El Crucifijo de Cimabue en Santa Croce ( c. 1265 ) es un crucifijo de madera de gran tamaño , pintado al temple , atribuido al pintor y mosaiquista florentino Cimabue , uno de los dos grandes crucifijos que se le atribuyen. [1] La obra fue encargada por los frailes franciscanos de Santa Croce y está construida a partir de una compleja disposición de cinco tablas de madera principales y ocho auxiliares . Es una de las primeras obras de arte italianas que rompe con el estilo bizantino medieval tardío y es famosa por sus innovaciones técnicas y su iconografía humanística .
El dorado y la monumentalidad de la cruz la vinculan con la tradición bizantina. La pose estática de Cristo refleja este estilo, mientras que la obra en general incorpora aspectos más nuevos y naturalistas . La obra presenta una representación realista y físicamente imponente de la pasión en el Calvario . Cristo se muestra casi desnudo: sus ojos están cerrados, su rostro sin vida y derrotado. Su cuerpo se desploma en una posición contorsionada por una agonía prolongada. Una representación gráfica del sufrimiento humano, la pintura es de importancia seminal en la historia del arte y ha influido en pintores desde Miguel Ángel , Caravaggio y Velázquez hasta Francis Bacon . [2]
La obra se encuentra en la Basílica de Santa Croce de Florencia desde finales del siglo XIII y en el Museo dell'Opera Santa Croce desde su restauración tras la inundación del Arno en 1966. [3] Sigue en malas condiciones a pesar de los esfuerzos de conservación .
Los dos crucifijos que sobrevivieron de Cimabue fueron encargados por la orden franciscana . Fundada por San Francisco de Asís , sus visiones reformistas, religiosas y sociales tuvieron un profundo efecto en las artes visuales en el siglo posterior a su muerte. Hijo de un rico comerciante de telas, Francisco abandonó su herencia para dedicarse a la predicación a mediados de sus veinte años. Veneró la pobreza y desarrolló un profundo aprecio por la belleza de la naturaleza. Las representaciones bizantinas tendían a mostrar a Cristo como invencible, incluso en la muerte. Las imágenes basadas en los ideales franciscanos en el siglo XIII generalmente refuerzan su veneración por la simplicidad y el naturalismo, infundiendo las pinturas con los nuevos valores del humanismo. [4] [5]
La iglesia de Santa Croce fue la tercera que los franciscanos construyeron en el lugar. La primera se inició en 1295 y es donde probablemente se colgó el Crucifijo de Cimabue , dado su gran tamaño, sobre el cancel . [6] Posteriormente se ubicó en el crucero norte , en la sacristía y junto a la entrada en el flanco sur. [7]
Cimabue logra un manejo magistral del color; las iglesias medievales tendían a ser extremadamente coloridas, con paredes con frescos , capiteles pintados y pinturas con pan de oro . [8] Predominan las tonalidades pálidas, y el principal contraste se encuentra en las áreas oscuras del cabello y la barba de Cristo, que se utilizan para hacer que los rasgos de su rostro se destaquen más y posicionar su cabeza como el punto focal. [9]
En comparación con obras anteriores de este tipo, el cuerpo de Cristo es más corpóreo físicamente, representado como un objeto real, y su anatomía está más fielmente representada . Sus manos y pies parecen extenderse más allá del espacio pictórico, que está delineado por los bordes planos y coloreados de la cruz [4] , a su vez formada por al menos seis tablas. Tanto su cuerpo como su nimbo semicircular están colocados en ángulos que se elevan hacia afuera y por encima del nivel de la cruz [10] .
