a Young, lo que resultó en American Dream de 1988 .
En "Bad News Beat", Young adopta la perspectiva de alguien que usa la vigilancia para descubrir que su pareja lo ha abandonado.
"Touch the Night" es la canción más guitarrística del álbum. Su letra habla de la pérdida repentina de una pareja. El biógrafo Jimmy McDonough la compara con su predecesora " Like a Hurricane ". [2]
“Gente en la Calle” empatiza con la experiencia de las personas sin hogar.
Una de las primeras canciones escritas para el disco, la canción data del período en el que la relación de Young con su compañía discográfica se agrió y Geffen lo demandó por publicar álbumes no comerciales. En Shakey , Young describe cómo lidió con una demanda derivada de la producción de su película Human Highway, además de sus luchas con Geffen mientras intentaba mantener su tambaleante carrera musical de rock y atender las necesidades de su familia. A menudo se encontraba pasando sus días dividido entre agrias llamadas de negocios y tratando de mantener la creatividad y la productividad en las sesiones de grabación. [2]
La letra de "I Got a Problem" trata sobre la adicción. En una publicación en el sitio web de Neil Young Archives , Young afirmó: "La adicción es un infierno. Tienes que superarla. No tiene por qué ser así". [10]
La canción "Pressure" fue la última canción grabada para el álbum y trata sobre la presión de mantener una imagen pública con letras que se burlan de las figuras de la televisión y hacen referencia a Max Headroom . También es probable que esté influenciada por la decisión de Geffen de cortar la financiación para las sesiones del álbum, dejando a Young para terminar el álbum de su propio bolsillo. Presenta un grito procesado del baterista Jordan al final. Young tenía la intención de lanzar la canción como sencillo, pero la idea fue rechazada por Geffen [2]
La última canción no ayuda a aliviar la tensión creada por las canciones anteriores. "Drifter" parece hacer eco de algunos de los sentimientos de las canciones anteriores de Young, "The Loner" y "Sail Away", y la sensación de liberación que surge al poder escapar de la propia situación y cambiar de rumbo hacia un nuevo entorno. Young aborda estos temas en una entrevista de 1990 con Nick Kent de Vox :
Creo que he adquirido una extraña capacidad para escapar. No es magia, pero es como si se encendiera una lucecita. Y cuando se enciende, me voy. Verás, no veo el cambio como una maldición. Es solo parte de mi naturaleza. Sin cambio, todo se desmoronaría. No estoy hablando de rock and roll, sino de mi vida. Tengo que seguir moviéndome hacia algún lado. He escrito algunas de mis mejores canciones mientras conducía durante un largo viaje, garabateando letras en paquetes de cigarrillos mientras conducía. Me gusta ese estilo, aunque los policías de tráfico suelen pararme mucho por conducir de forma errática, je, je. Me vienen a la cabeza esas canciones e ideas mientras conduzco y, cuando llego a casa, me paso a la máquina de escribir y, a veces, lo que sale es bueno y a veces no, pero nunca se detiene. En cierto sentido, se trata de huir. He estado corriendo toda mi vida. ¿A dónde voy, quién carajo lo sabe? [11] [2]
La portada del álbum muestra un extracto de una guía de bolsillo para asientos de avión con instrucciones sobre cómo evacuar el avión en caso de un aterrizaje de emergencia en una masa de agua. La portada representa una aparente crítica a los esfuerzos de Geffen por alentar a Young a producir un álbum que satisfaga los gustos comerciales en lugar de sus motivos artísticos. En una entrevista de Rockline de 1986 , Young explica el origen:
"Estaba en un avión de camino a casa después de unas vacaciones después de haber terminado Landing on Water . Estaba leyendo el folleto de seguridad; hay un avión y me fijé en el gráfico que había en la parte inferior de la página, de un avión aterrizando en el agua y una ilustración de cómo hacerlo. Tenía dudas sobre el disco y sobre cómo le gustaría a la gente, y miré a esas personas en el diagrama, y al gran avión con el agua lamiendo las ventanas, y todos estaban tratando de sacar sus balsas por las puertas correctamente y siguiendo las instrucciones. No parecía que tuvieran ninguna posibilidad. Así que me sentí un poco así". [6]
En una entrevista de 1994 con Greil Marcus de Spin , Young explica con más detalle:
