La integración de las artes se diferencia de la educación tradicional por la inclusión tanto de la disciplina artística como de una materia tradicional como parte del aprendizaje (por ejemplo, utilizando habilidades de improvisación dramática para aprender sobre el conflicto en la escritura). El objetivo de la integración de las artes es aumentar el conocimiento de un área temática general y, al mismo tiempo, fomentar una mayor comprensión y apreciación de las bellas artes y las artes escénicas. El Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas define la integración de las artes como "un enfoque de la enseñanza en el que los estudiantes construyen y demuestran su comprensión a través de una forma de arte. Los estudiantes participan en un proceso creativo que conecta una forma de arte y otra materia y cumple con los objetivos cambiantes de ambas".
La integración de las artes está relacionada con la educación artística en las escuelas. La educación artística, si bien existía en diferentes formas durante el siglo XIX, ganó popularidad como parte de la teoría de la educación progresiva de John Dewey . La primera publicación que describe una interacción fluida entre las artes y otras materias (integración de las artes) enseñadas en las escuelas estadounidenses fue The Integrated School Art Program (1939) de Leon Winslow. Durante el resto del siglo XX, el papel de la educación artística en las escuelas públicas fluctuó según las inclinaciones políticas y el bienestar financiero del país.
Según Liora Bresler, durante los años 1970 y 1980 surgieron dos defensores de la integración de las artes: Harry Broudy y Elliot Eisner. Broudy defendía las artes sobre la base del fortalecimiento de la imaginación. Broudy consideraba que la imaginación era un componente esencial del aprendizaje que debía cultivarse en las escuelas, y abogó por la integración de la educación estética en todas las materias en su obra Enlightened Cherishing . Eisner siguió a Broudy, citando que las artes eran importantes para diversos tipos de cognición . Creía que las artes generaban una comprensión más profunda del mundo debido a su interactividad: las artes llevan el aprendizaje más allá de lo escrito o leído. [1]
Cassandra B. Whyte destacó la importancia de las experiencias artísticas para que los estudiantes fomenten procesos de pensamiento creativos e independientes que serán importantes a lo largo de la vida de un individuo. Las artes ayudaron a los estudiantes a resolver problemas y tomar decisiones, y esas experiencias de procesamiento podrían adaptarse a situaciones generales de la vida. [2] Whyte abogó por incluir aspectos de la educación artística con experiencias de asesoramiento de identificación de locus de control para ayudar a los estudiantes de educación superior a desarrollar confianza en sus habilidades únicas para resolver problemas en el aula y en la vida. [3]
Anteriormente, la legislación No Child Left Behind describía la educación artística como "esencial para la educación de cada niño" y la incluía como una de las materias básicas. [4] La legislación No Child Left Behind también enfatiza la rendición de cuentas a través de la evaluación (que a menudo toma la forma de una prueba estandarizada). Si bien no se ha exigido una evaluación estandarizada en ninguna de las artes, la necesidad de rendición de cuentas académica en las artes, así como en otras áreas académicas, ha llevado a una mayor investigación y defensa de la integración de las artes y su impacto en el aprendizaje de los estudiantes. [5]
En la actualidad, Common Core y sus adaptaciones están cambiando la forma en que las escuelas abordan el aprendizaje. El enfoque de Common Core para la integración del arte es que mejora la educación al hacer que el aprendizaje sea interesante y divertido. Ahora que Common Core se está convirtiendo en la norma para muchos distritos escolares en los Estados Unidos, los maestros están integrando el arte en el aula ahora más que nunca. El aumento de la popularidad de la integración del arte ha aumentado la cantidad de recursos disponibles para incluir el aula, lo que hace que sea más fácil que nunca utilizar la integración del arte en el aula.
