Bailey Doogan (24 de octubre de 1941 - 4 de julio de 2022) fue una artista estadounidense conocida por sus pinturas y dibujos feministas a gran escala que ofrecen una mirada inquebrantable al cuerpo femenino envejecido y que abordan cuestiones culturales como la ecuación de la belleza con la juventud. [1] [2] Las obras de arte de Doogan han sido reseñadas en numerosas publicaciones, incluidas Art in America , The Nation , Art Journal , Ms. , ARTnews y New Art Examiner . Su trabajo también ha sido reproducido en Harper's Magazine . [3]
Bailey Doogan nació como Margaret Mary Bailey el 24 de octubre de 1941 en Filadelfia. Era hija de William Mary Rowe y Edward William Bailey. Su padre era lechero y su madre trabajaba como camarera y dependienta. [4] Doogan creció en un mundo completamente católico y dijo que haber crecido como católica, trabajar como diseñadora gráfica en el mundo de la publicidad (su primera carrera) y la combinación del feminismo y el movimiento artístico de mujeres fueron las tres influencias principales en su vida. [5]
Doogan fue la primera persona de su familia en asistir a la universidad, a pesar de las objeciones de su padre. Asistió al Moore College of Art and Design en Filadelfia con una beca. Aunque Moore College tenía un programa de bellas artes, Doogan siguió una carrera más práctica y obtuvo una licenciatura en ilustración, lo que la llevó a su primera carrera en publicidad. En 1977, durante un año sabático de su puesto de profesora en la Universidad de Arizona (su segunda carrera), Doogan obtuvo una maestría en cine de animación de la Universidad de California en Los Ángeles . [6]
Después de completar su licenciatura, Doogan se mudó a Nueva York y se unió a la firma de diseño gráfico DeMartin Marona and Associates, donde rediseñó el conocido ícono Morton Salt Girl en 1968. [7] En su ensayo "Logo Girls", Doogan contó la historia de presentar múltiples diseños de "Mortie" (como se conocía al ícono en su oficina de diseño) a la junta directiva de Morton, quienes rechazaron todas las primeras versiones, diciendo cosas como: "¡Parece una sabelotodo!" "¡Parece fácil!" "¡No tiene suficiente pierna!" [8] La versión final de Doogan de la niña que lleva un paraguas y una caja de sal goteando se usó hasta 2014, cuando se realizaron algunos cambios (se cambió la fuente tipográfica y se simplificó parte del trabajo de línea) para actualizar la imagen para el centenario de Morton Salt. [9] Treinta años después, la experiencia de Doogan con Morton Salt se convirtió en la inspiración para su pastel de tamaño natural "Pour It On". [10]
A pesar de sus diseños premiados y sus éxitos en el mundo de la publicidad, cuando Doogan descubrió que los hombres que trabajaban para ella como diseñadora principal ganaban más dinero que ella, Doogan dejó la empresa de diseño gráfico a pesar de que le ofrecieron un aumento. Se mudó a Tucson, Arizona , en 1969 para enseñar diseño gráfico en la Universidad de Arizona. Un matrimonio de un año con Ed Doogan, el nacimiento de su hija Moira y su mudanza a Rancho Linda Vista, una comunidad de artistas al norte de Tucson en Oracle, transformaron su vida personal. [11] [12] En Tucson, Doogan comenzó a cambiar de la ilustración a la pintura y el dibujo. Después de su matrimonio, comenzó a usar el nombre "Margaret Bailey Doogan" personal y profesionalmente. Más tarde encontró el nombre engorroso y lo redujo a "Bailey Doogan" para sus obras de arte, aunque sus amigos y familiares siempre usaban "Peggy". [13]
Doogan enseñó en la Universidad de Arizona hasta 1999. De 1982 a 1999, fue profesora de diseño, pintura y dibujo en el departamento de arte de la universidad. Desde 1999 hasta su muerte, fue profesora emérita de pintura y dibujo de la Universidad de Arizona. Durante su carrera académica, también se desempeñó como artista visitante en más de 30 instituciones de arte. [14] Doogan murió en Tucson, Arizona, el 4 de julio de 2022, a la edad de 80 años. [15]
Doogan llegó a abordar los problemas de las mujeres y el envejecimiento en la sociedad estadounidense por un camino que la llevó a través de diferentes medios y temas diferentes, pero relacionados. La tesis para su título de maestría de 1977 es una película animada llamada Screw: A Technical Love Poem , que compara el lenguaje del amor con piezas de hardware. La película lleva el nombre de un poema de Diane Wakowski y utiliza la lectura del poema por parte de Wakowski para su audio. [16] Aunque Screw es la única película animada de Doogan, se mostró en todo el mundo en festivales de cine tan lejanos como Australia, Suiza y Venecia (en la Bienal de Venecia de 1979 ). [17] Sheldon Reich señala el uso de múltiples paneles, la adición de palabras y la creciente audacia de los colores de Doogan en sus primeras pinturas como una consecuencia de su trabajo en el cine. [18]