"La portada y el título de ese álbum son instrucciones sobre cómo sobrevivir a algo insalvable: cómo aterrizar en el agua, en un avión que se está estrellando. La cosa más ridícula que jamás hayas oído. En realidad estás aterrizando en el agua donde no hay un suelo despejado debajo de ti: todo el mundo muere. Ese título estaba ahí porque sabía hacia dónde iba ese álbum. Conocía el proceso y la idea detrás de la gente que estaba sacando el álbum; lo que querían que yo hiciera. Eso era yo siguiendo su método. Y mi título para él. Geffen intentó obligarme a hacer cosas (la compañía discográfica, no David Geffen mismo) cuando vieron que me estaba desviando. En última instancia, "Haz un disco que suene como tú". Eso fue algo muy difícil de hacer. Pero traté de hacer un gran disco. Pusimos todo lo que teníamos para hacer de ese un gran disco. Pero yo estaba empezando a salir de los árboles en ese momento". [12]
Young tenía planes de hacer un video de larga duración dirigido por el director de cine británico Tim Pope , que incluyera cada una de las diez canciones del álbum. Después de que Geffen Records se negara a apoyar la idea, Young decidió financiar el proyecto por su cuenta. [13] Finalmente, solo se terminaron cuatro videos: "Weight of the World", "Touch the Night", "Pressure" y "People on the Street". Todos los videos emplean humor, con Young interpretando una variedad de personajes. En "Touch the Night", que se filmó en una sola toma continua, interpretó a un reportero de noticias de televisión local en la escena de un accidente. En "Weight of the World" usa peluca, bigote y traje de negocios en una fiesta en la piscina; en "People on the Street" interpreta a un bailarín de claqué que lucha contra la caca de perro. Para "Pressure", interpreta a un padre nerd que conduce a una familia de vacaciones y se golpea la cabeza repetidamente; durante el rodaje, Young logró noquearse. Según un artículo de marzo de 1987 del crítico musical Jim Farber, los vídeos tenían como objetivo mostrar diferentes aspectos del carácter estadounidense. Un vídeo de "Drifter" habría presentado a Young como un granjero de cerdos montañés con antecedentes de incesto. "Violent Side" habría presentado al artista como un solitario que deambula por un sitio de pruebas nucleares y se transforma en el Llanero Solitario . [14] Otros vídeos habrían presentado a Young como un "banquero cobarde" y un "chico griego drogadicto". [15] Según Pope, "Neil es la única persona con la que he trabajado que se lanza de lleno al agua. Es un actor de verdad, se mete en las cosas de una manera muy metódica". [2] Pope explicó a Billboard : "Cuando a Neil le entra una idea loca por algo, es inevitable que suceda". [15] Tim Pope había dirigido previamente los vídeos de "Wonderin'" y "Cry Cry Cry" de Everybody's Rockin' de 1983 y también dirigiría el vídeo de "This Town" de Broken Arrow en 1996.
El álbum fue lanzado el 21 de julio de 1986. Un anuncio promocional del álbum en el Reino Unido mostraba la imagen icónica de Neville Chamberlain sosteniendo una copia del álbum en lugar de su acuerdo con Hitler prometiendo "paz en nuestro tiempo". Cuando se le preguntó sobre el concepto del anuncio en 1994, Young afirmó: "No tuve nada que ver con eso... pero me gusta el concepto. Quien haya pensado en eso debe haber sido un genio. Me suena a gran arte. Lo es". [12]
El 2 de abril de 2022 se lanzó una edición de alta resolución del álbum. En un artículo publicado el 18 de abril de 2022 en el sitio web de Neil Young, el ingeniero y productor Niko Bolas describe el proceso de hacer una nueva transferencia a partir de las cintas maestras analógicas originales. Los fanáticos habían escrito a Young para cuestionar la calidad de sonido del álbum tal como se publicó originalmente en el sitio web de Young's Archives. Como resultado, Bolas y el ingeniero John Hausmann rastrearon las cintas maestras e hicieron una nueva transferencia con una calidad y claridad de sonido significativamente mejoradas. [16]
La asociación de Young con Kortchmar daría como resultado que Young compartiera boleto con Don Henley en conciertos benéficos en 1986. En agosto, Young aparecería en el evento "Get Tough on Toxics" en Long Beach . En octubre, Henley, respaldado por Kortchmar, realizaría un set acústico en el primer concierto benéfico de Bridge School en el Anfiteatro Shoreline en Mountain View, California . CSNY , Nils Lofgren , Bruce Springsteen , Tom Petty y Robin Williams también actuarían. El beneficio fue organizado por Young y su esposa Pegi para recaudar fondos para una escuela local para niños con necesidades especiales. El beneficio se convertiría en un evento anual con docenas de músicos destacados que interpretarían sets acústicos durante las siguientes tres décadas.
