La pintura sobre corteza es una forma de arte aborigen australiano que consiste en pintar sobre el interior de una tira de corteza de árbol . Se trata de una forma de expresión artística que continúa existiendo en la Tierra de Arnhem (especialmente entre los pueblos Yolngu ) y otras regiones del extremo superior de Australia, incluidas partes de la región de Kimberley en Australia Occidental . Tradicionalmente, las pinturas sobre corteza se realizaban con fines instructivos y ceremoniales y eran objetos transitorios. Hoy en día, son muy buscadas por coleccionistas e instituciones de arte público.
Los diseños que se ven en las pinturas auténticas sobre corteza son diseños tradicionales que pertenecen al artista, a su "piel" o a su clan, y no pueden ser pintados por otros artistas. En muchos casos, estos diseños se utilizaban tradicionalmente para pintar el cuerpo en ceremonias o rituales, y también para decorar los troncos utilizados en las ceremonias funerarias. Si bien los diseños en sí son antiguos, el medio de pintarlos sobre un trozo de corteza aplanada es un fenómeno relativamente moderno, aunque hay algunas pruebas de que los artistas pintaban diseños sobre las paredes y los techos de corteza de sus refugios.
Las primeras pinturas en corteza que se conservan datan del siglo XIX, un ejemplo de las cuales es un grabado en corteza de una cacería de canguros que ahora se encuentra en el Museo Británico , que fue recolectado cerca de Boort en el norte de Victoria por el explorador británico John Hunter Kerr . [1] La forma moderna de pinturas en corteza apareció por primera vez en la década de 1930, cuando los misioneros de Yirrkala y Milingimbi pidieron al pueblo yolngu local que produjera pinturas en corteza que pudieran venderse en las ciudades de Nueva Gales del Sur y Victoria . Los motivos de los misioneros eran ganar dinero que ayudaría a pagar la misión y también educar a los australianos blancos sobre la cultura yolngu (Morphy 1991). A medida que el comercio creció y la demanda de pinturas aumentó, se comenzó a pedir a artistas destacados como Narritjin Maymuru que montaran exposiciones.
Sin embargo, no fue hasta la década de 1980 que las pinturas en corteza comenzaron a considerarse bellas artes , en lugar de una interesante artesanía indígena, y alcanzaron precios elevados en los mercados internacionales del arte. Hoy en día, el valor de una buena pintura en corteza depende no solo de la habilidad y la fama del artista, y de la calidad del arte en sí, sino también del grado en que la obra de arte encapsula la cultura al contar una historia tradicional.
Los elementos más básicos para realizar obras de arte con corteza son pintura, pinceles, corteza, fijador y fuego.
El material de elección es la corteza de Eucalyptus tetradonta . La corteza debe estar libre de nudos y otras imperfecciones. Es mejor cortarla del árbol en la estación húmeda, cuando la savia sube. Se hacen dos cortes horizontales y uno vertical en el árbol y se quita la corteza con cuidado con la ayuda de una herramienta afilada. Solo se conserva la corteza lisa interior y se coloca en el fuego. Después de calentarla en el fuego, se aplana la corteza bajo los pies y se le colocan piedras o troncos para que se seque en forma plana. Una vez seca, está lista para pintar.
Se utilizan pigmentos de tierra u ocres de color rojo, amarillo y negro, óxidos minerales de hierro y manganeso y arcilla blanca o carbonato de calcio. Los ocres se pueden fijar con un aglutinante como cola blanca o, previamente, con savia o jugo de plantas como bulbos de orquídeas.
Una vez terminada la pintura, se entablilla la corteza en ambos extremos para mantenerla plana. Se añade un fijador, tradicionalmente jugo de orquídea, por encima.
Las pinturas de corteza se basan en diseños sagrados que incluyen patrones y diseños abstractos (como tramas cruzadas en colores particulares) que identifican a un clan, y también suelen contener elementos del Tiempo del Sueño Eterno. A veces, los elementos de una historia son obvios (como hombres o animales), pero otras veces los elementos son simbólicos. Lo que al turista le parece una serie de líneas onduladas puntuadas por puntos puede en realidad estar contando una compleja historia de Sueño que describe el camino de un espíritu creador y los eventos que sucedieron a lo largo del camino.
A un hombre o una mujer no iniciados sólo se les permite pintar historias externas , el tipo de historias que podrían contarse a un niño. Un hombre iniciado puede pintar una historia interna , que es de conocimiento restringido. Así, un cuadro puede exhibirse en una exposición o ponerse a la venta, pero el artista, aunque tiene derecho a pintar la historia, no tiene derecho a contársela a otra persona. Por otra parte, la historia detrás del cuadro puede ser una que no se le pueda contar a una persona no iniciada. [2] Como los compradores a menudo quieren una historia que acompañe al cuadro, esto coloca al artista en una posición poco envidiable. Por lo tanto, el comprador puede recibir una versión diluida o distorsionada de la historia.
