Anselm Reyle (nacido en 1970) es un artista visual alemán afincado en Berlín. Es conocido por sus pinturas abstractas y esculturas de objetos encontrados, a menudo a gran escala. [1]
Anselm Reyle nació en Tubinga , Alemania en 1970. [2] [3] [4] Estudió en la Academia Estatal de Bellas Artes de Stuttgart ; seguido de estudios en la Academia de Bellas Artes de Karlsruhe , con el artista Helmut Dorner. [3] [4]
En 1997 se mudó a Berlín, donde fundó un estudio en colaboración con John Bock , Dieter Detzner, Berta Fischer y Michel Majerus . [5]
De 1999 a 2001, Reyle trabajó junto con Claus Andersen y Dirk Bell para la galería cooperativa de artistas "Andersen's Wohnung" y "Montparnasse" con Dirk Bell y Thilo Heinzmann . [ cita necesaria ] Después de haber ocupado un puesto como profesor invitado en la Staatlichen Akademie der Bildenden Künste, Karlsruhe, [ cita necesaria ] Universität der Künste , Berlín [ cita necesaria ] y la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo (HFBK Hamburgo). [ cita necesaria ] Reyle se convirtió en profesora de dibujo y pintura en HFBK Hamburgo en 2009. [6]
Anselm Reyle se interesó desde el principio por el diseño del paisaje y la música antes de centrarse finalmente en la pintura y la escultura. [7] Son característicos de su obra varios objetos encontrados que han sido removidos de su función original, alterados visualmente y recontextualizados. Reyle trabaja en diferentes medios, utilizando estrategias de pintura, escultura e instalación y trabajando en grupos de trabajo estructurados y en serie. El artista utiliza un grupo vasto y diverso de materiales tomados tanto del arte tradicional como de medios comerciales, incluidas láminas de colores de escaparates, medios y pastas acrílicas, lacas para automóviles y basura cotidiana inútil extraída de áreas urbanas. [1] Al eliminar estos materiales de sus contextos y enmascarar su función original, Reyle varía el grado en que cada uno conserva su respectiva referencia visual. Utilizando fórmulas de apropiación, la obra permite al espectador alternar entre momentos de identificación de elementos individuales dentro de la obra y períodos de alienación debido a su nuevo contexto. Incluso los títulos de las exposiciones y de las obras son muy a menudo citas de diferentes campos, como textos de canciones; funcionan como objets-trouvés del repertorio del artista.
“Originalmente comencé a hacer pintura gestual, pero al mismo tiempo siempre me interesó experimentar con diferentes materiales. Para mí, en ambos casos, la coincidencia juega un papel importante, así como la exigencia de trabajar con lo inesperado. Después de que mi trabajo se había vuelto cada vez más conceptual y técnicamente perfecto en los últimos años, recientemente comencé a abrir mi práctica artística nuevamente a un enfoque más libre y gestual. Al final, supongo que son estos dos polos los que determinan mi trabajo”. – Anselmo Reyle
Una de las series de obras más conocidas de Anselm Reyle son sus “pinturas de láminas”, las muy famosas obras abstractas que se crean utilizando láminas dispuestas e instaladas en cajas de metacrilato de colores. Su materialidad brillante seduce la mirada del destinatario y estimula el sentido del tacto, al mismo tiempo que la caja de metacrilato niega cualquier posibilidad de experiencia táctil. La superficie dinámica de estas obras enfatiza su objetividad y presencia espacial, las frágiles formas de láminas plegadas contrastan con su geometría rígida. [1]
Los "cuadros de rayas" son otra serie muy conocida del artista. Aquí Reyle desinfla sistemáticamente el cliché histórico del arte con franjas verticales uniformes de pintura. Utiliza conscientemente elementos disruptivos, como los pliegues del papel de aluminio, una mancha de pintura que sirve como firma estandarizada o una última franja cortada en el borde del plano pictórico. Le fascina el hecho de que un tema de rayas tan simple le permita crear tantas y tan impresionantes variaciones en la composición de color, como se puede ver en un ejemplo posterior con franjas estrechas. Con el paso de los años, Reyle comenzó a utilizar cada vez más láminas, espejos, pastas de efectos especiales y pastas texturizadas, además de incorporar marcos de acero como elemento estilístico en sus imágenes.
