Papunya Tula , registrada como Papunya Tula Artists Pty Ltd , es una cooperativa de artistas formada en 1972 en Papunya , Territorio del Norte , propiedad y operada por aborígenes del desierto occidental de Australia. El grupo es conocido por su trabajo innovador con el Movimiento Artístico del Desierto Occidental , conocido popularmente como pintura de puntos . Atribuido a haber llevado el arte aborigen contemporáneo a la atención mundial, sus artistas inspiraron a muchos otros artistas aborígenes australianos y sus estilos.
La compañía opera actualmente desde Alice Springs y sus artistas provienen de una amplia zona que se extiende hasta Australia Occidental , 700 kilómetros (430 millas) al oeste de Alice Springs.
A finales de la década de 1960, el Gobierno australiano trasladó a varios grupos diferentes que vivían en la región del desierto occidental a Papunya , a 240 km (150 mi) al noroeste de Alice Springs , en el Territorio del Norte, para sacarlos de las tierras ganaderas y asimilarlos a la cultura occidental . Estos grupos desplazados eran principalmente los grupos pintupi , luritja , walpiri , arrernte y anmatyerre .
En 1971, Geoffrey Bardon , el maestro de la escuela de la comunidad, animó a los niños a pintar un mural utilizando el estilo tradicional del arte ceremonial del cuerpo y la arena . [1] Este estilo de pintura se utilizaba con fines espirituales , por lo que tenía protocolos estrictos para su uso. Muchos símbolos representaban tótems personales y Sueños , y otros historias de creación del Tiempo del Sueño más generales . Cuando algunos de los hombres mayores vieron lo que estaban haciendo los niños, sintieron que el tema era más adecuado para los adultos. Comenzaron a crear un mural que representaba el Sueño de la Hormiga de Miel . Tradicionalmente, Papunya es el epicentro del Sueño de la Hormiga de Miel, donde convergen las líneas de canciones . Los administradores europeo-australianos de Papunya pintaron más tarde sobre los murales, lo que la curadora Judith Ryan llamó "un acto de vandalismo cultural", señalando que "[l]a escuela fue desaborigenizada y el arte ya no se le permitió permanecer erguido y desafiante como el símbolo de un pueblo resistente e indomable". [2] Aunque visible, el mural resultó muy influyente, y llevó a otros hombres a crear pinturas más pequeñas de sus Jukurrpa (historias ancestrales) en cualquier superficie disponible, incluidos trozos de masonita vieja , capós de automóviles, latas y cajas de cerillas. Esta explosión de actividad artística se considera generalmente como el origen del arte indígena australiano contemporáneo . [3] [4]
El colectivo, formado originalmente en su totalidad por hombres aborígenes australianos, se formó en 1972. Su nombre, tula, deriva de una pequeña colina cerca de Papunya, un lugar de Honey Ant Dreaming. Algunas mujeres, en particular Pansy Napangardi , comenzaron a pintar para la compañía a fines de la década de 1980. No fue hasta 1994 que las mujeres comenzaron a participar en general. [ cita requerida ]
Aunque los artistas del colectivo utilizaban un estilo de pintura tradicional en la arena y para adornar el cuerpo en las ceremonias, la mayoría de ellos nunca antes habían pintado al estilo occidental, es decir, utilizando pintura acrílica y una superficie dura. A medida que su trabajo ganó popularidad, los artistas omitieron o cambiaron muchos de los símbolos espirituales para que fueran expuestos al público, ya que la comunidad aborigen los criticaba por revelar "demasiado de su herencia sagrada". [5] Según Ryan: [5]
Los diseños secretos restringidos a un contexto ritual estaban ahora en el mercado, visibles para los forasteros kardiya y las mujeres aborígenes. En respuesta a estas objeciones, se eliminaron o modificaron todas las representaciones detalladas de figuras humanas, tjurungas ( bramadoras ) completamente decoradas y parafernalia ceremonial. Dichos diseños y sus significados "internos" no debían escribirse ni "comerciarse". Cualquier contravención rompía el plan inmutable de descendencia, el vínculo de los hombres iniciados con su antepasado totémico a través de su padre y el padre de su padre. De 1973 a 1975, los artistas de Papunya Tula intentaron camuflar las referencias abiertas a la ceremonia y se volvieron reticentes. Revelaron menos del corazón sagrado de su cultura. La apertura de la era Bardon había llegado a su fin. El punteado y el punteado excesivo, como un medio ideal para ocultar o pintar sobre diseños secretos y peligrosos, se convirtió en una moda en esta etapa. El arte se hizo público, diluido para una exposición general, señalando la singularidad de los años de Geoffrey Bardon, que, como la inocencia, no se pueden redescubrir.