Su cuerpo se arquea, obligando a su torso a levantarse contra la cruz. La sangre brota de las heridas de sus manos mientras su cabeza cae hacia un lado por la fatiga y la realidad física de la muerte inminente. [11] Su cuerpo está desnudo excepto por un taparrabos transparente que apenas cubre sus muslos y nalgas. La elección de un taparrabos blanco, similar a un velo, dramáticamente más modesto que la prenda roja en la obra de Arezzo , puede estar influenciada por crucifixiones anteriores de Giunta Pisano . [12] Su desnudez resalta su vulnerabilidad y sufrimiento. Parece influenciada por una Meditación franciscana sobre Cristo del siglo XIII que enfatizaba el patetismo y el interés humano en el sufrimiento de la Pasión: "Aparta tus ojos de Su divinidad por un momento y considéralo puramente como un hombre". [13]
Sus ojos están abiertos y su piel es inmaculada. La cruz está pintada con pintura azul profundo, tal vez evocando un cielo eterno o atemporal. [14] Esta evocación, que no está presente en la figura crucificada principal, se conocía como el Christus triumphans ("Cristo triunfante"), y para el gusto contemporáneo, especialmente el franciscano, carecía de verosimilitud, ya que guardaba poca relación con el sufrimiento real probablemente soportado durante una crucifixión, y distanciaba demasiado el aspecto divino del humano de Cristo. [6] [15] Desde aproximadamente 1240, los pintores favorecieron el estilo del Christus patiens ("Cristo sufriente"): un salvador que compartía la carga y el dolor de la humanidad. El Crucifijo de Santa Croce es uno de los ejemplos más antiguos y más conocidos de este tipo. [16]
La obra supera al crucifijo de Arezzo de Cimabue de alrededor de 1268 en varios aspectos. Es más humano y menos dependiente de tipos faciales idealizados, [13] y la anatomía es más convincente. El rostro de Cristo es más largo y estrecho, y su nariz está menos idealizada. Estos rasgos, según el historiador de arte Robert Gibbs, le dan "una expresión más tosca pero más personal". [12] Un enfoque similar se adopta con el paño del fondo de la propia cruz, que aunque está muy ornamentado, carece de la suntuosa ornamentación del paño equivalente en la cruz de Arezzo. [9]
Su cabeza cuelga exhausta y sus manos sangran por las heridas punzantes sufridas durante su clavado en la cruz. [11] Sus brazos están colocados más arriba de su cabeza y se esfuerzan por soportar el peso de su cuerpo, que se desploma visiblemente. [13] Su cuerpo adquiere una curva dramática, casi femenina, resultado de las contorsiones forzadas a un cuerpo clavado a un soporte vertical. [17]
La pintura contiene elementos típicos de las representaciones de Cristo de Cimabue, incluyendo el ilusionismo de los pliegues de los drapeados, el gran halo, el pelo largo y suelto, los rostros oscuros y angulosos y las expresiones dramáticas. [18] Pero en otros aspectos se ajusta a la estricta iconografía del siglo XIII. Típico de las representaciones del Cristo crucificado de esta época, con sus brazos extendidos es tan ancho como largo, conforme a los ideales prevalecientes de proporciones. [19]
Representaciones de la Virgen y de San Juan Evangelista flanquean a Cristo en pequeños paneles rectangulares a cada extremo de sus brazos extendidos. Ambos son de piel oscura y tienen expresiones agónicas y tristes mientras apoyan sus cabezas sobre sus manos y miran hacia Cristo. En consonancia con la idea franciscana, el dorado que rodea a los santos en duelo se mantiene al mínimo. El tamaño y las posiciones de las figuras se reducen en comparación con la iconografía bizantina habitual [4] para mantener el enfoque exclusivo en la pasión de Cristo. [20]
Sus mantos son más sencillos y carecen del suntuoso dorado de la crucifixión de Arezzo. [9] La Virgen lleva un vestido rojo. Su túnica era originalmente azul, pero se ha oscurecido. [21]
