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El término escultura clásica (generalmente con "c" minúscula) se refiere en general a la escultura de la Antigua Grecia y la Antigua Roma , así como a las civilizaciones helenizadas y romanizadas bajo su dominio o influencia, desde aproximadamente el 500 a. C. hasta alrededor del 200 d. C. También puede referirse con mayor precisión a un período dentro de la escultura griega antigua desde alrededor del 500 a. C. hasta el inicio del estilo helenístico alrededor del 323 a. C., en este caso generalmente se le da una "C" mayúscula. [1] El término "clásico" también se usa ampliamente para una tendencia estilística en la escultura posterior, no restringida a obras de estilo neoclásico o clásico.
El tema principal de la escultura griega antigua desde sus inicios fue la figura humana, generalmente masculina y desnuda (o casi). Aparte de las cabezas de las esculturas de retratos, los cuerpos estaban muy idealizados pero alcanzaban un grado de naturalismo sin precedentes. Además de las estatuas exentas , el término escultura clásica incorpora el trabajo en relieve (como los famosos mármoles de Elgin del Partenón) y el estilo de bajorrelieve más plano . Mientras que las obras escultóricas enfatizaban la forma humana, los relieves se empleaban para crear elaboradas escenas decorativas.
Aunque la realización de esculturas grandes o monumentales casi cesó en la Alta Edad Media y en el arte bizantino , revivió en gran medida en el Renacimiento italiano cuando se excavaron ejemplos romanos, y la escultura clásica siguió siendo una gran influencia hasta al menos el siglo XIX.
Hay varios periodos:
La forma escultórica más importante del periodo arcaico fue el kouros (plural: kouroi ), el desnudo masculino de pie (véase, por ejemplo, Biton y Kleobis). Como reflejo de la influencia egipcia, el kouros se mantiene erguido con la pierna izquierda ligeramente adelantada y los brazos a los costados. Aunque se han encontrado kouroi en muchos territorios de la antigua Grecia, eran especialmente prominentes en Ática y Beocia. [2] La preponderancia de estos se encontró en los santuarios de Apolo, con más de cien solo en el santuario de Apolo Ptoion, Beocia. [3] Estas esculturas exentas eran típicamente de mármol, pero la forma también se representa en piedra caliza, madera, bronce, marfil y terracota. Por lo general, son de tamaño natural, aunque los primeros ejemplos colosales miden hasta 3 metros de altura.
Los escultores griegos arcaicos parecen haber recibido influencias estilísticas de los egipcios, aunque las divergencias aparecieron desde el principio. En particular, las figuras masculinas de la Grecia arcaica tendían a representarse desnudas, algo poco común durante todos los períodos del arte egipcio antiguo (excepto cuando se representaban esclavos o enemigos). Al igual que en el arte egipcio, los sujetos femeninos siempre se representaban vestidos; la desnudez femenina no aparecería hasta mucho más tarde. Los labios fruncidos y ligeramente levantados y la mirada vacía identificados como la "sonrisa arcaica" aparecen en muchas obras definitorias del período arcaico.
En este período, el énfasis posterior en la anatomía naturalista de los huesos y los músculos aún no se había desarrollado, lo que se puede ver al observar detalles como las rodillas y otras articulaciones críticas. Algunos detalles parecen estar "incisos" en lugar de modelados por completo, una reliquia de tradiciones más antiguas. A medida que el estilo arcaico se transformaba gradualmente en lo que se conoce como estilo clásico, se puede detectar una clara progresión que muestra cada vez más conocimientos y habilidades técnicas.
El período clásico fue testigo de cambios tanto en el estilo como en la función de la escultura. Las poses se volvieron más naturalistas (véase el Auriga de Delfos como ejemplo de la transición a una escultura más naturalista) y la habilidad técnica de los escultores griegos para representar la forma humana en una variedad de poses aumentó enormemente. A partir del año 500 a. C., aproximadamente, las estatuas comenzaron a representar personas reales. Las estatuas de Harmodio y Aristogitón se erigieron en Atenas para celebrar el asesinato del último tirano pisistrátido , Hiparco . Se decía que eran los primeros monumentos públicos en representar personas reales.
