El arte popular en los Estados Unidos se refiere a los muchos tipos regionales de arte popular tangible creado por personas en los Estados Unidos de América . Generalmente se desarrolló a fines del siglo XVIII y principios del XIX, cuando los colonos revivieron las tradiciones artísticas de sus países de origen de una manera exclusivamente estadounidense; el arte popular incluye obras de arte creadas por y para una gran mayoría de personas. Se define como expresiones artísticas en un medio práctico que tiene un propósito específico o continúa una cierta tradición importante para una comunidad de personas. [1] Incluye artículos hechos a mano, como herramientas, muebles y tallas, y medios tradicionales como pinturas al óleo y tapices que a menudo tenían una doble finalidad, como la protección de una superficie. [2]
En la América colonial , el arte popular surgió de la artesanía en comunidades que permitían a personas con formación común expresarse individualmente, a diferencia de la alta tradición artística que dominaba Europa, que era menos accesible y generalmente menos relevante para los colonos estadounidenses. [4] Los movimientos en el arte y la artesanía en la América colonial generalmente se quedaron atrás de los de Europa occidental, y el estilo medieval predominante de carpintería y escultura primitiva se convirtió en parte integral del arte popular estadounidense temprano, a pesar del surgimiento de estilos renacentistas a fines del siglo XVI y principios del XVII en Inglaterra. Esto habría sido lo suficientemente temprano como para tener un impacto considerable en los estilos de arte popular estadounidense si no fuera por las formas ya adoptadas. A medida que los estilos cambiaban lentamente, hubo una tendencia de los artesanos rurales a continuar con el estilo preexistente durante más tiempo que sus contrapartes urbanas, y mucho más que los de Europa occidental. [4]
Los ejemplos que sobreviven desde principios del siglo XVII muestran una mezcla de medios y estilos artísticos, y ya en la década de 1640 se pintaron retratos en el área de Nueva Inglaterra . [4] La prevalencia y variedad de los medios y estilos del arte popular se debe, en parte, a los valores sociales de la América colonial temprana que consideraban a las colonias como de alguna manera inferiores a las naciones europeas gobernantes. Gran parte de las bellas artes de la época se centraban en escenas y valores europeos, dejando la expresión de la vida en las colonias al arte popular. [5]
Las comunidades con fuertes prácticas religiosas, como los puritanos y los cuáqueros , a veces rechazaban la práctica del arte por considerarla mundana e indulgente, lo que dio lugar a obras de arte menos ornamentadas y menos con algún tipo de propósito prioritario de expresión personal. A pesar de esto, muchos miembros de estas comunidades todavía se dedicaban a la expresión artística, a menudo por razones religiosas o tratando temas religiosos. [4] Un ejemplo destacado de este tipo de individuo fue el pintor Edward Hicks , un cuáquero del área de Nueva Inglaterra que vivió entre 1780 y 1849. [6]
Debido a los múltiples usos prácticos que suelen tener los artefactos de arte popular de los Estados Unidos, muchas piezas de arte permanecen anónimas y no están relacionadas con ningún artista específico. [7] Aunque hay muchos artistas populares estadounidenses destacados y bien conocidos, hay muchos más que carecen de detalles biográficos o no se les pueden atribuir creaciones anónimas, lo que plantea un desafío para el estudio del arte popular. [8]
El estilo de los retratos populares estadounidenses variaba en las distintas regiones debido a la diversidad de inmigrantes. [4] Sin embargo, hay cierta influencia de las convenciones académicas en la composición, el entorno y las poses de los retratos. [9] Había dos tipos de entornos para los retratos: un fondo sólido y monótono o las casas de los retratados, a menudo rodeadas de objetos que transmitían su personalidad, estatus o género. [10] Los retratos son sobrios en todos los aspectos, ya que se caracterizan por una perspectiva aplanada con una iluminación generalizada que creaba poco o ningún sombreado tonal. [9] A medida que los artistas distorsionaban la escala y la profundidad, confinaban a sus retratados a una dimensión estrecha de espacio entre el plano de la imagen y el fondo detrás de ellos para permitir una profundidad de campo más corta. [10] Hay una planitud y linealidad generales en las pinturas debido a la aplicación plana y delicada de pintura en toda la obra de arte. Las obras de arte están