El crucifijo mide 448 cm x 390 cm y consta de cinco componentes físicos básicos: un tablero vertical que va desde la base hasta el cimacio sobre el que está clavado Cristo, dos brazos transversales horizontales y dos piezas verticales que actúan como delantales adyacentes al tablero central. Hay otras ocho piezas menores; en su mayoría terminales, bases o dispositivos de enmarcado. [22] La estructura está reforzada por dos listones verticales de longitud completa . Los brazos transversales horizontales se extienden por todo el ancho de su cuerpo extendido y están ranurados en crestas en los soportes verticales. La madera habría sido cortada y dispuesta por carpinteros antes de que Cimabue aplicara su diseño y pintura. [22]
Sus dimensiones son muy simétricas y proporcionadas, probablemente influenciadas por los ideales geométricos, las proporciones y las reglas de diseño de los antiguos griegos. El equilibrio de las medidas, especialmente entre el ancho y la altura de la cruz, parece derivar de los lados y las diagonales de los cuadrados y los rectángulos dinámicos . [23] Sin embargo, Cimabue no fue rígido en su colocación y, para adaptarse al balanceo del cuerpo de Cristo, alteró la posición de algunas de las tablas de la mitad inferior. [24]
Debido a la falta de documentación superviviente, es difícil atribuir obras no firmadas de la época con algún grado de certeza. El origen del Crucifijo ha sido a menudo cuestionado, pero en general se cree que es de Cimabue basándose en rasgos estilísticos y menciones tanto de Vasari como de Nicolò Albertini . [12] [25] Es relativamente primitivo en comparación con sus obras de la década de 1290 y, por lo tanto, se cree que data de su período temprano. [26] Según Vasari, el éxito del crucifijo condujo a los encargos en Pisa , Toscana , que establecieron su reputación. [25]
Rechazando estos puntos de vista, Joseph Archer Crowe y Giovanni Battista Cavalcaselle en 1903 concluyeron que el crucifijo de Santa Croce "en un examen técnico... se acerca un poco al maestro florentino, pero es más de su tiempo que del maestro mismo". [27]
El crucifijo fue instalado en la iglesia de Santa Croce a finales del siglo XIII. La iglesia se inundó en 1333 y 1557, pero sólo sufrió graves daños por inundaciones en 1966, cuando las orillas del río Arno se desbordaron e inundaron Florencia . Durante el evento, miles de obras de arte resultaron dañadas o destruidas y el crucifijo perdió el 60% de su pintura. En 1966 fue devuelto a la exposición en el Museo dell' Opera, [28] que se encuentra a una altura más baja y más cerca de la línea de flotación que la iglesia de Santa Croce, donde había estado ubicado durante inundaciones anteriores. El nivel del agua alcanzó la altura del halo de Cristo y se llevó grandes extensiones de pintura cuando se retiró. El agua depositó aceite, barro y nafta en el marco de madera, [29] que se hinchó aún más por la inmersión, obligando al panel a expandirse y doblarse, agrietando la pintura. [30]
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Un equipo de restauradores dirigido por los conservadores Umberto Baldini y Ornella Casazza en el "Laboratario del Restauro" de Florencia [29] [31] pasó diez años reaplicando pintura. Utilizando modelos informáticos, trabajaron de forma casi puntillista . Las diminutas motas de pigmento que flotaban alrededor de la pieza fueron recuperadas con alicates por el personal que se sumergió en el agua después de que los torrentes habían disminuido. [29] El marco de madera se había debilitado significativamente y fue necesario separarlo tanto del yeso como del lienzo para evitar que se deformara al secarse la pintura reaplicada. [29] El Crucifijo fue nuevamente exhibido al público en 1976. [11] La restauración fue cubierta por la prensa internacional.
Desde su restauración, la obra ha sido prestada a galerías fuera de Italia; es la primera vez que sale de Florencia desde su creación. Según el crítico Waldemar Januszczak , fue trasladada "por todo el mundo en un curioso estado posterior a la restauración: en parte obra de arte original, en parte obra maestra de la ciencia moderna... un híbrido del siglo XIII y el siglo XX". [32]