La producción de 1970 de la Royal Shakespeare Company (RSC) de El sueño de una noche de verano fue dirigida por Peter Brook y a menudo se la conoce simplemente como El sueño de Peter Brook . Se estrenó en el Royal Shakespeare Theatre en Stratford-upon-Avon y luego se trasladó al Teatro Aldwych en el West End de Londres en 1971. Se llevó a una gira mundial en 1972-1973. La producción de Brook de El sueño de una noche de verano para la RSC a menudo se describe como una de las producciones de Shakespeare más influyentes del siglo XX , ya que rechazó muchas ideas tradicionales sobre la puesta en escena del drama clásico .
La obra de Shakespeare se desarrolla en Atenas y en un bosque cercano habitado por hadas. El objetivo de Brook era rechazar las tradiciones del siglo XIX de realismo e ilusionismo en el teatro y centrarse en su lugar en ubicar la obra en "el reino elevado de la metáfora ". [1] También quería liberar la obra de la " mala tradición" incrustada para que los actores pudieran sentir que se encontraban con el texto por primera vez. [2]
Como tal, evitó cualquier decorado o utilería realista. En su lugar, el decorado, diseñado por Sally Jacobs , era una simple caja blanca, sin techo y con dos puertas. En Stratford, se colgaron cortinas negras sobre la caja para ocultar la maquinaria del escenario; en la gira, Brook decidió quitarlas, dejando visibles a los tramoyistas y técnicos de iluminación. [3] El propósito de esto era devolver al escenario la simplicidad del teatro isabelino , en el que había poca escenografía y la sensación de ubicación la generaban las palabras del poeta. Sin embargo, este enfoque se mezcló con elementos modernos: los árboles del bosque estaban representados por juguetes slinky gigantes , y la glorieta de Titania era una enorme pluma roja. [4]
La magia de las hadas se representaba mediante trucos de circo . Por ejemplo, las hadas entraban en las barras del trapecio , y la poción de amor que Puck buscaba era un plato giratorio sobre una varilla , que Puck le entregaba a Teseo desde un trapecio a quince pies sobre el escenario. [5] Cuando Bottom se convirtió en un asno , no adquirió la tradicional cabeza de asno, sino la nariz roja de un payaso. [6]
Los trajes no eran atenienses ni renacentistas ingleses, sino una colorida mezcla de elementos de diferentes épocas y lugares. Oberón llevaba un vestido de satén morado. [7] Puck llevaba un mono amarillo del circo chino. [8] Los mecánicos iban vestidos como trabajadores de fábrica del siglo XX. [9] Los jóvenes amantes parecían " hijos de las flores " de los años 60 con camisetas teñidas y vestidos hasta los tobillos. [10]
También hubo elecciones de reparto inusuales. Había sido tradicional que las hadas fueran interpretadas por niños o mujeres, pero Brook eligió hombres adultos en su lugar, un efecto descrito como "desconcertantemente extraño y amenazante", [11] y que hizo del bosque un lugar más aterrador y adulto que en producciones anteriores. [12] Brook también decidió duplicar los papeles de Teseo / Oberón , Hipólita / Titania , Filóstrato/ Puck y Egeo/Membrillo. Esto fue en parte para crear una compañía más pequeña e íntima, pero también para sugerir que las hadas no eran tanto personajes diferentes, sino aspectos diferentes de las personalidades de los personajes humanos, [13] una idea significada cuando Teseo e Hipólita "se convirtieron" en Oberón y Titania simplemente poniéndose túnicas. [14] Brook creía que Teseo e Hipólita no habían logrado lograr "la verdadera unión como pareja" y resolver sus disputas como Oberón y Titania. [15]