A principios de los años 1980, Doogan realizó varias series que incluían múltiples retratos en pasteles, pasteles al óleo y técnicas mixtas. Para "Articulate", Doogan viajó por los Estados Unidos entrevistando y grabando a mujeres destacadas del mundo del arte (artistas, críticas y administradoras de museos). Ese trabajo culminó en el Museo de Arte de la Universidad de Arizona con una instalación en toda la galería de retratos de las mujeres en técnicas mixtas de tamaño mayor al natural. La galería, poco iluminada, incluía altavoces montados en postes junto a las obras de arte. Cada altavoz reproducía una versión editada de la grabación de audio de la entrevista de Doogan con la mujer del retrato. El resultado fue un zumbido de voces de mujeres superpuestas que hablaban de sus experiencias y pensamientos sobre las mujeres en el mundo del arte. [19]
Para su serie Punch and Judy de 1984 , Doogan creó pinturas al óleo en dípticos y trípticos, grabados e incluso una pintura con un escenario de marionetas en proscenio en 3-D. Como dijo Doogan, Punch es el antihéroe original que mata a todos, incluso a su esposa e hijo, usando su "bufonada", el origen del término " humor de bufonada ". [20] Sin embargo, está claro que la violencia está en el centro de las imágenes de Punch y Judy de Doogan como su tríptico de 1984 Punch reflexiona sobre su papel y se pregunta si "malo" sigue siendo encantador; por otro lado, Judy mantiene su sentido del humor. En la imagen, una maltratada Judy yace desnuda en el suelo agitando la sombra de su mano, y Héctor, el caballo, está exhalando su último aliento. [21] [22] La propia artista reveló un sentido de ironía en la imagen, ya que las palabras “Left For Dead” están rayadas en la superficie y acompañadas de una flecha que apunta hacia la izquierda. Doogan vendió todas las obras de su serie Punch and Judy, y atribuyó su popularidad a la forma en que la estilización (la representación caricaturesca y los colores brillantes) mitiga la violencia de la historia del “pícaro encantador”. [23] Reich caracteriza su obra temprana con sus colores brillantes y abstracción como expresionista. [24] Aunque el estilo de Doogan cambia radicalmente, su uso de múltiples paneles y lenguaje, así como su interés en la percepción de la sociedad sobre las mujeres y las relaciones hombre/mujer, se trasladan a su obra posterior.
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Según Doogan, su obra de carboncillos de gran tamaño comenzó en 1988 como respuesta a la historia de una de sus estudiantes sobre una discusión que tuvo con un grupo de amigos hombres que dijeron que Doogan no era una buena artista sino que era "una perra enojada que envejece". En lugar de enojarse por tener su trabajo juzgado en función de su disposición, edad y sexo en lugar de su habilidad artística, Doogan creó RIB (Angry Aging Bitch ), una gran pieza de tres paneles (con una dimensión total de 72" x 150") con tres autorretratos desnudos de tamaño natural. [25] Los paneles están rematados con las palabras "Angry Aging Bitch" y las letras RIB están resaltadas en rojo en una referencia bíblica a la creación de Eva a partir de la costilla de Adán. [26] Las mujeres están todas de pie y sus cuerpos están representados con las arrugas y la carne flácida de la mediana edad. Doogan desarrolló una técnica en "RIB" que continuó usando para sus dibujos al carboncillo. Cubrió el papel con múltiples capas de yeso y luego frotó carbón sobre el yeso. En un proceso sustractivo, "dibujó" sobre la superficie del carbón lijando la oscuridad y resaltando los tonos más claros con el papel de lija. [27] [28] Los dibujos al carbón de Doogan han sido comparados con pinturas y fotografías fotorrealistas como resultado de su perspicacia técnica y sutilezas tonales. [29] Sin embargo, el realismo de muchas de las figuras de Doogan se destaca por el contraste entre las figuras y los fondos sutilmente borrosos que se crean mediante el uso de Doogan de sfumato (en italiano, humo), una técnica que se desarrolló en el Renacimiento italiano y es más conocida por su uso en la Mona Lisa de Leonardo da Vinci . [30] La obra LILY (Lie/Lay) de Doogan de 1989 ilustra el realismo de los detalles que Doogan logra en la piel de la mujer mediante la técnica de lija sobre carbón combinada con un fondo suavizado característico del sfumato. Sin embargo, en LILY (Lie/Lay), el fondo borroso se rompe con una pequeña representación de otra mujer reclinada. La pieza también utiliza palabras y juega con el lenguaje, específicamente con la gramática, características distintivas de la obra de Doogan.