El discurso de defensa de las artes presenta actualmente dos puntos de vista opuestos en apoyo de las artes en la educación. El primero apunta a razones económicas que sostienen que el arte enseña "habilidades del siglo XXI", como la colaboración y la innovación, que son necesarias sólo como medio para generar productividad para el crecimiento del mercado. El segundo enfoque alternativo se centra en cambio en el valor filosófico de la investigación creativa que el arte inculca en los estudiantes, argumentando que el desarrollo permanente sin un fin en mente es un hábito necesario que surge de una educación artística. La tensión entre la visión utilitarista centrada en el lugar de trabajo y el marco educativo centrado en el crecimiento de la defensa continúa dando forma y remodelando el universo de la educación artística a medida que las revisiones de los Estándares Nacionales Básicos de las Artes reflejan fluctuaciones en la retórica de la defensa. [6]
El impulso para la integración de las artes es un creciente cuerpo de investigación que demuestra cómo los estudiantes experimentan el éxito cuando se les enseña por qué y cómo usar la música, las artes visuales, el drama/la danza, el teatro y las artes literarias para expresar y comprender ideas, pensamientos y sentimientos. Critical Links, [7] un compendio publicado por la Arts Education Partnership (AEP [ enlace muerto permanente ] ), incluye 62 estudios que examinan la relación entre el aprendizaje de las artes, el rendimiento académico y el desarrollo social de los estudiantes. [8] Los aspectos más destacados incluyen estudios que exploran el uso del drama para aumentar la comprensión lectora de los estudiantes y estudios que examinan la relación entre la música y los conceptos matemáticos. La Arts Education Partnership también ha publicado The Third Space, [9] que describe diez escuelas integradas en las artes en los Estados Unidos .
Otra organización estadounidense que lleva a cabo investigaciones sobre la integración de las artes es Chicago Arts Partnerships in Education. [10] Ha publicado, a través de Lawrence Erlbaum Associates, Renaissance in the Classroom: Arts Integration and Meaningful Learning. [11] El libro, editado por Gail Burnaford, Ph.D., ex profesora de la Northwestern University y actual profesora de la Florida Atlantic University; Cynthia Weiss, artista docente y ex asociada de CAPE (2000 a 2002); y Arnold Aprill, director fundador y creativo de CAPE, combina las contribuciones de doscientos setenta y dos participantes en las asociaciones de integración de las artes de CAPE. James Catterall, investigador de educación artística y profesor de la Escuela de Posgrado de Educación y Estudios de la Información de la Universidad de California en Los Ángeles , ha colaborado con CAPE en publicaciones.
La Escuela de Posgrado en Educación de la Universidad de Harvard apoya el Proyecto Cero, un grupo de investigación educativa fundado en 1967 por Nelson Goodman, que investiga el aprendizaje en las artes. Entre los antiguos directores del Proyecto Cero se encuentran David Perkins y Howard Gardner . En la actualidad, está dirigido por Steve Seidel, y ha ampliado su investigación en el aprendizaje de las artes para incluir otras ramas de la educación. [12] La teoría de las inteligencias múltiples de Howard Gardner se ha utilizado como parte de la justificación para el uso de modelos de artes integradas en la enseñanza y el aprendizaje.
Durante más de 30 años, el Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas en Washington, DC, ha estado ofreciendo oportunidades de aprendizaje de integración de las artes para educadores. A nivel local, a través de su programa Changing Education Through the Arts (CETA), el Centro Kennedy ofrece aprendizaje profesional para educadores del área de Washington, DC que están implementando la integración de las artes en sus aulas o enseñando sobre una forma de arte. Para desarrollar una cultura de integración de las artes en toda la escuela, una red de escuelas CETA se asocia con el Centro Kennedy para involucrar a sus maestros en un aprendizaje profesional profundo centrado en la integración de las artes. El programa CETA ha contribuido a la investigación sobre el impacto de la integración de las artes en los estudiantes, los maestros y la cultura escolar a través de múltiples estudios de evaluación. Para llegar a los educadores de todo el país, el Centro Kennedy organiza una Conferencia anual sobre integración de las artes, en la que los educadores exploran activamente los conceptos y estrategias de integración de las artes. El recurso en línea del Centro Kennedy, ARTSEDGE, también alberga una serie web de recursos de integración de las artes que explican el "qué" y el "por qué" de la integración de las artes, proporciona ejemplos de integración de las artes en la práctica y enlaces a una variedad de recursos. En todo el país se ofrecen una serie de seminarios del Kennedy Center para artistas docentes que se centran en la integración de las artes, así como prácticas para desarrollar residencias sólidas integradas en las artes para estudiantes y talleres para docentes. Se ofrece un seminario nacional para artistas docentes dos veces al año en el Kennedy Center durante el verano. Otras tres iniciativas nacionales del Kennedy Center respaldan las prácticas y las asociaciones en materia de integración de las artes y educación artística: Any Given Child, Partners in Education y VSA.
