El racismo en el cine estadounidense temprano es la representación negativa de grupos raciales, estereotipos raciales e ideales racistas en el cine clásico de Hollywood desde la década de 1910 hasta la de 1960. [1 ]
Desde sus inicios, Hollywood ha estado dominado en gran medida por cineastas y productores masculinos blancos, que atienden a un público predominantemente blanco. [2] Se han utilizado diversas técnicas para representar personajes no blancos, como el blanqueamiento y los estereotipos étnicos . Los temas de supremacía blanca y xenofobia son comunes en estas películas, lo que refleja las actitudes contemporáneas hacia los grupos no blancos y adopta una imagen diferente a medida que cambian las relaciones raciales.
En febrero de 1915 se estrenó la película El nacimiento de una nación de D. W. Griffith . [3] La película mostraba a los miembros del Ku Klux Klan como los salvadores de la nación que habían recuperado un gobierno estable y defendido los valores estadounidenses. La película utilizó actores con la cara pintada de negro para representar a los afroamericanos como salvajes lujuriosos y sin mente, retratándolos como un peligro activo para los estadounidenses blancos para justificar la violencia contra ellos. [4] Después del estreno de la película, la violencia racial contra los afroamericanos aumentó, incluido el resurgimiento del Ku Klux Klan en noviembre del mismo año. [5]
En 1927 se estrenó la película El cantante de jazz de Alan Crosland , [6] considerada la primera película sonora . Uno de los temas centrales fue el uso de la cara pintada de negro por parte del personaje judío Jack Robins. El uso de la cara pintada de negro en la película ha generado controversia, en particular en lo que respecta a su papel en la trama y a su personaje judío.
El académico Corin Willis dijo sobre el uso de la cara pintada de negro en El cantante de jazz :
En contraste con los chistes y las insinuaciones raciales que se hicieron evidentes en su posterior persistencia en el cine sonoro temprano, las imágenes de caras pintadas de negro en El cantante de jazz están en el centro del tema central de la película, una exploración expresiva y artística de la noción de duplicidad e hibridez étnica dentro de la identidad estadounidense. De los más de setenta ejemplos de caras pintadas de negro en el cine sonoro temprano de 1927-53 que he visto (incluidas las nueve apariciones posteriores de Jolson), El cantante de jazz es única en el sentido de que es la única película en la que las caras pintadas de negro son centrales para el desarrollo narrativo y la expresión temática. [7]
Muchos tropos racistas de los pueblos del este de Asia quedaron codificados en las primeras películas de Hollywood.
Charlie Chan (basado en el verdadero Chang Apana ), fue representado como un "asiático bueno", utilizado como antítesis de Fu Manchu , el villano "asiático malo". En 1929, se estrenó la película estadounidense El misterioso Dr. Fu Manchu , protagonizada por Warner Oland como el villano Fu-Manchu. El villano Fu-Manchu incorporó motivos contemporáneos del Peligro Amarillo , un antagonista de los personajes blancos y demostrando poderes de otro mundo para controlar a la protagonista femenina blanca.
The Show of Shows se estrenó el mismo año y presentaba un escenario estereotipado con Nick Lucas y Myrna Loy .
Anna May Wong fue la primera estrella de cine estadounidense de origen chino, y apareció con frecuencia en las películas de Hollywood como personajes secundarios o villanas de la "Dama Dragón" a principios de la década de 1920. Las leyes contra el mestizaje impidieron las relaciones interraciales en pantalla, lo que obligó a Wong a permanecer en papeles estereotipados de " vampira " hasta La hija del dragón en 1931. [8]
Durante la era del cine mudo, los personajes nativos americanos no hablaban mucho; cuando el sonido sincronizado llegó a los cines en los años treinta, la distorsión adquirió una magnitud diferente. Los personajes hablaban un idioma que sonaba extraño y que a menudo no era un idioma nativo genuino, lo que excluía a los nativos de la audiencia y aumentaba la tergiversación de su representación. Sus diálogos en inglés a veces se filmaban hablados al revés y luego se imprimían al revés para que se escuchara un nuevo idioma "indio" artificial. [9]
A lo largo de la década de 1900, se realizaron muchas películas que perpetuaron estereotipos sobre los nativos americanos, en particular, el estereotipo del "noble salvaje". [10]
El estereotipo del indio en desaparición que irradia a través del discurso dominante, que alcanzó su punto máximo a principios del siglo XX, es una construcción estadounidense blanca que sentó las bases para el refuerzo de la imagen del enemigo indio y la eliminación del estereotipo del indio bueno. Aunque el crecimiento demográfico que comenzó en la década de 1930 demostró lo contrario, la cultura occidental y los estereotipos indios se arraigaron profundamente en la conciencia estadounidense hasta el punto de borrar la identidad nativa. [9]