cuidadosamente compuestas con disposiciones espaciales claras para cada figura dentro de la obra, ya que los retratados están colocados de perfil completo, mirando directamente al espectador o ligeramente girados hacia un lado. [11] Los retratos de arte popular eran retratos de busto desde el pecho hacia arriba o retratos de cuerpo entero con poses estáticas, ya que los artistas a menudo dependían de fórmulas de composición para el rostro y las manos que proporcionaban un parecido con todos los modelos, lo que les permitía trabajar rápidamente con materiales y tiempo limitados. [10] Esto dio como resultado la falta de emoción representada a través de las expresiones severas, las miradas directas y los labios apretados. [12] En cambio, se utilizaron motivos y objetos como una marca de identificación para los mecenas con libros y, finalmente, periódicos como un motivo tradicional común en los retratos masculinos, mientras que los retratos femeninos contenían símbolos de feminidad y domesticidad como frutas, flores, animales o abanicos de mano. [10] La textura y los patrones de la ropa, los muebles o las alfombras de los modelos permitieron a los artistas animar los retratos ya sombríos y evocar la personalidad de los modelos. [12]
El arte Fraktur era un elemento de iluminación decorativa para documentos como poemas, textos religiosos, certificados de nacimiento y bautismo y muebles. [11] Se practicaba principalmente en Pensilvania por los holandeses de Pensilvania y recibió su nombre de la escritura fraktur que comúnmente acompañaba. Los artistas solían utilizar una pluma de ganso como herramienta principal para delinear y dibujar sobre sus medios mientras usaban un pincel hecho con pelo de gato para colocar los colores. [4] El arte Fraktur está estrechamente relacionado con la caligrafía, no solo en el uso similar de herramientas sino también en la dependencia de la línea para crear dimensión y forma dentro de las obras de arte. [11] Todos los elementos dentro de la obra de arte están delineados con una línea caligráfica negra para mejorar la dimensionalidad del elemento al proporcionar detalles en capas sobre los colores planos establecidos, al mismo tiempo que lo contrasta con el fondo a menudo pálido y el texto monocromático. [4] Sin embargo, la falta de pinceladas expresivas, textura y sombreado resultó en una planitud general al mejorar la bidimensionalidad de las obras de arte. El tema principal de estas obras de arte fraktur a menudo consistía en pájaros, animales y motivos florales dentro de un arreglo floral que rodeaba el texto a modo de borde. [13]
La pintura de los Apalaches es una colección diversa de estilos relacionados que incorporan influencias de las tradiciones de los nativos americanos, los afroamericanos y los europeos. Los elementos comunes de la pintura de los Apalaches incluyen la fabricación de materiales a partir de lo que se puede encontrar localmente, el veteado y el jaspeado para imitar maderas y mármoles raros y costosos, y la pintura de paisajes, así como el folclore y las leyendas locales. Estas pinturas a menudo se exhibían de manera destacada en interiores y formaban el punto focal de muchos espacios interiores públicos y privados. Los programas del New Deal de Franklin D. Roosevelt en los años 30 y 40 brindaron apoyo y empleo a muchos pintores de los Apalaches en ese momento, lo que llevó a la creación de muchas pinturas y murales nuevos. [14] Un destacado pintor popular moderno de los Apalaches es Mike Ousley, cuyo trabajo se basa en historias y folclore que ha escuchado y experimentado a lo largo de su vida en el este de Kentucky. [15]
Las colchas de granero son un tipo de arte popular que se encuentra en los Estados Unidos (particularmente el sur y el medio oeste ) y Canadá. Toman los patrones de los cuadrados de colcha tradicionales y los recrean directamente en el costado de un granero o en un trozo de madera o aluminio que luego se adhiere al costado de un granero. [16] Los patrones a veces se modelan a partir de colchas familiares, seres queridos, temas patrióticos o cultivos importantes para la granja. [17] Los orígenes de la colcha de granero son controvertidos: algunos afirman que se remontan a casi 300 años, pero otros afirman que fueron inventados por Donna Sue Groves del condado de Adams, Ohio, en 2001. [18] Es probable que su origen esté relacionado con los anuncios de graneros . Muchos condados rurales exhibirán sus colchas de granero como parte de un sendero de colchas , creando una ruta que conecta graneros con colchas de granero para patrocinar el turismo local.