El Kennedy Center Partners in Education, con sede en Washington, DC , es una organización que ha promovido la integración de las artes durante más de dos décadas. Si bien el Kennedy Center realiza investigaciones sobre el aprendizaje de las artes, también brinda oportunidades de establecer redes para programas de educación artística en todo el país a través de la Red de la Alianza para la Educación Artística del Kennedy Center (KCAAEN). Esta organización aboga por la educación artística, fomenta la colaboración entre artistas y escuelas para apoyar el aprendizaje de las artes, desarrolla y lleva a cabo desarrollo profesional en educación artística para maestros y reconoce los logros en las artes. [13]
Desde la década de 1980, la Universidad Lesley en Cambridge, Massachusetts, ha estado capacitando a docentes de todo Estados Unidos en la implementación de la integración de las artes a través de un programa de maestría de desarrollo profesional. Un estudio de investigación de 2012, financiado por la Fundación Ford, ha descubierto que los docentes que se gradúan del programa e integran las artes en su enseñanza son más resilientes y siguen comprometidos con su profesión. Sus estudiantes participan en un aprendizaje profundo a través de actividades integradas con las artes, lo que genera un mayor interés en la escuela. [14]
La Facultad de Educación de la Universidad del Sur de Florida Sarasota-Manatee , ubicada en Sarasota, Florida, ha adoptado la integración de las artes en todos sus programas de preparación de educadores, brindando capacitación a maestros, líderes y especialistas que asumen roles educativos en sus carreras. A través de su Centro de Alianzas para la Enseñanza Integrada de las Artes (PAInT)[1], la Facultad lleva a cabo actividades de investigación y servicio que benefician a sus estudiantes y a toda la región. [15] [16] [17] [18]
ArtsNow [2] ofrece capacitación de desarrollo profesional para educadores, enfocada en desarrollar las habilidades necesarias para integrar las artes en todo el currículo. A través del innovador curso de capacitación básica, los maestros aprenden a identificar oportunidades para integrar todas las formas de arte (visual, danza y música) en las lecciones de todas las materias de clase para los grados K-12, cumpliendo con los estándares curriculares estatales y nacionales (incluidos los estándares Common Core). ArtsNow ofrece guías curriculares Ignite gratuitas a través de su sitio web. [19]
EducationCloset [3] ofrece desarrollo profesional en integración de las artes e innovación en la enseñanza. Con una conferencia anual sobre integración de las artes, un plan de estudios de integración de las artes, cursos, seminarios web y publicaciones disponibles, los maestros, artistas, educadores de las artes, administradores y defensores de las artes pueden encontrar recursos rigurosos y de alta calidad para la integración de las artes que se conectan con los estándares estatales básicos comunes y STEM.
Con un enfoque en la práctica de la integración de las artes en el aula, una organización sin fines de lucro llamada Arts Integration Solutions (anteriormente la Fundación Opening Minds through the Arts) [4] ofrece desarrollo profesional para maestros y planificación e implementación de programas para escuelas y distritos escolares. AiS ha desarrollado un conjunto de principios que son la base para la integración de las artes y un ciclo que ayuda a los maestros a desarrollar lecciones diarias de matemáticas, ciencias, lectura y escritura que utilizan las artes para involucrar plenamente a los estudiantes. AiS ha desarrollado una programación para el uso de la integración de las artes en la enseñanza de las materias STEM (ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas) y alfabetización.
Las tres principales habilidades educativas que se consideran las materias “fundamentales” que se deben enseñar a los estudiantes son las matemáticas, la escritura y la comprensión lectora. Muchos consideran que estas importantes áreas son las herramientas para el éxito del rendimiento académico. Una consecuencia de enfatizar predominantemente estas tres áreas de estudio académico es la falta de atención a otras áreas académicas importantes, principalmente las artes. Ver las artes como insignificantes ha tenido un gran impacto en la enseñanza de la creatividad a los estudiantes.
