La producción de 1970 de la Royal Shakespeare Company (RSC) de El sueño de una noche de verano fue dirigida por Peter Brook y a menudo se la conoce simplemente como El sueño de Peter Brook . Se inauguró en el Royal Shakespeare Theatre de Stratford-upon-Avon y luego se trasladó al Aldwych Theatre del West End de Londres en 1971. Realizó una gira mundial en 1972-1973. La producción de Brook de El sueño de una noche de verano para el RSC se describe a menudo como una de las producciones de Shakespeare más influyentes del siglo XX , ya que rechazó muchas ideas tradicionales sobre la puesta en escena del drama clásico .
La obra de Shakespeare está ambientada en Atenas y en un bosque cercano habitado por hadas. El objetivo de Brook era rechazar las tradiciones de realismo e ilusionismo del siglo XIX en el teatro y, en cambio, centrarse en ubicar la obra en "el reino elevado de la metáfora ". [1] También quería liberar la obra de la " mala tradición" incrustada para que los actores pudieran sentir que se encontraban con el texto por primera vez. [2]
Como tal, evitó cualquier escenario o utilería realista. En cambio, el decorado, diseñado por Sally Jacobs , era una sencilla caja blanca, sin techo y con dos puertas. En Stratford, se colgaron cortinas negras encima del palco para ocultar la maquinaria del escenario; Durante la gira, Brook decidió quitarlos, dejando visibles a los tramoyistas y técnicos de iluminación. [3] El propósito de esto era devolver al escenario la sencillez del teatro isabelino , en el que había poca escenografía y la sensación de ubicación la generaban las palabras del poeta. Sin embargo, este enfoque se mezcló con elementos modernos: los árboles del bosque estaban representados por juguetes furtivos gigantes y la glorieta de Titania era una enorme pluma roja. [4]
La magia de las hadas estaba representada por trucos circenses . Por ejemplo, las hadas entraron en barras de trapecio , y la poción de amor que Puck trae era un plato giratorio sobre una varilla , que Puck le entregó a Teseo desde un trapecio a cinco metros sobre el escenario. [5] Cuando Bottom se convirtió en asno , no adquirió la tradicional cabeza de asno, sino una nariz roja de payaso. [6]
Los trajes no eran atenienses ni renacentistas ingleses. Más bien, eran una colorida mezcla de elementos de diferentes épocas y lugares. Oberón llevaba un vestido de satén morado. [7] Puck vestía un mono amarillo del circo chino. [8] Los mecánicos iban vestidos como trabajadores de una fábrica del siglo XX. [9] Los jóvenes amantes parecían los " niños de las flores " de los años 60 con camisas teñidas y vestidos hasta los tobillos. [10]
También hubo elecciones de casting inusuales. Era tradicional que las hadas fueran interpretadas por niños o mujeres, pero Brook eligió hombres adultos, un efecto descrito como "desconcertantemente extraño y amenazante", [11] y que hizo del bosque un lugar adulto más aterrador que en épocas anteriores. producciones. [12] Brook también decidió duplicar los papeles de Teseo / Oberón , Hipólita / Titania , Filostrate/ Puck y Egeo/Quince. Esto fue en parte para crear una compañía más pequeña e íntima, pero también para sugerir que las hadas no eran tanto personajes diferentes, sino aspectos diferentes de las personalidades de los personajes humanos, [13] una idea que surgió cuando Teseo e Hipólita se 'convirtieron' en Oberón. y Titania simplemente poniéndose una túnica. [14] Brook creía que Teseo e Hipólita no habían logrado lograr "la verdadera unión como pareja" y resolver sus disputas como Oberón y Titania. [15]