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Las artes textiles han sido históricamente una de las formas más comunes de arte popular, ya que el hilado y el tejido eran necesidades diarias. [19] Los tipos comunes de arte textil incluyen acolchados , colchas y muchos otros. Las artes textiles eran (y hasta cierto punto todavía son) realizadas predominantemente por mujeres, por función, disfrute y para obtener ingresos adicionales. Usaban lino y algodón cultivados localmente como materiales y teñían sus telas con tintes naturales o comprados en tiendas. El tejido de colchas (llamadas "colchas de montaña" en los Apalaches) era una artesanía particularmente apreciada, ya que requería el mayor esfuerzo y habilidad y era más capaz de expresar la personalidad y la creatividad del tejedor. [20] [21]
El auge de los catálogos de pedidos por correo y de los bienes de consumo producidos en masa en los Apalaches inicialmente amenazó las artes textiles tradicionales, pero casi tan pronto como llegaron, surgieron movimientos regionales para preservar las artes textiles. En las décadas de 1920 y 1930 surgieron muchas de estas organizaciones, como Arrowcraft Shop, John C. Campbell Folk School , Southern Highland Handicraft Guild y Tennessee Association of Craft Artists (TACA). [22]
El acolchado tradicional inspiró la tradición más reciente de las colchas de granero, que no son textiles sino patrones de colchas pintados o fijados a los lados de los graneros.
Es probable que la cestería se haya practicado en América del Norte desde que los seres humanos han vivido en ella. Las tradiciones y los estilos de cestería son extremadamente diversos, pero la mayoría incluyen el trabajo con materiales que son comunes en la zona en la que se produce la cesta. Dos estilos destacados de cestas de los Apalaches son las cestas de listones y las cestas de costillas. [23]
Al igual que la cestería, la alfarería se ha practicado en América del Norte desde que los humanos la habitaron. Se reconoce generalmente que la Nación Catawba tiene la tradición de alfarería más antigua, y sus técnicas de alfarería han influido tanto en otros grupos indígenas como en los colonos blancos y negros de la zona. [24]
La talla de madera, que es a la vez una habilidad práctica y una forma de arte, está muy extendida en toda América del Norte. Hay muchos tipos diferentes de talla de madera, y la talla puramente recreativa suele denominarse "tallado". [25]
Los barcos casi siempre estaban adornados con algún tipo de talla de madera, ya sea un mascarón de proa , una tabla de popa, una tabla de pasarela o cualquier otro número de lugares diferentes que pudieran tener valor estético. El mascarón de proa de un barco era a menudo el más ornamentado, ya que se pensaba que era una expresión de la misión, el propósito y el espíritu del barco. Por lo general, serían mujeres, pero también podían ser hombres, animales (las águilas eran particularmente comunes) u otros diseños. Un reemplazo para un mascarón de proa que era más pequeño y no representaba ninguna criatura se llamaba mascarón de proa. [26]
Aunque no se trata de un tipo de tallado en madera, los scrimshaws eran tallas que hacían los marineros en hueso o marfil, normalmente dientes de ballena de las capturas de los barcos balleneros . El hueso de ballena era fácil de tallar y abundaba, ya que por lo general no era un producto que se llevara de vuelta para venderlo, como sí se hacía con el aceite y la carne de ballena. Los balleneros solían tener mucho tiempo libre entre avistamientos de ballenas, por lo que el tallado en scrimshaw era una actividad creativa que encontraban para llenar ese tiempo. Lo hacían con más frecuencia los balleneros de Nueva Inglaterra. [27]