Recientemente, la enseñanza de las artes a los estudiantes se ha considerado menos esencial que la enseñanza de otras materias básicas, en particular por parte de los administradores escolares. Las instituciones educativas están tratando de mantener los estándares federales para recibir fondos gubernamentales. Estos estándares se centran predominantemente en materias como inglés y matemáticas y también se enfatizan mucho durante las pruebas estandarizadas. Si las escuelas pueden mejorar el rendimiento de los estudiantes en estas áreas, no se vuelven vulnerables a una pérdida o reducción de la financiación federal. Robin Pogrebin, del New York Times, afirma: "En una época en la que la política "Ningún niño se queda atrás" del presidente Bush enfatiza los resultados de las pruebas, las artes no se prestan fácilmente a mediciones cuantificables". [20] Por lo tanto, las escuelas están poniendo un gran énfasis en enseñar a los estudiantes a sobresalir en estas áreas de estudio. Esto incluye más tiempo asignado para la instrucción de estas clases, así como una gran parte del presupuesto escolar para mejorar estos cursos.
Aunque una parte considerable del presupuesto educativo se destina a estas importantes áreas de estudio académico, las escuelas están descubriendo que hay menos dinero para lo que algunos considerarían cursos no esenciales, como música y arte de nivel superior. Según la revista académica The Electronic Musician, “el 2 de marzo de 2011, tanto la Cámara de Representantes como el Senado acordaron eliminar una serie de pequeños programas educativos del Departamento de Educación de Estados Unidos, incluida la desfinanciación total del programa Arts in Education, un fondo de 40 millones de dólares que apoya subvenciones competitivas e iniciativas nacionales”. [21] Si bien las pequeñas reducciones de presupuestos son comunes durante una recesión, algunos estados han reducido drásticamente sus presupuestos para las artes. Según el Teaching Artists Journal, “en 2004, la financiación estatal total para las artes caerá a 272 millones de dólares, una disminución del 23% solo en el último año. Y casi dos tercios de esa disminución total proviene de recortes en solo tres de los estados más afectados: California, Michigan y Florida”. [22] Si bien la reducción de la financiación para las artes se ha reducido casi en un cuarto en diferentes áreas, los educadores a menudo luchan por mantener su programa de artes como una habilidad vital para enseñar a los estudiantes. Los fondos que se han reducido ahora no permiten que las artes proporcionen mobiliario y materiales, así como los salarios de los instructores que son esenciales para estos programas. Como resultado, los cursos de arte no se consideran con el mismo respeto y a los estudiantes se les niega una salida creativa dentro de su educación.
Los problemas presupuestarios y la reducción del gasto en las artes han hecho que muchas escuelas intenten encontrar fuentes adicionales para ayudar a financiar sus programas de arte. Los administradores escolares con frecuencia buscan fondos estatales para ayudar a financiar las artes. Las subvenciones y otros medios para financiar las artes son cada vez más frecuentes, pero son soluciones temporales para financiar estos programas. Las escuelas a menudo trabajan con los gobiernos locales y estatales para recibir ingresos; sin embargo, numerosos gobiernos estatales están experimentando otros problemas de déficit presupuestario y rara vez pueden permitirse financiar un programa de este tipo en la cantidad necesaria. Por lo tanto, para ayudar a apoyar las artes, a menudo se necesita la ayuda de contribuyentes privados. Sin embargo, al igual que con las subvenciones, los contribuyentes privados no pueden donar fondos suficientes para apoyar adecuadamente las artes en la educación y no pueden contribuir de manera tan constante como podría hacerlo el gobierno. La financiación de las artes en la educación sigue siendo un problema importante y sin resolver para muchos distritos escolares de todo el país.
