El mundo del arte comprende a todos los que participan en la producción, el encargo, la presentación, la conservación , la promoción, la crónica, la crítica , la compra y la venta de bellas artes . Se reconoce que existen muchos mundos artísticos, definidos ya sea por la ubicación o por definiciones alternativas de bellas artes. Algunos pueden utilizar el término " mundo del arte " para referirse únicamente al nivel de élite de las bellas artes globalizadas. Los mundos del arte cambian continuamente en respuesta tanto a la creatividad de quienes crean arte como en respuesta al cambio social.
Más que un término acuñado en el siglo XX, el mundo del arte se puede encontrar en publicaciones del siglo XIX. [1] El surgimiento de muchos de sus elementos, como galerías, críticos y museos; así como el término bellas artes ( Beaux Arts ) datan del siglo XVIII. [2]
El mundo del arte, como cualquier segmento de la sociedad, se define en términos de convenciones mutuamente entendidas ( normas sociales , roles e instituciones ) que son la base para la actividad cooperativa entre miembros de un grupo que pueden no interactuar directamente. [3] : 46
Howard S. Becker describe el mundo del arte como "la red de personas cuya actividad cooperativa, organizada a través de su conocimiento conjunto de los medios convencionales de hacer las cosas, produce el tipo de obras de arte por las que se distingue ese mundo del arte". Becker admite que esta definición es tautológica, pero resulta útil para entender cómo se producen y se consumen las obras de arte. [3] : xxiv
Sarah Thornton , también socióloga, describe el mundo del arte como "una red suelta de subculturas superpuestas unidas por la creencia en el arte". Se extienden por todo el mundo, pero se agrupan en capitales del arte como Nueva York , Londres , Los Ángeles y Berlín . [4]
Existen varios roles para aquellos que participan activamente en la creación de nuevas obras de arte, pero el modelo sigue siendo el artista solitario o una colaboración cercana. Históricamente, el arte era producido por los miembros de un taller, a menudo un maestro y varios oficiales y aprendices. Los artistas contemporáneos aluden a esta práctica grupal al establecer talleres de estudio o "fábricas", o al hacer que las obras se fabriquen mediante métodos industriales de acuerdo con sus planes y especificaciones. [4] : 183–217 Algunas obras, al ser de escala monumental, no pueden ejecutarse de ninguna otra manera. En la mayoría de estas prácticas grupales, la autenticidad asociada con las bellas artes se mantiene mediante el artista, ya sea haciendo el trabajo esencial, supervisando de cerca a los demás y dando la aprobación final a la pieza terminada al firmarla.
Las obras de arte realizadas por mujeres quedaron en gran medida excluidas de los niveles más altos del mundo del arte hasta el movimiento feminista de la década de 1970. [5]
La socialización primaria de los individuos en el papel de artistas se produce mediante la asistencia a la escuela de arte. [6] : 46 El valor del arte contemporáneo depende de la reputación del artista, que suele comenzar con la obtención de un MFA en un número selecto de programas de escuelas de arte. [4] : 45–46 Algunos artistas autodidactas o ajenos al arte pueden ganar reconocimiento al ser descubiertos por un comerciante, mientras que a otros se les niega la inclusión. [7]
La producción de arte depende de su distribución a otros para brindar apoyo económico a esa producción. En el pasado, esto se hacía mediante patrocinio o encargos de coleccionistas. Los artistas también pueden hacerlo ellos mismos, ya sea mediante ventas directas o mediante esfuerzos cooperativos. El arte contemporáneo se distribuye con mayor frecuencia a través de intermediarios. [3] : 93–107
Un comerciante de arte es el intermediario entre artistas, coleccionistas privados y compradores institucionales. Si bien algunos comerciantes pueden ser consultores que asesoran a clientes individuales, los comerciantes generalmente poseen o administran galerías de arte . Organizar exhibiciones públicas y celebraciones de inauguración se convirtió en parte de la función social del mundo del arte, además de sus funciones de marketing.
La feria internacional de arte, que se realiza normalmente cada dos años, se ha convertido en una fuerza importante en la comercialización del arte contemporáneo. Las ferias de arte comerciales son esencialmente galerías temporales que se benefician de la atracción del interés público y la competencia entre coleccionistas. [8] Una de las más exitosas, Art Basel, se originó en Suiza en la década de 1970, se expandió a Miami en 2000 y Hong Kong en 2010. [9] Art Basel se basó en el modelo de Art Cologne , la primera feria patrocinada por y para galerías comerciales; en contraste con las ferias mundiales patrocinadas por el gobierno que comenzaron en la era victoriana . Una de estas últimas, la Bienal de Venecia fundada en 1895, continúa funcionando como una fundación pública con pabellones nacionales .
La tradición de subastar obras de arte surgió de la dificultad de determinar el precio de objetos raros y únicos. Si bien las estimaciones del valor de mercado se realizan con otros fines, como impuestos, donaciones caritativas y herencias, en los últimos años los precios pagados en subastas han superado dichas estimaciones.
En 1964, el crítico y filósofo Arthur Danto publicó un ensayo en el que definía "El mundo del arte" en términos de teoría artística. Danto escribe: "hoy en día, uno podría no darse cuenta de que se encuentra en terreno artístico sin una teoría artística que se lo indique. Y parte de la razón de esto reside en el hecho de que el terreno se constituye artístico en virtud de las teorías artísticas, de modo que un uso de las teorías, además de ayudarnos a discriminar el arte del resto, consiste en hacer posible el arte". [10] En "La palabra pintada", Tom Wolfe fue más allá al decir que sin una teoría, el espectador no puede ver una obra de arte moderna. La teoría es necesaria debido a la ausencia de significado narrativo en el arte abstracto que alguna vez proporcionó el arte realista. [11] A principios del siglo XXI, Danto afirmó que el arte contemporáneo no habla por sí mismo, sino que tiene significado solo en referencia al discurso del mundo del arte. [12]
Becker, sin embargo, señala que pueden surgir nuevas teorías del arte para explicar la aceptación por parte del mundo del arte de obras que no encajan en las teorías anteriores. Un ejemplo es el fracaso de las teorías de la imitación, en las que el arte se juzgaba únicamente por su representación fiel de la naturaleza, para explicar las obras que utilizaban la forma y el color para expresar emociones, lo que dio lugar al formalismo . [3] : 145–146
Danto ejerció una influencia considerable en la filosofía estética y, especialmente, en la teoría institucional del arte de George Dickie . Dickie define una obra de arte como un artefacto "al que se le ha conferido el estatus de candidato para su apreciación por parte de alguna persona o personas que actúan en nombre de una determinada institución social (el mundo del arte)". [13]
La noción de un mundo artístico singular es problemática, ya que Becker y otros muestran que los mundos artísticos son, en cambio, multiplicidades independientes diseminadas por todo el mundo y que están siempre en cambio: ya no hay un "centro" en el mundo del arte. [3]
El mundo del arte, junto con la definición de bellas artes, está cambiando constantemente a medida que obras de arte previamente excluidas pasan a la " vanguardia " y luego a la cultura dominante. [14]
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