A Piece of Monologue es una obra de teatro de quince minutosde Samuel Beckett . Escrita entre el 2 de octubre de 1977 [1] y el 28 de abril de 1979, surgió a raíz de una solicitud de una “obra sobre la muerte” del actor David Warrilow , quien protagonizó el estreno en el Annex en La MaMa Experimental Theatre Club [2] ,Nueva York el 14 de diciembre de 1979.
Una luz difusa se desvanece en una habitación en la que un anciano de pelo blanco –identificado simplemente como Speaker– permanece inmóvil frente a una pared en blanco. A su izquierda hay una lámpara de pie de la misma altura que el actor con un globo del tamaño de un cráneo humano; está tenuemente iluminada. Apenas visible a su extrema derecha está el pie blanco de una cama tipo jergón. “[E]s muy parecida a la habitación de la obra de televisión Ghost Trio , aunque sin el espejo”. [3] El hombre lleva un camisón blanco y calcetines blancos. Después de una pausa de diez segundos, el actor comienza a hablar y continúa sin interrupción hasta el final de la obra. Todo está tenuemente iluminado. Esto nos invita, junto con la falta de una puesta en escena interna específica, a centrarnos en la escucha como la forma principal de experimentar la obra.
El orador “cuenta una 'historia' de un hombre tan parecido a él que es fácil suponer que simplemente está hablando de sí mismo en tercera persona” [4], a quien primero se ve mirando por una ventana a “ese negro inmenso”. [5] Ha estado contemplando la duración de su vida, que totaliza en “dos mil quinientos millones de segundos” o “treinta mil noches”. [5] (Esto equivale a 79 años de segundos y 82 años de noches [3] ). Al principio se centra solo en dos cosas, en haber sido entregado de bebé y en los diversos funerales que han marcado su tiempo en la tierra. La díada nacimiento/muerte se anuncia en la primera línea: “El nacimiento fue su muerte”. Esto impregna la obra y aparece en diversas formas a lo largo de gran parte de la escritura de Beckett.
El orador continúa describiendo con gran detalle los esfuerzos del hombre por encender una lámpara de aceite antigua. La disciplina lingüística y la repetición de frases precisas confieren una cualidad ritualista a estas secuencias que terminan con una luz reducida cuando finalmente "apaga la mecha". Esta secuencia de variaciones finalmente se reduce a una sola palabra: "enciende", acercándose al final de la obra. En las variaciones iniciales, más grandes, utiliza tres cerillas en el proceso cada vez.
Ahora, capaz de ver, el hombre se gira hacia el este para enfrentarse a una pared en blanco. Parece tratarse de otro ritual nocturno. La pared ante la que se encuentra el hombre solía estar “cubierta de fotografías” de “seres queridos” (una expresión que evita decir obstinadamente, ya que Beckett emplea elipsis cada vez que pronuncia esta frase, lo que obliga al personaje a interrumpirse inmediatamente después de cada enunciado). Mira las marcas específicas dejadas en la pared y recuerda una foto de su padre, una de su madre, una de ellos el día de su boda (quizá a lo que se refiere justo antes del final como “los muertos y los desaparecidos” [6] ) y una de “Él solo” [7], que probablemente sea una de él mismo, otra más, con sus padres y posiblemente otras personas de “los moribundos y los que se van”. [6] Estas fotografías han sido “arrancadas de la pared y destrozadas” [8] , aunque no en una única escena emocional, como en el caso del personaje O en Film , sino a lo largo de un período de tiempo y luego barridas “debajo de la cama con el polvo y las arañas”. [8] (Beckett logra crear una sensación de que su presencia ronda la habitación. Esto parece cada vez más probable a medida que se mencionan fantasmas en una secuencia de líneas que conducen a la sección final de la obra).
El orador recuerda entonces que "la habitación estaba llena de ruidos, ruidos débiles, cada vez menos fuertes a medida que pasaba el tiempo". Relaciona esto con los recuerdos de la lluvia, que está cayendo en ese momento, y afirma: "Algunas noches la lluvia todavía cae oblicuamente contra los cristales, incluso ahora". La lluvia se utiliza también en secuencias funerarias posteriores.
El narrador describe que se acerca a la ventana y enciende la lámpara nuevamente en una variación truncada. Para el tercer encendido de la lámpara se utiliza un único trozo de madera o de papel retorcido, para encender lámparas, etc., en lugar de cerillas. Se añade un elemento adicional con manos que desaparecen y reaparecen y el globo terráqueo. (¿Quizás esto evoca un truco de magia? ¿Un acto de desaparición como si uno más estuviera al borde de la muerte?) Más adelante sigue la mención final de encender la lámpara con la variación final de una sola palabra antes mencionada, "luces".