En el otoño de 1986, Young se embarcó en una gira estadounidense con Crazy Horse para promocionar el álbum. "Touch the Night", "Bad News Beat", "Violent Side" y "Hippie Dream" figurarían en las listas de canciones. La banda luchó por recrear los sonidos electrónicos de las pistas de Landing on Water en vivo. Las actuaciones requirieron nuevo equipo, incluido un bajo con teclado y complejos programas de computadora. Según Poncho Sampedro en Shakey ,
"Lo perdimos casi todas las noches. Neil gritaba y chillaba. De repente nos vimos inmersos en una auténtica mierda de tecno-jive electrónico MIDI de la que no sabíamos nada. Lo que más me deprimió fue que intentábamos copiar las habilidades de estos otros tipos: Ralph tocando como Steve Jordan, yo intentando tocar como Danny Kortchmar. Qué broma". [2]
Las listas de canciones también incluirían varias canciones nuevas que se grabarían en la gira para el siguiente disco, Life de 1987. La gira fue la primera con Crazy Horse desde la gira Rust Never Sleeps / Live Rust de 1978. La gira "Live from a Rusted Out Garage" presentaría gran parte de la misma atmósfera con sets divertidos y gags visuales, esta vez con cucarachas de gran tamaño controladas a distancia y llamadas a mitad del set donde Young pretendía hablar con su madre. Un concierto, grabado para transmisión televisiva de pago por visión, presentó cameos adicionales del comediante Sam Kinison .
El álbum ha recibido críticas mixtas desde su lanzamiento, siendo la producción de mediados de los 80 la que se llevó la peor parte. Sin embargo, una reseña contemporánea en Rolling Stone es mayoritariamente favorable. Elogia la frescura del sonido y las melodías pop del álbum, así como la batería directa de Steve Jordan, mientras critica las letras oscuras del álbum por ser a veces simples. [21]
La gente ha dado valoraciones menos caritativas del álbum: "En esta triste pieza de autoflagelación, cuando llegas a la canción sobre un accidente de carretera, has encontrado el tono optimista. Esto es justo lo que necesitas cuando te diriges a una isla desierta y tienes que dejar atrás un solo álbum". [22] Ralph Novak critica las letras oscuras del álbum y se burla de la forma de cantar de Young:
"Young podría haber estado mejor si hubiera contratado a un psiquiatra para que escuchara todas las tonterías autocompasivas que intenta hacer pasar como canciones en este álbum. Sus títulos sugieren su estado de ánimo monótono: "Hard Luck Stories", "I Got a Problem", "Violent Side", "Pressure", "Weight of the World" y "Bad News Beat". En realidad, Weight of the World es relativamente positivo, pero Touch the Night, que suena inofensivo, trata sobre un accidente de carretera. ("Touch the Night" está dramatizado en un video que es espantoso y vulgar incluso para los estándares de MTV). Sería reconfortante pensar que Young solo estaba satirizando esta actitud narcisista. Sus letras, sin embargo, no son para nada divertidas: Here comes the night/ Here comes the angry/ Hidden so deep inside/ No one can see. No ayuda que la forma de cantar de Young sea tan horrible. Suena como un estudiante de octavo grado y un estudiante de octavo grado cobarde y no muy musical. La única letra que merece ser tomada en serio es la de "Sueño hippie": 'Sigue mi consejo/No me escuches'". [23]