Para Hetti Perkins y Hannah Fink, [6] los artistas a través de sus pinturas "trazan las genealogías de su herencia ancestral". Y comentan que "A través de las pinturas de los artistas de Papunya Tula experimentamos la angustia del exilio y la liberación del éxodo... Al reconfigurar el paisaje australiano, los artistas expresan lo que siempre han sabido. Y al revelar esta visión a un público externo, los artistas de Papunya Tula han recuperado el interior del continente australiano como tierra aborigen. Si el exilio es el sueño del hogar, el anhelo físico por las patrias expresado en las primeras pinturas ahora ha sido respondido".
A finales de los años 1970 y principios de los años 1980, tras la promulgación de la Ley de Derechos Territoriales Aborígenes de 1976 , muchas de las personas abandonaron Papunya para regresar a sus tierras tradicionales, pero la cooperativa de arte persistió y siguió creciendo. Durante muchos años, el mercado y los museos prácticamente ignoraron su trabajo. Una excepción importante fue el Museo y Galería de Arte del Territorio del Norte (MAGNT), que posee la colección más grande de poco más de 220 obras tempranas adquiridas entre 1972 y 1976, gracias a los esfuerzos visionarios del director del MAGNT, el Dr. Colin Jack Hinton, y el propietario de la galería de Alice Springs, Pat Hogan. Esta seguía siendo, en 2008, la colección más grande del país de tablas tempranas. La Galería Nacional de Victoria no adquirió ninguna obra producida por el colectivo hasta 1987, cuando Judith Ryan convenció al director actual para que comprara 10 de las obras. [7] En ese momento, el precio pedido era 100.000 dólares australianos , lo que Ryan describió en 2008 como "una ganga", dada la escalada del valor. [7]
En 2007, una sola pintura del artista de Papunya Tula Clifford Possum Tjapaltjarri estableció un récord en una subasta por el precio obtenido por un arte aborigen, al alcanzar 1,03 millones de libras esterlinas (o 2,4 millones de dólares), más del doble del precio que el poseedor del récord anterior. [8]
La empresa ahora opera desde Alice Springs, [9] y cubre un área enorme, que se extiende hasta Australia Occidental , 700 kilómetros (430 millas) al oeste de Alice Springs. [10]
En 2000, la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur organizó una exposición, comisariada por Hetti Perkins , para el Festival de las Artes de los Juegos Olímpicos de Sídney . La exposición, titulada Papunya Tula, Génesis y Genius , fue la primera gran exposición retrospectiva de la cooperativa. [11]
Durante varios meses (del 27 de noviembre de 2007 al 3 de febrero de 2008), el Museo Nacional de Australia exhibió una colección de pinturas papunya de los primeros años del movimiento. La mayoría de las obras expuestas en la colección no habían sido vistas antes por el público en general, ya que la mayoría de estas pinturas fueron compradas por la Junta de Artes Aborígenes (ahora extinta) de los años 1970 y 1980. La exposición contiene algunas de las obras más antiguas y de mayor valor de la primera generación de pintores papunya de mayor antigüedad. Estas pinturas se exhibieron anteriormente en oficinas gubernamentales y embajadas. Comisariada por la profesora Vivien Johnson , la exposición fue importante para presentar la importancia del movimiento al público en general. [ cita requerida ]
Dos artistas papunya, Tommy Watson y Ningura Napurrula , también están representados en París en el Museo del Quai Branly , dedicado al arte indígena del mundo. Los motivos en blanco y negro característicos de Napurrula aparecen superpuestos en el techo de las oficinas administrativas del edificio del museo.
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