La defensa de las artes plantea la cuestión de la importancia que tiene enseñarlas a los estudiantes. Debido al análisis estadístico de la percepción de que los jóvenes tienen menos habilidades matemáticas y de lectura, muchos padres creen que las artes son menos importantes que otras áreas fundamentales del estudio académico. Esto se debe, en parte, al hecho de que se considera que el arte es menos necesario en la fuerza laboral. Sin embargo, muchos defensores sostienen que los estudiantes de arte se destacan en la interpretación y el análisis de la información visual y espacial. Según la Evaluación Nacional del Progreso Educativo, "los educadores han reconocido que las artes son fundamentales para la adquisición de una educación integral. Las artes dan sentido al aprendizaje. Sirven como vehículo para adquirir las habilidades a las que los reformadores educativos han dicho que los estudiantes deben aspirar: resolución de problemas, pensamiento de orden superior, flexibilidad, persistencia y cooperación". [23] Estas habilidades que se adquieren mediante las artes son características realmente necesarias en la fuerza laboral moderna. El énfasis en la importancia de las artes se convierte entonces en algo que beneficia a los estudiantes para sus futuras carreras. Aunque muchos consideran que las artes son inaplicables en la fuerza laboral moderna actual, muchos argumentarían que las artes brindan resultados positivos para los estudiantes que compiten en el competitivo mercado laboral actual.
Un problema que se plantea con frecuencia es que “no todos los profesores son artistas”, es decir, que no hay suficientes profesores capaces de hacer arte para enseñar en todas las aulas. Sin embargo, este no es el caso, ya que cualquier profesor puede convertirse en profesor de arte. Si bien el arte es, en esencia, increíblemente subjetivo, existe una base para cada práctica. En las bellas artes existen los elementos y principios del diseño, la rueda de colores, etc. En la música existe la teoría musical básica. En el teatro, existe la estructura básica de la obra, la teoría de la actuación, etc. El hecho de que un profesor pueda o no hacer estas cosas es irrelevante; si se pueden enseñar, esa información se puede transmitir del profesor al alumno. El objetivo no es crear artistas maestros, sino más bien enseñar habilidades artísticas básicas, procesos y calidad estética, y fomentar técnicas de enseñanza creativas. [24] Esta comprensión básica se puede transmitir luego a los estudiantes, quienes luego aprenden haciendo. Estas habilidades son simples y fáciles de aprender y enseñar, y serán infinitamente útiles para crear planes de lecciones y en la práctica. Una vez que se establece un entorno integrado con las artes, las técnicas, los ejemplos y la información se pueden compartir entre colegas. [25] Pueden discutir los hallazgos y compartir lo que funciona y lo que no funciona dentro del aula.
La financiación y la promoción de las artes siguen siendo los principales problemas a los que se enfrenta actualmente la enseñanza de esta importante área a los estudiantes. Muchos distritos y partidarios se manifiestan a favor de una mayor financiación para garantizar el avance de las artes, pero hay poco dinero para repartir entre los numerosos programas de educación. Muchos temen que se puedan eliminar determinados programas de arte de algunas escuelas debido a estas preocupaciones. Aunque la educación artística se considera una de las materias básicas de la Ley Que Ningún Niño Se Quede Atrás, hay muchos que temen por su futuro.
Las artes suelen percibirse como un pasatiempo, un interés o una ocupación puramente recreativa. En una sociedad en la que todo el sistema educativo se basa en preparar a una futura fuerza laboral, se pone el foco en el campo STEM (ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas) y se descuidan las artes. En una época de inestabilidad económica, los recursos se distribuyen de forma estricta y las artes suelen ser las primeras en sufrir recortes. Sin embargo, las investigaciones sobre los efectos de la educación artística en el aprendizaje y el desarrollo de los niños muestran resultados positivos significativos en los niños expuestos a programas de arte con supervisión de un profesor en comparación con los niños que no están expuestos a la educación artística. Las investigaciones muestran que los niños expuestos a las artes tienen un mejor rendimiento escolar, desarrollan mayores habilidades sociales, cognitivas y emocionales y tienen más probabilidades de obtener títulos de educación más altos en el futuro.