A pesar del continuo compromiso de Reyle con la abstracción, también está experimentando con motivos representacionales. De hecho, en una serie creada entre 2010 y 2013, Reyle explora de manera divertida el origen de la figura haciendo referencia explícita a la tradición de “pintar por números”, revelando así la forma en que las formas abstractas pueden fusionarse y convertirse en sujetos reconocibles de la vida. Al utilizar una estrategia como la que se ve en pintar por números, el tema se analiza en partes únicas, numeradas en serie, como un rompecabezas donde a cada número se le asigna un color determinado que interactúa con otros campos. Luego se rellenan con materiales o colores que el espectador puede reconocer del repertorio de Reyle, como en sus pinturas de rayas o en la serie Otto-Freundlich. Esta yuxtaposición crea la impresión de un relieve plástico con una amplia gama de texturas superficiales que apela directamente al sentido del tacto del espectador.
Una serie de esculturas muy conocida de Anselm Reyle son las llamadas "esculturas africanas". Las formas y títulos originales de estos grupos de trabajo están tomados de los mercados turísticos y de las artesanías cursis de los mercadillos (a menudo hechas de esteatita) que se venden como clichés de la escultura africana. Ubicada sobre un pedestal bajo de madera de Macassar, su pieza Harmony (2007) se basa en una pequeña escultura de esteatita que su madre compró en una visita a África. [7] Aunque baratas y derivadas, en su concepción formal estas formas recuerdan a los destacados escultores abstractos del arte moderno como Hans Arp , Alexander Archipenko y Henry Moore . La clara influencia de la escultura europea en estas chucherías africanas se manifiesta en este prototipo sugerido de arte plástico moderno. Reyle utiliza técnicas tradicionales; ampliando el objeto original encontrado antes de fundirlo en bronce, cromarlo y lacarlo. Este proceso crea una obra con gran tensión ya que la técnica escultórica manual tradicional contrasta con el trabajo en bronce de alta ingeniería. El conocimiento previo del espectador de las técnicas a las que Reyle se sometió para crear y transformar el objeto es vital para comunicar esta paradoja intencional.
Si bien es bien conocido por su uso de materiales inusuales y alteraciones físicas, el trabajo de Reyle se basa en escuelas de abstracción históricas del arte que datan de principios del siglo XX, incluido el informalismo, el cubismo, el op-art, el minimalismo y el arte pop. Y si bien Reyle a menudo trabaja dentro de la tradición de los object trouvés, no se basa en la apropiación como en el trabajo de, por ejemplo, Louise Lawler o Elaine Sturtevant . En cambio, Reyle utiliza su vocabulario estético altamente refinado para cuestionar el papel que juega el exceso en el mercado posmoderno al colapsar y mezclar estas diversas tradiciones de maneras inesperadas. De hecho, al explotar ambos lenguajes históricos y desarrollar simultáneamente un vocabulario en evolución de nuevas prácticas industriales y métodos de producción en masa, puede reflexionar sobre los diversos "callejones sin salida de la modernidad". [8]
La fascinación de Reyle por los efectos de alto brillo y los materiales decorativos tomados del mundo del merchandising enmarca su crítica del kitsch y de lo que el artista ha descrito como “un paseo por la cuerda floja que puede resultar doloroso en todo momento”. [9] Esta crítica aborda francamente la distinción entre las categorías normativas de “gran arte” y “baja cultura”, y cuestiona dónde se fusionan estos extremos. Al yuxtaponer materiales preciosos y basura, y al subcontratar su producción, Reyle puede realizar un trabajo que funciona como un testimonio de nuestro tiempo y que incita a una reflexión sobre los valores predominantes de nuestra cultura de consumo. Sin embargo, a pesar de su crítica de los ideales burgueses, la obra no ofrece una alternativa simple con un atractivo moral genuino e insiste en conservar a veces su tono irónico. Al producir obras en serie, Reyle puede desafiar la primacía de la pintura de un solo panel.