La mayor parte de lo que sigue se basa en Morphy (1991), donde se pueden encontrar muchos más detalles, y se refiere específicamente a las pinturas Yolngu de Yirrkala , aunque los mismos principios generalmente se aplican en otros lugares.
Las personas no indígenas que, como Morphy, han pasado años estudiando el tema, aún tienen una visión ajena y se basan en analogías. La lengua y la cultura Yolngu tienen palabras y conceptos que son desconocidos para las culturas no indígenas, lo que dificulta la comprensión de la forma de arte. La siguiente explicación solo describe los aspectos físicos.
Una pintura de corteza consta de varios componentes, no todos los cuales pueden estar presentes en una pintura individual, y que generalmente se aplican en el siguiente orden:
En todos los casos, la corteza se cubre previamente con una capa de ocre, que suele ser rojo o blanco, ocasionalmente amarillo y rara vez negro.
El borde, si lo hay, suele ser amarillo. Cuando Donald Thomson llegó por primera vez a Yirrkala en 1933, solo las pinturas con motivos de clanes tenían bordes. Hoy en día, se pueden encontrar bordes en cualquier tipo de pintura.
Un cuadro suele estar dividido en varias secciones diferenciadas (o "bloques característicos") mediante una serie de líneas divisorias. Cada bloque característico puede considerarse una composición completa, distinta de los demás bloques característicos. A veces, los distintos bloques característicos representan distintas escenas de una historia, y el cuadro en su conjunto cuenta toda la historia.
Los diseños figurativos se asemejan a un objeto o ser real (o mitológico). Por lo tanto, un diseño figurativo de una zarigüeya “parece” una zarigüeya, en lugar de ser un símbolo abstracto de una zarigüeya, que solo es reconocible para alguien familiarizado con este simbolismo. La mayoría de las pinturas de corteza disponibles comercialmente contienen diseños figurativos reconocibles que a menudo cuentan una historia tradicional. [3]
Los diseños geométricos son símbolos representativos y su significado depende a menudo del contexto y de quién pintó el cuadro. El mismo símbolo también puede tener diferentes significados. Por ejemplo, un círculo puede representar un pozo de agua, un campamento, una estera, una fogata, una nuez, un huevo, un agujero dejado por gusanos, etc., según el contexto. La cultura Yolngu tiene una visión holística del mundo, en la que estos significados pueden no ser tan diferentes después de todo. Morphy da el ejemplo de un círculo y una línea, que a un no iniciado se le dice que representa un "pozo de agua de canguro", y representa un pozo de agua con un arroyo que corre hacia él. En una ceremonia posterior, cuando dice que sabe que es un "pozo de agua de canguro", se le dice "Ese pozo de agua lo hizo el viejo canguro cavando en el suelo con su cola para hacer un pozo de agua, usando su cola como un palo para cavar". Más tarde, se le cuenta una historia aún más compleja que involucra a una canguro hembra. (Véase Morphy para la historia detallada.)
A diferencia de los componentes anteriores de la pintura, los diseños de clan son sagrados y en un principio no aparecían en pinturas públicas, aunque hoy en día se pueden ver en pinturas comerciales. Un diseño de clan puede consistir en una combinación de símbolos, diseños geométricos y tramas cruzadas. Un símbolo de clan, por ejemplo, consiste en una serie de diamantes entrelazados pintados en colores particulares, mientras que otro incluye símbolos de una "bolsa de azúcar" (miel silvestre). Una persona Yolngu puede identificar inmediatamente el clan y la mitad del pintor a partir de ese diseño, que luego también proporciona un contexto adicional para interpretar el simbolismo de los diseños geométricos.
El rayado cruzado, o rarrk , es quizás una de las características más distintivas del arte Yolngu del noreste de Arnhem Land . Se dibujan líneas finas paralelas muy juntas que se cruzan entre sí. Tradicionalmente, se hace sobre corteza, utilizando hierba, aunque los artistas también utilizan la técnica sobre materiales de arte moderno y casi siempre se utilizan pinceles. [4] Los artistas que utilizan la técnica rarrk a menudo mezclan temas o influencias tradicionales, utilizando los colores tradicionales, restringidos al blanco y negro y al ocre rojo y amarillo . [5] Muchos artistas Kunwinjku también emplean rarrk, [6] incluidos John Mawurndjul [7] y Peter Marralwanga . [8]
Un subestilo del rarrk, conocido como arte de rayos X , muestra parte de los órganos internos de los animales en la pintura. [4] [6]
El contenido representado por la pintura suele ser una historia tradicional de sueños o un mapa. A veces serán ambas cosas, porque las historias y canciones ancestrales a menudo hacen referencia a los caminos de los antepasados de la creación a medida que viajan por la tierra (ver líneas de canciones ). Morphy da un ejemplo de una pintura que representa un viaje ancestral particular, pero también muestra dónde se construyó una pista de aterrizaje.
Entre los pintores de corteza más destacados se incluyen:
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