Cuando los artistas griegos comenzaron a estudiar el movimiento y la anatomía humana, descubrieron que los humanos vivos tienden a mostrar un "cambio de peso" o contraposición cuando están de pie.
La primera estatua griega que exhibe contrapposto es el famoso Niño Critios, que data de alrededor del 480 a. C. El contrapposto pronto se convirtió en un elemento definitorio de la técnica escultórica griega, y culminó en el Canon de Policleto. El Canon es una obra teórica que analiza las proporciones matemáticas ideales para las partes del cuerpo humano y propone para la escultura de la figura humana un contrapeso dinámico, entre las partes del cuerpo relajadas y tensas y entre las direcciones en las que se mueven las partes. Policleto intentó demostrar la precisión de sus cálculos implementando sus reglas en una estatua titulada simplemente: El Canon. [4] Aunque la estatua en sí se perdió en la historia, sus principios se manifiestan en el Doríforo ("portador de la lanza"), que adoptó un contrapposto extremadamente dinámico y sofisticado en su equilibrio cruzado de miembros rígidos y sueltos.
Los templos griegos se construyeron especialmente para albergar grandes estatuas de culto. Creían que colocar santuarios alrededor de las zonas que se consideraban sagradas agradaría a los dioses. Durante el período clásico, los escultores no solo creaban obras para los templos, sino también estatuas mortuorias para mostrar homenaje a los seres queridos fallecidos. Las esculturas solían mostrar a la persona fallecida en una pose relajada. Los deportistas de éxito y las familias ricas encargaban estatuas de ellos mismos para los templos como muestra de respeto a los dioses. En el siglo V a. C., los retratos se hicieron populares y aparecieron bustos de generales, filósofos y líderes políticos.
La alta calidad de las obras griegas atrajo el interés italiano e influyó en gran medida en el arte etrusco y, más tarde, en el romano. El entusiasmo con el que Roma recibió el arte griego ha resultado importante no sólo por la transmisión del estilo griego clásico, sino también porque la mayoría de las obras griegas clásicas existentes sobreviven principalmente en forma de copias romanas en mármol de originales griegos en bronce. Como el bronce siempre ha sido un metal valioso, es probable que la mayoría de los originales se fundieran hace mucho tiempo y las pocas supervivencias genuinas se han encontrado principalmente en el contexto de naufragios.
Sin embargo, los griegos sí tallaban mármol y han sobrevivido varios mármoles griegos clásicos; los famosos mármoles del Partenón (también conocidos como mármoles de Elgin) perduraron in situ hasta principios del siglo XIX. De hecho, muchos de los mármoles griegos clásicos que sobrevivieron proceden de un contexto arquitectónico.
La transición del periodo clásico al helenístico se produjo durante el siglo IV a. C. La escultura se volvió cada vez más naturalista. La gente común, las mujeres, los niños, los animales y las escenas domésticas se convirtieron en temas aceptables para la escultura, que era encargada por familias adineradas para el adorno de sus casas y jardines. Se produjeron retratos realistas de hombres y mujeres de todas las edades, y los escultores ya no se sintieron obligados a representar a las personas como ideales de belleza o perfección física. La mayoría de los hombres griegos fueron esculpidos de pie con las caderas ligeramente hacia un lado. Cuando los seres humanos están de pie de esta manera, se utilizan más los músculos.
El estudio de la escultura romana se complica por su relación con la escultura griega . Muchos ejemplos de las esculturas griegas más famosas, como el Apolo de Belvedere y el Fauno de Barberini , se conocen solo a partir de "copias" romanas imperiales o helenísticas . En un momento dado, los historiadores del arte consideraron que esta imitación indicaba una estrechez de la imaginación artística romana, pero, a finales del siglo XX, el arte romano comenzó a ser reevaluado en sus propios términos: algunas impresiones sobre la naturaleza de la escultura griega pueden, de hecho, estar basadas en el arte romano.