Los señuelos de peces son modelos de madera de peces que se utilizan para atraer a los peces cuando se pesca en el hielo . Han sido creados por pueblos indígenas durante miles de años en el norte de América del Norte, y hoy en día se fabrican y utilizan principalmente en la región de los Grandes Lagos . Aunque su propósito principal es funcional, los artesanos se han enorgullecido y continúan enorgulleciéndose del arte y el diseño de sus señuelos de peces, con estilos que van desde lo fotorrealista hasta lo estilizado con patrones de arte popular del norte de Europa. El pasatiempo de producir y coleccionar señuelos de peces creció en popularidad durante la era de la Gran Depresión , y todavía se practica en la actualidad. [28]
La mayoría de los artistas populares estadounidenses eran autodidactas y los pintores a menudo trabajaban como retratistas para generar ingresos. Un ejemplo de esto lo podemos ver en Rufus Hathaway (1770-1822), que trabajó como retratista autodidacta durante cinco años. [29] La naturaleza del arte popular estadounidense, que no dependía de una educación tradicional en las artes, significó que había una mayor variedad de antecedentes entre los artistas que produjeron piezas de arte en este movimiento. Esto significa que hubo muchas variaciones en la apariencia del arte popular. Aunque había motivos y técnicas similares en las obras de arte, esta variación hizo que las piezas de ciertos artistas fueran más difíciles de identificar o categorizar. Por ejemplo, la variación en las obras de arte de Ammi Phillips (1788-1865) alguna vez llevó a los historiadores del arte a creer que sus piezas fueron producidas por varias personas. [30]
Los artistas que trabajaban en este estilo también tendían a depender de otra profesión para ganarse la vida. Algunos artistas tuvieron que dejar de producir piezas de manera profesional debido a la falta de ingresos. Los artistas con doble profesión recurrían a las experiencias de su profesión secundaria para fundamentar su método de creación artística. Artistas como Edward Hicks (1780-1849) y Sheldon Peck (1797-1868) tuvieron que encontrar otra fuente de ingresos para sustentar su carrera artística; el último se convirtió en agricultor y el primero trabajó como predicador. [31] Rufus Hathaway también dejaría de producir arte como carrera y se convertiría en médico. Tras su muerte, su panegírico mencionaría cómo la falta de ingresos influyó en su decisión de dejar de crear arte. [32] Artistas como Ammi Phillips fueron los atípicos en este sentido; mantuvo el arte como su única profesión durante todo el tiempo que produjo piezas de manera profesional. [30]
De los artistas más reconocidos, la mayoría trabajaban en ciudades produciendo retratos para sus habitantes. Algunos viajaban a otras ciudades o estados para continuar su trabajo una vez que la demanda de retratos de la población se reducía, como Sheldon Peck y Ammi Phillips, quienes dejaron sus hogares para seguir produciendo obras de arte. [33]
Los artistas cuáqueros que participaron en este estilo artístico generalmente no produjeron piezas religiosas, ya que el protestantismo inglés se oponía a la creación de arte religioso. [2] Edward Hicks no compartía esta creencia, ya que comenzó a realizar piezas que creía que difundirían el evangelio. Por lo tanto, pudo combinar carreras y ser predicador y artista al mismo tiempo. [34]
Los artistas más conocidos nacieron generalmente en familias con experiencia en la industria artesanal. Varios nacieron en familias que tenían influencia política local o disfrutaban de un nivel de vida más alto debido a la gran demanda de sus servicios. El artista Edward Hicks nació en una familia que había sido leal a la monarquía inglesa durante la guerra revolucionaria debido a su papel en el gobierno local. [35] Por lo tanto, hay algunas pruebas que sugieren que los artistas populares destacados pertenecían a un nivel social más alto, pero los artistas generalmente provenían de una amplia gama de entornos socioeconómicos.