La producción enfatizó, a un nivel nunca antes visto, las supuestas corrientes sexuales subyacentes de la historia del enamoramiento de Titania con Bottom después de que se convierte en un asno . Brook fue influenciado por el estudio de Jan Kott de la obra de Shakespeare Our Contemporary , en la que Kott señala las propiedades fálicas del burro y sostiene que Oberón degrada deliberadamente a Titania al exponerla a esta monstruosa sexualidad. [16] En la puesta en escena de Brook, Bottom entró en la glorieta de Titania llevado por las hadas, una de las cuales empujó su brazo levantado entre las piernas de Bottom para representar un falo. En un intento por poner en escena puestas en escena más tradicionales, la secuencia fue acompañada por la Marcha nupcial de Mendelssohn , una pieza musical escrita originalmente para ser interpretada como un intermezzo entre los actos IV y V, pero que a menudo se utiliza en producciones más elegantes para la escena nupcial final de el juego. [17] A pesar de las inquietantes corrientes subyacentes de esta visión de la sexualidad, muchos miembros de la audiencia encontraron la obra ingeniosa y afectuosa en su tratamiento del sexo, en sintonía con el espíritu de permisividad de la década de 1960. [18]
El final de la producción destacó la idea de comunidad entre público y actores. Mientras Oberon decía sus últimas líneas sobre el amanecer, las luces de la casa se elevaron lentamente, de modo que el público era visible entre sí mientras Puck pronunciaba el discurso de cierre de la obra. Tras la frase "Dame tus manos, si somos amigos", todo el elenco entró corriendo al auditorio para estrechar la mano del público, convirtiendo el teatro en un "festival de amor". [19]
La producción fue extremadamente popular, tanto en términos de taquilla como de críticas. La noche del estreno, el público aplaudió en el entretiempo. [20] La mayoría de los críticos aprobaron la producción. Fue un éxito de taquilla y rápidamente fue reconocido como un hito teatral y producto de un gran artista: el crítico del Sunday Times lo llamó "el tipo de cosas que uno sólo ve una vez en la vida, y sólo de la mano de un hombre de genio". [21]
Hubo detractores, y la crítica más común fue que la producción distrajo al espectador de la obra al priorizar la inteligencia de Brook sobre la de Shakespeare; [22] un crítico lo llamó una "muestra autoindulgente de trucos de dirección". [23] El historiador del teatro John Russell Brown consideró que la obra estaba limitada por las excéntricas interpretaciones personales de Brook. [24] Sin embargo, incluso aquellos críticos a quienes no les gustaban las elecciones de puesta en escena elogiaron el discurso en verso por su claridad y frescura. Un estudioso de Shakespeare supuestamente la vio con los ojos cerrados, amando la actuación, pero odiando las imágenes. [25]
El historiador del teatro Gary Jay Williams dice que la producción fue tan influyente que se convirtió en "el punto de referencia para la práctica escénica de Shakespeare en general durante la próxima década". [26] Fomentó la exploración de los temas adultos más oscuros de la obra, que habían sido eclipsados por la tradición de tratarla como una obra de teatro para niños. [27] La producción fue tan innovadora y distintiva que casi se convirtió en un problema para los directores, porque "la carga de reinventar la obra ahora recaía en cada director". [28] Sin embargo, abrió la puerta a una experimentación mucho mayor, de modo que "veinticinco años después de la puesta en escena de Brook, es sorprendente revisar la diversidad de enfoques". [29]
El reparto cambió algo durante las presentaciones de la producción en Stratford y Londres y su gira mundial.
El elenco original de Stratford de 1970 era el siguiente: [30]
Se realizaron los siguientes cambios para la carrera de Londres de 1971. [31]
Se realizaron los siguientes cambios para la gira de 1973: [32]
Músicos 1970 Robin Weatherall, percusión Tony Mcvey, percusión Martin Best , Guitarra
Músicos 1971 Robin Weatherall, percusión Tony Mcvey, percusión Edward Flower, guitarra
Músicos 1973 Robin Weatherall, percusión y trompeta Tony Mcvey, percusión y trombón John Zaradin, guitarra
Programas de la Royal Shakespeare Company 1970, 1971, 1973