La discrepancia en sus obras entre el ideal principalmente sublime de la abstracción y la orientación visual decorativa aparentemente provocativa genera una tensión ambivalente y es en este espacio donde la forma y el tema se separan. La espontaneidad del concepto y la vitalidad dinámica de esta obra contrastan con la compleja transformación técnica que en sí misma sólo se puede lograr con la ayuda de muchos procesos técnicos sofisticados utilizados por el artista en colaboración con empresas especializadas. La subcontratación de su proceso artístico también se encuentra en la estructura de su estudio, donde el artista ha contratado un equipo desde 2001. Además de su trabajo de estudio, el interés de Reyle por experimentar con materiales inusuales también se expresa en instalaciones específicas para el lugar, como su exposición “Templo de las Madres Ácidas” en la Kunsthalle Tübingen (2009) o “Elemental Threshold” (2010) en el Museo Dhondt Dhaenens, Bélgica. En 2017, con motivo de su exposición individual "Eight Miles High" en la König Galerie de Berlín, Reyle presentó tres esculturas colgantes, inspiradas en campanillas de viento geométricas hechas de metal, como las que se encuentran como artesanías en las ferias.
En sus trabajos recientes, Reyle parece inclinarse aún más por lo intuitivo y lo sensual, desarrollando su característico vocabulario formal y trabajando con objetos encontrados. Aquí juega un papel clave su cerámica, que comenzó a producir en 2016. Estas esculturas, con sus llamativos colores y superficies incrustadas, están inspiradas en los extravagantes jarrones Fat Lava que aparecieron en la década de 1970 y terminaron en los mercados de pulgas como kitsch poco después. Reyle toma este fenómeno estilístico como motivo para experimentar intensamente con formas y esmaltes y desarrollar un grupo de esculturas en forma de jarrón de gran formato. Para él era importante integrar más estrechamente el azar al trabajar con el material natural arcilla; literalmente, nunca se sabe exactamente lo que saldrá del horno. Los defectos aleatorios suelen ser estéticamente interesantes. Reyle es intencionalmente gestual; interfiere espontáneamente en el proceso para permitir que ocurran algunos defectos, incluso crea las condiciones necesarias que causarían tales defectos: de esta manera, es posible abrir un espacio para el gesto y la interpretación estéticos. Para ello, Reyle maltrata gestualmente el material antes de meterlo en el horno, añade rayas y grietas en la superficie que muchas veces rompen la forma cerrada del recipiente. Se completa con la aplicación informal de pasta de lava hirviendo y esmaltes de color naranja brillante o amarillo cadmio o superficies monocromáticas metálicas. Así es como Reyle crea híbridos de estilos, que tienen sus raíces en rasgos kitsch y tradicionales del arte contemporáneo (pensemos en Lucio Fontana , por ejemplo); los abre intuitivamente en su puesta en escena, al tiempo que crea una cierta ambivalencia.
En su reciente serie de pinturas el artista busca abrir el proceso mismo de pintar, como lo hace en su cerámica. Muchas de estas obras están pintadas sobre arpillera tosca, la presencia de la materialidad y la forma libre vuelven a jugar un papel importante. Esas pinturas son intensas concentraciones de dinámicas contradictorias; Aquí Reyle interpreta los colores disonantes y el canon material que desarrolló a lo largo de los años, en una forma abstracta y libre. Todas las piezas de su vocabulario previamente desarrollado (sus gestos característicos) se pueden encontrar en estas obras y, al mismo tiempo, se tejen en una nueva complejidad para ganar nueva intensidad y nueva efectividad visual.
Las exposiciones individuales anteriores de Reyle incluyen exposiciones en König Galerie, Berlín (2023), Aranya Art Center Quinhuangdao (2020), König Galerie (2017), Galerie Almine Rech (2017), Gary Tatintsian Gallery (2013), Deichtorhallen Hamburg (2012), Kunsthalle Tubinga (2009); el Instituto Moderno de Glasgow (2007); uno de nuevas esculturas y pinturas en Kunsthaus Zürich (2006); Galerie Giti Nourbakhsch, Berlín y Gavin Brown's Enterprise , Nueva York. Su primera exposición individual en Estados Unidos fue organizada por el Des Moines Art Center . [10]
El artista está representado principalmente en colecciones privadas como The Saatchi Gallery , Londres, Daimler Collection, Berlín, Fondation Pinault, Venecia y Rubell Family Collection, Miami.