La acción en una tumba abierta se recuerda en una serie de variaciones y se narra en términos cinematográficos: “Paraguas alrededor de una tumba. Vista desde arriba... Treinta segundos... Luego se desvanece”. [9] El funeral se lleva a cabo bajo una lluvia torrencial. El hombre describe haber visto a alguien hablar junto a la tumba (¿presumiblemente el ministro?) pero solo “escuchando a medias lo que está diciendo”. [9] La confusión sobre de quién es el funeral da paso a la indicación de que el funeral es de una mujer, muy probablemente el de su madre (?). El hecho de que Speaker se corrija a sí mismo, “su manera” se convierte en “su manera”, [6] sugiere que la muerte de esta amada femenina es quizás el evento crítico de esta historia parcial y oblicua. O, más exactamente, el intento de hablar de este evento específico y renunciar a él de la memoria es el comportamiento más significativo representado en la narrativa”. [10]
A partir de este punto, el texto se fragmenta. El narrador salta del funeral a la ventana, de la lámpara a la pared y de allí al nacimiento. Sin embargo, la acción avanza un poco: en la primera mención del funeral, la tumba está vacía, en la segunda el ataúd está “fuera de cuadro” [9] y en la tercera el ataúd está “en camino”. [6]
“[Una] de las teorías de Freud que tuvo un impacto en Beckett porque reforzó su propia experiencia fue que la agonía del nacimiento inducía una ansiedad primaria en los seres humanos”. [11] Beckett afirmó haber recordado su tiempo en el útero junto con su propio parto doloroso. La palabra 'nacimiento' preocupa a Speaker. Vuelve a ella una y otra vez describiendo gráficamente en un punto, con tanto detalle como lo hace el encendido de la lámpara, cómo se dice la palabra. Este es un momento importante y uno que causó grandes problemas a Beckett cuando llegó a adaptar la pieza al francés ya que "ninguna palabra similar se vocaliza de esta manera en francés". [12] Esto resultó en que omitiera pasajes completos y "redujera la pieza a una versión libre, más corta, titulada Solo ". [12] "Separar los labios es a la vez una condición y un resultado de pronunciar la consonante oclusiva "b"; “La acción de empujar la lengua hacia adelante, más precisamente, de empujarla hacia afuera a través de los labios y los dientes separados, describe a su vez la acción involucrada en la pronunciación del sonido “th”... Esta conexión vincula la separación de los labios y el empuje de la lengua hacia adelante, necesarios para la articulación de la palabra “birth”, con el acto mismo del nacimiento. En otras palabras, la pronunciación de esta palabra es simultáneamente la imagen o el símbolo de aquello que significa.” [13]
También está la familiar precisión matemática, que proporciona un orden estructurante al viejo caos. No es la primera vez que Beckett juega con el número tres. Hay tres intentos plenamente articulados de encender la lámpara, tres imágenes del espectro de la muerte que avanza y tres negaciones: «No existe tal cosa como nada» [14] ; «No existe tal cosa como ninguna luz» [15] ; «No existe tal cosa como el todo» [16] . Y están los múltiplos de seis: seis referencias a seres queridos, seis descripciones de las imágenes que alguna vez adornaron la pared ahora en blanco que enfrenta el hablante, seis pasos en el ritual» [17] y seis usos de la palabra «nacimiento», tres incluidos en la expresión –o una ligera variación de la línea inicial: «El nacimiento fue su muerte».
“El hombre aislado en Un fragmento de monólogo … se ha desvinculado sin piedad de su pasado, ‘exorcizando’ a sus ‘supuestos’ seres queridos al retirar sus fotografías, romperlas y esparcirlas… En su búsqueda de ‘menos para morir’, en actos deliberados de desecación emocional, intenta abjurar de los recuerdos de sí mismo en relaciones anteriores. Mientras destruye las fotografías que reducen a su madre y padre, una vez amados, a vacíos grises, y a él a otro, intenta borrar los recuerdos que lo conectan con la vida y la intimidad. No queda nada más que un recuerdo vago y un funeral anticipado para marcar el final de su marca de muerte lenta desde el nacimiento hasta el olvido”… Flotando como el Viejo Padre Tiempo en su mortaja , está ‘esperando la palabra de la verdad’ [6] … para hacer alarde de sus ‘supuestos seres queridos’ y su yo de ‘sonrisa fantasmal’ [5] . [11]
Kristin Morrison sostiene que “la palabra clave en A Piece of Monologue es `begone', esa palabra con la que el hablante desecha de su vida aquello que siempre ha querido de verdad”. [18] Linda Ben-Zvi considera la palabra como “el juego de palabras con RIP, requiescat in pace ( descansa en paz ), que sugiere que la muerte es la forma final de desgarrar la oscuridad”. [19] The Faber Companion to Samuel Beckett (p. 365) propone que “amor” es la “palabra clave” porque el hecho de arrancar las fotografías de sus “seres queridos” de la pared “no consigue la consumación deseada”. Esto demuestra las múltiples posibilidades de interpretación que hacen que Beckett sea tan desafiante para cualquiera que intente llegar a conclusiones fijas respecto de significados específicos.