Los puntos fuertes de la escultura romana son el retrato, donde se preocupaban menos por el ideal que los griegos o los antiguos egipcios, y produjeron obras muy llenas de carácter, y las escenas narrativas en relieve. Se conservan abundantes ejemplos de escultura romana, en total contraste con la pintura romana, que se practicaba muy ampliamente pero que se ha perdido casi en su totalidad. Los autores latinos y algunos griegos , en particular Plinio el Viejo en el Libro 34 de su Historia Natural , describen estatuas, y algunas de estas descripciones coinciden con las obras existentes. Si bien una gran parte de la escultura romana, especialmente en piedra, sobrevive más o menos intacta, a menudo está dañada o fragmentada; las estatuas de bronce de tamaño natural son mucho más raras, ya que la mayoría han sido recicladas por su metal. [5]
La mayoría de las estatuas eran en realidad mucho más realistas y a menudo de colores brillantes cuando se crearon originalmente; las superficies de piedra cruda que encontramos hoy se deben a que el pigmento se perdió a lo largo de los siglos. [6]
El retrato es un género dominante en la escultura romana, que surgió quizás del énfasis tradicional romano en la familia y los antepasados; el vestíbulo de entrada ( atrio ) de una casa de la élite romana mostraba bustos de retratos ancestrales . Durante la República romana , se consideraba un signo de carácter no pasar por alto las imperfecciones físicas y representar a los hombres en particular como rudos y despreocupados por la vanidad: el retrato era un mapa de la experiencia. Durante la era imperial, las estatuas más idealizadas de los emperadores romanos se volvieron omnipresentes, particularmente en relación con la religión estatal de Roma . Las lápidas incluso de la clase media modestamente rica a veces exhiben retratos de los difuntos, por lo demás desconocidos, tallados en relieve .
Las estatuas y bajorrelieves antiguos sobreviven mostrando la superficie desnuda del material del que están hechos, y la gente generalmente asocia el arte clásico con la escultura de mármol blanco. Pero hay evidencia de que muchas estatuas fueron pintadas en colores brillantes. [7] La mayor parte del color se erosionó con el tiempo. También se eliminaron pequeños restos durante la limpieza. Sin embargo, en algunos casos quedaron pequeños rastros que pudieron identificarse. [7] [8] Una exposición itinerante de 20 réplicas en color de obras griegas y romanas, junto con 35 estatuas y relieves originales, se realizó en Europa y los Estados Unidos durante 2007-2008, Gods in Color: Painted Sculpture of Classical Antiquity . [9] No se conocen detalles como si la pintura se aplicó en una o dos capas, cuán finamente se molieron los pigmentos o exactamente qué medio aglutinante se habría utilizado en cada caso, todos elementos que afectarían la apariencia de una pieza terminada.
La escultura grecorromana ejerció una profunda influencia en el arte occidental. Con ella, el estilo grecorromano estableció la posibilidad y el potencial del realismo en el arte. Debido a la relativa durabilidad de la escultura, ha logrado sobrevivir y seguir influyendo e informando a artistas de diversas culturas y épocas, desde Europa hasta Asia y, hoy en día, en todo el mundo.
Aunque el arte clásico fue cayendo en desuso en Europa tras la caída del Imperio Romano de Occidente, su redescubrimiento durante el Renacimiento italiano temprano resultó decisivo. Uno de los escultores más importantes del resurgimiento clásico fue Donatello . Muchos otros escultores, como Miguel Ángel, también realizaron obras que pueden considerarse clásicas. El clasicismo moderno contrastaba en muchos aspectos con la escultura clásica del siglo XIX, que se caracterizaba por sus compromisos con el naturalismo ( Antoine-Louis Barye ), el sentimentalismo melodramático ( François Rude ) ( Jean-Baptiste Carpeaux ) o una especie de grandiosidad majestuosa ( Lord Leighton ). A medida que avanzaba el siglo, se tomaron varias direcciones diferentes en la tradición clásica, pero el estudio del modelo vivo y la tradición posrenacentista seguían siendo fundamentales para ellas.
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