La producción enfatizó, a un nivel nunca antes visto, las supuestas corrientes sexuales subyacentes de la historia del enamoramiento de Titania con Bottom después de que él se convierte en un asno . Brook fue influenciado por el estudio de Jan Kott de la obra en Shakespeare Our Contemporary , en el que Kott señala las propiedades fálicas del asno y argumenta que Oberón degrada deliberadamente a Titania al exponerla a esta sexualidad monstruosa. [16] En la puesta en escena de Brook, Bottom entró en el cenador de Titania llevado por las hadas, una de las cuales metió su brazo levantado entre las piernas de Bottom para representar un falo. En un golpe a las puestas en escena más tradicionales, la secuencia fue acompañada por la Marcha nupcial de Mendelssohn , una pieza musical originalmente escrita para ser tocada como un intermezzo entre los actos IV y V, pero que a menudo se usa en producciones más elegantes para la escena final del matrimonio de la obra. [17] A pesar de las perturbadoras corrientes subyacentes de esta visión de la sexualidad, muchos miembros del público encontraron la obra ingeniosa y afectuosa en su tratamiento del sexo, en sintonía con el espíritu de permisividad de los años 1960. [18]
El final de la producción resaltó la idea de comunidad entre el público y los actores. Mientras Oberón pronunciaba sus últimas líneas sobre el amanecer, las luces de la sala se encendieron lentamente, de modo que los espectadores se podían ver entre sí mientras Puck pronunciaba el discurso de cierre de la obra. Al oír la línea "Dame tus manos, si somos amigos", todo el elenco se apresuró a entrar en el auditorio para estrecharle la mano al público, convirtiendo el teatro en una "fiesta de amor". [19]
La producción fue extremadamente popular, tanto en términos de taquilla como de críticas. En la noche del estreno, el público le dio una ovación de pie en el intervalo. [20] La mayoría de los críticos aprobaron la producción. Fue un éxito de taquilla y rápidamente fue reconocida como un hito teatral y el producto de un gran artista: el crítico del Sunday Times la llamó "el tipo de cosa que uno solo ve una vez en la vida, y solo de un hombre de genio". [21]
Hubo detractores, y la crítica más común fue que la producción distraía al espectador de la obra al priorizar la inteligencia de Brook sobre la de Shakespeare; [22] un crítico la calificó de "una exhibición autoindulgente de artimañas de dirección". [23] El historiador de teatro John Russell Brown consideró que la obra estaba limitada por las excéntricas interpretaciones personales de Brook. [24] Sin embargo, incluso aquellos críticos a los que no les gustaron las decisiones de puesta en escena elogiaron la narración en verso por su claridad y frescura. Un estudioso de Shakespeare supuestamente la vio con los ojos cerrados, amando la actuación, pero odiando las imágenes. [25]
El historiador de teatro Gary Jay Williams dice que la producción fue tan influyente que se convirtió en "el punto de referencia para la práctica interpretativa shakespeariana en general durante la década siguiente". [26] Fomentó la exploración de los temas más oscuros y adultos de la obra, que habían sido eclipsados por la tradición de tratarla como una obra para niños. [27] La producción fue tan innovadora y distintiva que casi se convirtió en un problema para los directores, porque "la carga de reinventar la obra ahora recaía sobre cada director". [28] Sin embargo, abrió la puerta a una experimentación mucho mayor, de modo que "veinticinco años después de la puesta en escena de Brook, la diversidad de enfoques es asombrosa de revisar". [29]
El casting cambió un poco durante las presentaciones de la producción en Stratford y Londres y su gira mundial.
El elenco original de Stratford de 1970 fue el siguiente: [30]
Los siguientes cambios se realizaron para la gira de Londres de 1971. [31]
Para la gira de 1973 se realizaron los siguientes cambios: [32]
Músicos 1970 Robin Weatherall, percusión Tony Mcvey, percusión Martin Best , Guitarra
Músicos 1971 Robin Weatherall, percusión Tony Mcvey, percusión Edward Flower, guitarra
Músicos 1973 Robin Weatherall, percusión y trompeta Tony Mcvey, percusión y trombón John Zaradin, guitarra
Programas de la Royal Shakespeare Company 1970, 1971, 1973