Las críticas posteriores son más equilibradas, pero no más favorables. Stereogum clasificó el álbum como uno de los peores de Young, describiendo la producción como un "desastre digital" y admitiendo caritativamente que al menos no es un fiasco total. [24] Spin clasifica de manera similar el álbum hacia el final del catálogo de Young, llamando al lanzamiento "rígido y sin alma" . [25] AllMusic le da al álbum dos de cinco estrellas argumentando que la producción arruina un lote de canciones que de todos modos eran débiles. Destaca la batería de Jordan y la composición de "Hippie Dream" como puntos destacados, y sugiere que el álbum fue un paso muy necesario en la dirección correcta. [17] Aunque muchos de los fanáticos de Young han considerado durante mucho tiempo que el álbum fue un lanzamiento mediocre, el álbum se ha convertido en una especie de favorito de culto entre otros. En publicaciones de discusión en foros de música y sitios de fans no oficiales, los fanáticos abogan por que se reconsidere la reputación del álbum. [26] [27]
Las opiniones de Neil Young sobre el álbum han variado a lo largo de los años. En 1987, hizo una evaluación franca en una entrevista con Dave Fanning :
"Es una porquería. Seamos honestos al respecto. No sé qué decir al respecto, es el disco del año pasado. Todos son diferentes. Hay un par de canciones con las que me siento muy bien, pero había mucha presión sobre mí durante la grabación. Me acababan de demandar por no ser comercial después de veinte años de hacer discos. Me estuvieron presionando por eso todo el tiempo. Luego desconectaron el cable y se llevaron el dinero mientras lo estaba grabando y dijeron 'no puedes tener más dinero porque estás superando el presupuesto'. Así que lo terminé yo mismo. Básicamente en ese momento dije 'Bueno, aquí estoy en Los Ángeles; no me gusta mucho Los Ángeles; estoy haciendo un disco con músicos de estudio. Estos tipos son geniales, pero no me conocen muy bien'. La compañía discográfica me dijo que así era como debía hacerlo. Yo pensaba: muy pronto ya no voy a estar con esa compañía discográfica, así que tenía algunas canciones y las toqué, y ahí están. Hay algunas cosas buenas en ese disco, pero si tuviera que darle uno de mis discos a alguien, no creo que fuera ese el que le daría". [28]
En una entrevista de 1988 con James Henke para Rolling Stone , adopta una visión más caritativa: "Ese álbum fue como un renacimiento, simplemente mi regreso a Los Ángeles después de haber estado aislado durante tanto tiempo. Estaba encontrando mis raíces de rock & roll nuevamente. Y mi vitalidad como músico. Algo cobró vida; fue como un oso despertando". [29] En 1994, le dio una perspectiva más amplia a Greil Marcus de Spin :
"¿Cómo puedes encontrarte a ti mismo si no te pierdes? ¿Cómo puedes renovarte si no envejeces? No puedes. Tienes que hacerlo. Tiene que haber picos y valles, o es aburrido. Si lo he hecho, supongo que es porque creo en esa parte de la vida, y creo que así son las cosas. Incluso si eso significa sacrificar temporalmente el éxito. Realmente no me importa una mierda. "No pongo excusas por esos discos. Creo que esos discos se mantendrán, con el tiempo. No creo que los discos no sean tan buenos como los discos que estoy haciendo ahora. Simplemente siento que no están destinados al éxito, de ninguna manera. Sin embargo, si los pones en una pared, los miro como si estuvieras caminando por un museo. Ves las pinturas de alguien. Dices, '¡Guau, mira este período aquí! ¡Es extraño!' Especialmente considerando lo que vino después y lo que hubo antes. Y luego hay que pensar: «Bueno, ¿qué estaba haciendo el artista durante ese período?» Y, aun sabiendo lo que estaba haciendo, nadie sabía qué iba a pasar después. Obviamente, la gente pensaba que no iba a pasar nada. Éste fue el final». [12]
Todas las pistas están escritas por Neil Young
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