Sin una formación académica formal como requisito previo para el éxito de un artista popular, la forma de arte ganó popularidad entre aquellos a quienes a menudo se les negaba dicha formación, incluidas las mujeres. Aunque la escolarización de las mujeres en los Estados Unidos de los siglos XVIII y XIX estaba muy extendida en áreas como Nueva Inglaterra , el plan de estudios seguía siendo limitado. [36] El principal objetivo de enviar a las niñas a la escuela era mejorar su astucia religiosa y su conocimiento de los textos bíblicos. [36] Como tal, la mayoría de los proyectos escolares emprendidos por las estudiantes implicaban el descifrado de textos, pero no la creación de los suyos propios. De hecho, a pesar de saber leer, la mayoría de las mujeres no sabían escribir. [37] Otras actividades creativas y expresivas similares se desalentaban en los entornos académicos, lo que significa que las mujeres artistas a menudo eran autodidactas.
Una vez que las mujeres completaban sus estudios, el matrimonio y la subyugación a la esfera doméstica era una costumbre. [38] Las esposas a menudo se dedicaban a la producción a pequeña escala de textiles para la venta comercial y el uso doméstico. [39] Esto les permitía cultivar las habilidades artísticas y la artesanía necesarias tanto para satisfacer su papel en la sociedad (vestir a los niños, hacer sábanas, decorar el hogar) como para crear arte. El bordado era, por tanto, un medio de uso común en las piezas de arte popular realizadas por mujeres artistas como Sarah Ann Garges (c. 1834–c. 1887). [40] Su pieza, "Appliqué Bedcover (1853)", presenta motivos pastorales que representan su educación rural en Pensilvania .
La aplicación de las habilidades prácticas asociadas con la condición femenina del siglo XIX a la creación de arte popular también es evidente en el uso generalizado de hilo de lana. Por ejemplo, en su obra “Adán y Eva (1835)”, Helen Shaw utiliza hilo de lana sobre fondo de lana para representar la historia bíblica. [41] Como las artistas mujeres no solían recibir elogios de la crítica, muchas de sus obras de arte se hicieron como regalos para familiares y amigos, como el arte textil de Shaw .
Como la mayoría de las mujeres se limitaban a utilizar técnicas y herramientas que eran culturalmente aceptables, como la aguja y el hilo, entrar en medios dominados por los hombres, como la pintura de caballete, podía resultar difícil. Las mujeres que tenían éxito en ello solían provenir de entornos más ricos y, por lo tanto, podían recibir formación profesional en artes visuales. [42] Las mujeres de clase media y alta no necesitaban depender de medios disponibles en el país, como la costura y el bordado, y en su lugar experimentaban con materiales de arte de alta calidad que les otorgaban una mayor validez como artistas. [43] Una de las artistas populares más destacadas de los Estados Unidos de los siglos XVIII y XIX es Eunice Pinney . Utilizó acuarelas para pintar escenas de género y cuadros de duelo, principalmente con personas y escenarios de clase alta. [44] Ella y su contemporánea Mary Ann Wilson son consideradas algunas de las primeras estadounidenses en utilizar el medio de la acuarela. [45]
Ruth Henshaw Bascom (1772-1884) fue otra artista popular reconocida. Sus composiciones son casi exclusivamente retratos, de los cuales produjo más de 1400. [46] El retrato se hizo popular entre las mujeres artistas que a menudo usaban a niños y familiares en el hogar como modelos. Su arte enfatizaba así la participación comunitaria y familiar. [46] Otras destacadas artistas populares del siglo XVIII y XIX que se especializaron en retratos incluyen a Susan Waters y Emily Eastman .