Beckett intenta lograr en el escenario lo que ya había logrado en la ficción: permitir que las dos partes del yo existan simultáneamente. [19] Hay un orador enmarcado en el escenario que no se mueve (en efecto, un Tableau Vivant ) –parece una fotografía– y luego está el hombre en su historia. La observación de F. Scott Fitzgerald , “La acción es el personaje”, [20] nunca ha sido más cierta que en esta breve obra.
“La obra termina con la creciente atracción de la imagen de la muerte: 'Tratando de otros asuntos. Tratando de tratar otros asuntos. Hasta que la mitad oye que no hay otros asuntos. Nunca hubo otros asuntos. Nunca dos asuntos. Nunca más que un asunto. Los muertos y los que se fueron. Los que mueren y los que se van. Desde la palabra ir. La palabra ir'. [6] Los dos asuntos, nacimiento y muerte, finalmente se convierten en solo muerte. Desde el nacimiento, el comienzo —'la palabra ir'— la presencia de la muerte es constante, así como la palabra 'ir' es parte de la palabra 'ir'”. [19]
En agosto de 1977, el actor David Warrilow, que había tenido un éxito rotundo con la adaptación de Los perdidos, le escribió a Beckett para preguntarle si podía escribir una pieza en solitario para que él la interpretara. Después de aclararle exactamente lo que quería decir, Beckett se negó: “Mi nacimiento fue mi muerte. Pero no pude escribir 40 minutos (5000 palabras) sobre esa vieja historia. No ahora que la tenía a mi alcance”. [21] Al día siguiente, sin embargo, se sentó e intentó escribir una pieza con las palabras iniciales: “Mi nacimiento fue mi muerte”. Escrita en primera persona del singular, se tituló provisionalmente “Gone”.
“Se estropeó… después de unos cuantos miles de gemidos” [22] pero consideró que era recuperable y volvió a él en enero de 1979 cuando Martin Esslin le escribió para preguntarle si tenía una obra inédita que pudiera aparecer en The Kenyon Review . Añadió una serie de acotaciones escénicas a lo que hasta entonces había sido simplemente un monólogo y, en su septuagésimo tercer cumpleaños, envió copias por correo a Esslin y Warrilow. Lo consideró “insatisfactorio… no espero que lo uses”, le escribió a Warrilow. [23]
“La pieza se inspiraba en recuerdos de la infancia: “su padre enseñándole a encender una cerilla en sus nalgas; las diversas operaciones involucradas en encender una lámpara de aceite antigua… lo que su madre le había contado sobre cómo nació justo cuando el sol se hundía detrás de las 'agujas nuevas que se volvían verdes' de los alerces; [5] un destello de luz que iluminó la gran cama de latón que había estado en el dormitorio de sus padres”. [24] También había calculado recientemente su propia edad en días e incorporado una cifra de “veinticinco mil quinientos cincuenta amaneceres” en su borrador inicial. [1]
Unos días después de que Beckett comenzara a trabajar en Gone, mandó pintar toda su casa “de gris, como el propietario” y, a su regreso de un viaje a Alemania, al ver las paredes vacías y despejadas, decidió dejarlas así. Como dice James Knowlson en Damned to Fame (p. 650): “La vida aquí emulaba al arte, o al menos reflejaba el estado de ánimo que lo inspiraba”.
El oxímoron “El nacimiento fue su muerte” evoca una fusión de ambos acontecimientos. Lo encontramos en Breath , en el que un escenario plagado de basura se acompaña de un grito débil, seguido de inspiración, silencio, expiración, otro grito y silencio de nuevo. Fin de la pieza.
Para acceder a sus recuerdos (es decir, para ver la pared), el hombre de Monólogo primero tiene que encender la lámpara. En La última cinta de Krapp, antes de poder acceder a los suyos, Krapp necesita localizar la cinta adecuada y encender la máquina. Hoy, cuando las tecnologías digitales acentúan el proceso de externalización de la memoria que comenzó con la invención del lenguaje escrito, estas obras son más relevantes que nunca.