Otro ejemplo sorprendente del mecanismo que hemos analizado anteriormente sería Northwest Passage (1940) de King Vidor, una obra utilizada por la Asociación Nacional de Educación tras la participación de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial para enseñar a los niños la necesidad de luchar por la libertad. La película, que transcurre en 1759, en la época de la guerra franco-india, es un testimonio vívido del momento histórico en el que se produjo. El clima era, en efecto, comparable al de la década de 1910 y la guerra que azotaba Europa probablemente desempeñó un papel importante en la perspectiva nacionalista que muestra la película. Sin embargo, el uso de una película de este tipo como herramienta ideológica educativa implícitamente convirtió a los nativos en una analogía de ser el enemigo. En este contexto, los nativos sólo podían ser representados como antagonistas absolutos. En Imagined Communities (1983), Benedict Anderson muestra que la "nación" no es más que un artefacto cultural que exige una "profunda legitimidad emocional" y establece límites, nuevas fronteras, "más allá de las cuales se encuentran otras naciones". Los nativos, y el arquetipo "salvaje" en particular, se correlacionarían entonces con el enemigo exterior, estando ambos delineados fuera del ámbito de la nacionalidad. [9]
Los efectos de este sesgo también han afectado las representaciones recientes. [11]
Varias películas de Hollywood siguen retratando los destinos asiáticos como lugares subdesarrollados o habitados por personas atrasadas e ignorantes. Un ejemplo de ello es mostrar al elefante como el principal medio de transporte en la India moderna.
En 1921, Paramount Pictures estrenó la película de Rudolph Valentino El jeque . La película en sí fue un éxito de taquilla, pero mostraba a los árabes como bestias salvajes que subastan a sus propias mujeres. La película fue seguida unos años más tarde por El hijo del jeque , que también retrataba connotaciones racistas. Una vez, un periodista del New York Times incluso le preguntó a Rudolph si su personaje adinerado podía o no enamorarse de una salvaje (una mujer árabe). Para crédito de Valentino, respondió diciendo: "La gente no es salvaje porque tenga la piel oscura. La civilización árabe es una de las más antiguas del mundo... los árabes son dignos y de cerebro agudo". [12] [ ¿ Fuente poco fiable? ] En su ensayo "Árabes en Hollywood: una imagen inmerecida", Scott J. Simon sostiene que de todos los grupos étnicos retratados en las películas de Hollywood , "la cultura árabe ha sido la más incomprendida y la que ha recibido los peores estereotipos":
Los papeles de Rodolfo Valentino en El jeque (1921) y El hijo del jeque (1926) prepararon el terreno para la exploración y la representación negativa de los árabes en las películas de Hollywood. Tanto El jeque como El hijo del jeque representaban a personajes árabes como ladrones, charlatanes, asesinos y brutos. [13]
También destacó Un hijo del Sahara (1924) como "el ataque subconsciente más fuerte a la cultura árabe de todas las películas árabes de la década de 1920". [13]
En la década de 1940, personajes como Dudley Dickerson aparecían en las películas de Los Tres Chiflados . Dudley fue elegido por su apariencia de ojos saltones y su representación de los estereotipos de la época. Las opiniones predominantes en Hollywood en ese momento ayudaron a evitar que avanzara en su carrera, pero nunca se quejó de su línea de trabajo y realmente disfrutaba de lo que estaba haciendo. [14] Un corto posterior de Los Tres Chiflados, The Yoke's on Me , mostraba una visión estereotipada del pueblo japonés .
Las películas de la época mostraron que los estereotipos que las generaciones anteriores habían iniciado comenzaron a aumentar. Los estereotipos de Charlie Chan y Fu Manchu comenzaron a ser cada vez más activos en las películas. Republic Movies lanzó una serie de quince episodios, Drums of Fu Manchu , que luego se convirtió en una película. Esto trajo de vuelta el estereotipo de Fu Manchu después de algunos años de inacción en Hollywood. El estereotipo del "Doctor Diablo" estuvo ausente del cine entre 1940 y 1965.
Los estereotipos árabes también se reflejaron en el cine de la época. Entre ellos, se incluían la presencia de bailarinas del vientre y multimillonarios. El estereotipo de la bailarina del vientre apareció por primera vez en el cine en 1897, cuando el kinetoscopio de Thomas Edison mostró a las mujeres bailando. [15] [¿ Fuente poco fiable? ]