Mientras Doogan trabajaba en sus dibujos a carboncillo a gran escala, también ejecutaba y exhibía pinturas al óleo, a menudo a escala natural y en una presentación de varios paneles. Para crear sus pinturas al óleo realistas del cuerpo con todos sus detalles envejecidos, Doogan utilizó empasto , una técnica en la que la pintura se aplica espesamente y se acumula en capas, a veces con una espátula en lugar de un pincel. El resultado es una calidad tridimensional que le permitió a Doogan imitar el cuerpo envejecido en todos sus detalles: arrugas, moretones, venas varicosas y piel flácida. Sin embargo, Doogan también agregó veladuras a su pintura, lo que crea una luminosidad que anima las figuras. [31] En su pintura al óleo de 1992 Mea Corpa , la combinación de empasto y veladuras de Doogan crea una mujer que Margaret Regan describe como "gloriosa en su carne; sus músculos y venas son visibles debajo de su piel casi transparente, pintada en una serie de capas delgadas y luminosas". [32] La obra también refleja la formación católica de Doogan. La postura de la figura femenina, que se basó en una amiga de Doogan que desarrolló distrofia muscular, se asemeja a Cristo resucitado. El nombre de la pintura Mea Corpa es una feminización de la frase latina de la misa católica “corpus meus” (la forma masculina de “mi cuerpo”). El título también hace referencia a otra frase de la misa católica: mea culpa (en latín, “mi culpa”). [33]
Las obras de arte de Doogan han sido comparadas repetidamente con algunos de los pintores más hábiles de la tradición occidental, incluidos Rembrandt y Thomas Eakins . [34] [35] [36] Como dice Deborah Sussman Susser en Art in America , "En sus magistrales e inquietantes pinturas al óleo y estudios al carbón de tamaño mayor que la vida, Doogan aborda el cuerpo con un espíritu de descubrimiento y una destreza técnica que recuerda a maestros del siglo XIX como Thomas Eakins". [37] Aunque las pinturas al óleo figurativas de Doogan están representadas de manera realista, hay una calidad tan emotiva en los rostros y los gestos que May Stevens ha llamado a Doogan una "artista realista/feminista/expresionista/orientada al lenguaje". [38]
Para los antiguos griegos y los artistas occidentales que han seguido su tradición, el “ desnudo ” como género representa las formas femeninas y masculinas como objetos idealizados de belleza que están divorciados de las realidades de los cuerpos físicos. Sin embargo, como escribe Stevens, “sus cuerpos [los de Doogan] nunca son desnudos. Siempre están desnudos”. [39] En lugar de trabajar en la tradición clásica, la visión de Doogan del cuerpo femenino se desarrolló a partir del movimiento de artistas feministas de la década de 1970 que buscaban crear una visión de los cuerpos de las mujeres que estuviera investido de sus propias experiencias en lugar de la mirada masculina. [40] Como consecuencia, Doogan no veía los signos físicos de la edad revelados en el cuerpo desnudo como imperfecciones porque, como ella misma dijo, “para mí, la piel es hermosa porque es un diario luminoso de experiencias”. [41] “La ternura de Doogan por nuestros cuerpos envejecidos es casi única en el arte”, según Lucy Lippard , y agrega: “Su feroz devoción por el cuerpo humano solo puede abrirnos los ojos a su drama. Ella ve nuestras almas a través de nuestros cuerpos”. [42]
No todo el mundo ha aceptado la visión de Doogan ni sus obras de arte. Algunas de sus obras han provocado ira y controversia, incluso en el mundo del arte. Como consecuencia, Doogan fue censurada muchas veces de diversas maneras, incluyendo la retirada de obras individuales de una exposición, la rescisión de una compra de un museo cuando la junta directiva del museo vio la obra de arte, la cancelación de una exposición y el arrancó un cuadro de una pared por un curador. [43] [44] [45] La razón, según la historiadora de arte Mary D. Garrard , es que existe un tabú en la sociedad occidental contra la representación de los cuerpos de mujeres mayores porque tales imágenes van en contra de las normas culturales que presentan la belleza en términos de juventud. Garrard dice: "Lo que [tal censura] nos dice es que las imágenes de mujeres mayores o 'feas' simplemente no son aceptables para muchos en nuestra sociedad. Hay un mandato en juego, y Doogan está dispuesta a desafiarlo. Esto por sí solo haría que su trabajo profundamente feminista fuera importante". [46]
La información sobre las exposiciones individuales de 1973 a 2005 se extrae de Bailey Doogan: Selected Works 1971–2005 . [47] La información sobre las exposiciones más recientes se cita individualmente.
La información sobre las exposiciones colectivas de 1977 a 2005 se extrae del catálogo Bailey Doogan: Selected Works 1971–2005 . [50] La información sobre las exposiciones más recientes se cita individualmente.
La película animada de Doogan SCREW: A Technical Love Poem ganó un premio Cinema Guild del Festival de Cine de Ann Arbor y se mostró en todo el mundo: [58]
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