La participación en programas de arte está correlacionada positivamente con un mayor rendimiento académico, incluidos puntajes más altos en el SAT de matemáticas y expresión verbal, en comparación con el desempeño de los estudiantes sin educación artística. [26]
Las investigaciones de la National Educational Longitudinal Survey (NELS;88), un estudio de panel que ha seguido a más de 25.000 estudiantes de escuelas secundarias estadounidenses durante 10 años, muestran resultados significativos sobre los resultados positivos de los niños expuestos a las artes en la escuela bajo la supervisión de un maestro. El estudio examina el período desde el octavo grado hasta el décimo y duodécimo grado y durante toda la escuela secundaria. Además, este estudio, realizado por James Catterall y colegas, que comenzó a mediados de los años 90, hizo un seguimiento de los mismos estudiantes a los 26 años en 2009. [27]
Un estudio exploratorio publicado por la Asociación Nacional de Educación Artística analizó la integración de las artes en el currículo del aula y concluyó que esta integración mejoraba el aprendizaje académico debido a la participación totalmente inmersiva en las artes, que permite a los estudiantes comprender diferentes perspectivas, tomar riesgos de manera segura, expresar sentimientos a través de modos menos restrictivos y establecer paralelismos entre las artes y las áreas temáticas centrales tradicionales. [28]
Un movimiento familiar en las escuelas de hoy es la alineación del currículo con las inteligencias múltiples. La teoría de las inteligencias múltiples (IM) de Howard Gardner (1983), esbozada en su libro Frames of Mind, ha contribuido a la creciente conciencia del valor de las artes en el aprendizaje de los niños y en las escuelas de hoy. Educadores como Thomas Armstrong (1994) y David Lazear (1991), han ayudado a trasladar la teoría de Gardner, que es esencialmente un marco psicológico, al mundo de los maestros de aula. Gardner sugirió que hay al menos siete inteligencias que la mayoría de las personas aportan al aprendizaje. De las siete, dos (lingüística y lógica/matemática) parecen predominar en la mayoría de las aulas, aunque muchos niños tienen inteligencias dominantes en otros dominios. La teoría, con respecto a la escolarización, es que si ampliamos el repertorio de prácticas de enseñanza para incluir más atención a las capacidades de los estudiantes para usar sus inteligencias musical, espacial, intrapersonal, interpersonal y corporal/kinestésica, podemos llegar a más niños. “Aprovechar las fortalezas de los estudiantes a través de sus inteligencias más dominantes los capacita para aprender más plenamente”. [29]
Existe un consenso importante entre los investigadores sobre la educación artística, y es que las artes llegan a estudiantes a los que de otra manera no se llegaría y que las artes llegan a los estudiantes de maneras en las que de otra manera no se llegaría. [30] El fracaso de los estudiantes se explica comúnmente por estudiantes desconectados y por el hecho de que las artes brindan a los estudiantes una razón y una motivación para involucrarse con la escuela y, por lo tanto, evitan que abandonen la escuela. [31] Esta motivación que se encuentra dentro de ellos se puede examinar a través de la forma en que la participación en las artes mejora la autoconciencia, la confianza en uno mismo, la confianza y el empoderamiento. Crear arte es una experiencia personal e involucra los recursos personales del estudiante, lo que implica una mayor participación e inversión en un trabajo sin respuestas correctas o incorrectas. La inversión personal nutre el aprendizaje autodirigido y alienta la experiencia de aprendizaje en sí misma en lugar de aprender como un medio para obtener un puntaje en los exámenes. La confianza, la colaboración y la creatividad que fomenta la educación artística tienen un efecto circular y positivo en el ámbito académico, así como en el compromiso cultural. [26]
Estos cambios se midieron mediante el Inventario de creencias de los indios americanos, que se midió en cuatro grupos expuestos a la cultura de los nativos americanos y en un quinto grupo sin exposición cultural. Los cuatro grupos mostraron una mejoría, mientras que el quinto grupo de control no la mostró. [32]
Los estudios longitudinales han demostrado que los estudiantes que reciben educación artística participan más activamente en la vida cívica. Este efecto sociocultural de la integración de las artes es desproporcionadamente más fuerte en el caso de los estudiantes en riesgo. [33]
Las investigaciones sobre la contribución de las artes al campo cognitivo muestran una gran variedad de desarrollos cognitivos en las habilidades espacio-temporales, las habilidades verbales, la memoria y el razonamiento espacial. Un estudio de Chan et al. con sesenta estudiantes universitarias en los EE. UU. mostró una relación entre la formación musical de las estudiantes antes de los 12 años y su memoria verbal. Las estudiantes con formación musical mostraron una memoria significativamente mejor que las que no tenían formación formal. Un metaanálisis de la Asociación Estadounidense de Psicología mostró además que escuchar música puede resultar en una relajación progresiva y que escuchar música clásica una hora al día aumenta la coherencia cerebral y pasa más tiempo en el estado alfa (estado de relajación consciente que estimula la imaginación, la intuición y una mayor conciencia). [34] Los estudios sobre bebés prematuros también han encontrado que mientras recibían cuidados especiales y estaban expuestos a la música clásica, se desarrollaban física y mentalmente significativamente más rápido que los bebés que no estaban expuestos a la música clásica. Otros estudios también han indicado que la incorporación del arte en la educación académica para niños discapacitados favorecía mejor el desarrollo cognitivo y mejoraba las habilidades de comunicación. [35]
Jessica Davis presenta ocho marcos diferentes para considerar el papel de las artes en la educación. [36] [37] Sus categorías y métodos son los siguientes:
A menudo resulta difícil integrar plenamente las artes con la enseñanza tradicional en el aula de un modo que permita el modelo arte-cultura. Esto se debe en gran medida a la desconexión entre los profesores de arte y los profesores de otras materias, a quienes no se les da el tiempo ni la capacidad para coordinar y entrelazar planes de lecciones que apliquen el arte a las materias básicas y viceversa. [36]
A medida que la tecnología avanza continuamente, la integración de las artes evoluciona para adaptarse a ella. El desafío de integrar las artes en la educación actual, que prioriza la tecnología, no radica en implementar laboratorios de producción en los campus escolares o acceder al software informático más reciente, sino en gestionar de manera eficaz la enorme cantidad de información que la tecnología pone a disposición. Los estudiantes deben aprender a seleccionar datos relevantes, evaluarlos y extraer conclusiones críticas de ellos para dar sentido, responder preguntas o formular otras nuevas. La tecnología también ofrece más canales de expresión, ya sea a través del arte digital o de la inteligencia artificial [38] , que, si se apoyan en la integración de las artes y la tecnología, pueden cultivar esa indagación que promueve la educación artística [39] .
La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO), una agencia especial de la ONU que opera desde París, Francia, aboga por la necesidad de integrar las artes, la cultura y la creatividad en todas las plataformas educativas del mundo. Esta agenda está en línea con la estructura de “Educación de calidad” y “Educación para todos” para apoyar metodologías para promover y proteger la diversidad de manifestaciones culturales. Por ejemplo, la UNESCO en Bangkok tomó la iniciativa de mantener actividades de investigación relacionadas con la educación artística y el intercambio de información junto con estudios de casos entre educadores, artistas y otras partes interesadas en Asia y el Pacífico. El primer congreso internacional sobre educación artística se celebró en Seúl (Corea) en 2006 y el segundo en 2010. [40]
Debido a la actual recesión económica, muchas escuelas en todo el mundo ven recortados sus programas de arte en favor de materias básicas del currículo como inglés, matemáticas y ciencias. A pesar de la falta de posibilidades laborales aparentes y seguras dentro de las artes y una necesidad apremiante de una fuerza laboral fuerte dentro de los campos STEM (ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas), la investigación muestra que la educación artística es crucial en el proceso de aprendizaje y desarrollo de los niños. En 2013, una resolución del Congreso buscó incluir la "A" de Arte en el acrónimo STEM, cambiándolo a STEAM. [41] Los estudios muestran que los niños expuestos a la educación artística durante la infancia hasta la escuela primaria, secundaria y terciaria muestran mejores puntajes en logros académicos, así como un mayor desarrollo social, cultural, emocional y cognitivo. Algunas de las mejoras medidas son una mayor confianza en sí mismos, habilidades comunicativas, conciencia cultural y sensibilidad junto con una mayor creatividad estimulada y un rendimiento académico general.
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