Un proscenio ( griego : προσκήνιον , proskḗnion ) es el plano vertical metafórico del espacio en un teatro , generalmente rodeado en la parte superior y los lados por un arco de proscenio físico (ya sea o no verdaderamente "arqueado") y en la parte inferior por el piso del escenario mismo, que sirve como marco en el que el público observa desde un ángulo más o menos unificado los eventos que tienen lugar en el escenario durante una representación teatral. El concepto de la cuarta pared del espacio escénico del teatro que mira hacia el público es esencialmente el mismo.
Puede considerarse como una construcción social que divide a los actores y su mundo escénico del público que ha venido a presenciarlo. Pero como el telón suele bajar justo detrás del arco del proscenio, tiene una realidad física cuando está bajado, ocultando el escenario a la vista. El mismo plano también incluye la caída, en los teatros tradicionales de los tiempos modernos, desde el nivel del escenario hasta el nivel de la "plataforma" del público, que era el significado original del proscenio en los teatros romanos , donde se le dio a esta minifachada un mayor énfasis arquitectónico que en el caso de los teatros modernos. Un escenario de proscenio es estructuralmente diferente de un escenario de empuje o un escenario de arena , como se explica a continuación.
En los teatros griegos helenísticos posteriores, el proskenion (προσκήνιον) era un escenario elevado y bastante estrecho en el que actuaban los actores solistas, mientras que el coro griego y los músicos permanecían en la "orquesta" delante y debajo de él, y a menudo había más zonas para actuar por encima y detrás del proskenion, sobre y detrás de la skene . Skene es la palabra griega (que significa "tienda") para la tienda, y más tarde el edificio, en la parte trasera del escenario desde donde entraban los actores, y que a menudo sostenía la escenografía pintada. En el período helenístico se convirtió en una estructura de piedra cada vez más grande y elaborada, a menudo con tres pisos. En el teatro griego, que a diferencia del romano incluía escenografía pintada, el proskenion también podía llevar escenografía. [1]
En la antigua Roma, el área del escenario frente a la scaenae frons (equivalente al griego skene) se conocía como pulpitum , y el frente vertical que bajaba desde el escenario hasta el piso de la orquesta , a menudo en piedra y decorado, como proscaenium , que nuevamente significa "frente a la skene ".
En el teatro griego y romano no existía un arco de proscenio, en el sentido moderno, y el espacio de actuación siempre estaba completamente a la vista del público. Sin embargo, los teatros romanos eran similares a los teatros de proscenio modernos en el sentido de que todo el público tenía un rango restringido de vistas del escenario, todas ellas desde el frente, en lugar de los lados o la parte trasera.
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El Teatro Olímpico de Vicenza (1585), el teatro cubierto más antiguo que se conserva de la era moderna, a veces se menciona incorrectamente como el primer ejemplo de teatro con proscenio. El Teatro Olímpico fue una reconstrucción académica de un teatro romano. Tiene un proscenio sencillo en la parte delantera del escenario, que desciende hasta el nivel de la orquesta , y que ahora suele contener asientos de platea, pero no arco de proscenio.
Sin embargo, la réplica exacta del escenario romano abierto y accesible del Teatro Olímpico fue la excepción y no la regla en el diseño teatral del siglo XVI. Los grabados sugieren que el arco de proscenio ya se utilizaba en 1560 en una producción en Siena . [2]
El primer arco de proscenio auténtico que sobrevivió en un teatro permanente es el Teatro Farnese de Parma (1618), ya que muchos teatros anteriores de este tipo se perdieron. Parma tiene una "boccascena" claramente definida, o boca de escena, como la llaman los italianos, más parecida a un marco de cuadros que a un arco, pero que cumple la misma función: delimitar el escenario y separar al público de la acción. [ cita requerida ]
Si bien el arco del proscenio se convirtió en una característica importante del teatro tradicional europeo, volviéndose a menudo muy grande y elaborado, el frente original del proscenio debajo del escenario se volvió más simple.
La introducción de un foso de orquesta para los músicos durante la época barroca devaluó aún más el proscaenium , al desplazar el nivel más bajo de la vista del público hacia el frente del foso, donde una barrera, normalmente de madera, lo ocultaba. Lo que los romanos habrían llamado proscaenium , en los teatros modernos con fosos de orquesta, normalmente está pintado de negro para no llamar la atención.
En esta recreación moderna temprana de un teatro romano, parece que se introdujo cierta confusión en el uso del término recuperado en italiano. Esta emulación del modelo romano se extendió para referirse al área del escenario como el "proscenio", y algunos escritores se han referido incorrectamente a la scaenae frons del teatro como un proscenio, e incluso han sugerido que el arco central en el medio de la scaenae frons fue la inspiración para el desarrollo posterior del arco de proscenio de tamaño completo. [3] No hay evidencia alguna de esta suposición (de hecho, las ilustraciones contemporáneas de representaciones en el Teatro Olímpico muestran claramente que la acción tenía lugar frente a la scaenae frons y que los actores rara vez estaban enmarcados por el arco central). [ cita requerida ]
La palabra italiana para scaenae frons es " proscenio ", un cambio importante con respecto al latín. Un traductor moderno explica el problema de redacción que surge aquí: "[En esta traducción del italiano,] conservamos el italiano proscenio en el texto; no se puede traducir proscenium por razones obvias; y no hay un equivalente en inglés... También sería posible conservar el clásico frons scaenae . El italiano "arco scenico" se ha traducido como "arco de proscenio". [4]
En la práctica, sin embargo, el escenario del Teatro Olímpico se extiende de un extremo al otro de la zona de asientos, y sólo se crea un efecto de encuadre muy limitado por el artesonado que cubre el escenario y por las paredes divisorias en las esquinas del escenario donde la zona de asientos se apoya contra el suelo. El resultado es que en este teatro "los espacios arquitectónicos para el público y la acción... son distintos en su tratamiento pero unidos por su yuxtaposición; ningún arco de proscenio los separa". [5]
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Un arco de proscenio crea una "ventana" alrededor del decorado y los intérpretes. Las ventajas son que permite a todo el público una buena visión, ya que los intérpretes solo tienen que centrarse en una dirección en lugar de moverse continuamente por el escenario para ofrecer una buena vista desde todos los lados. Un diseño de teatro con proscenio también simplifica la tarea de ocultar y oscurecer objetos de la vista del público (escenarios, intérpretes que no estén actuando en ese momento y tecnología del teatro). Todo lo que no se debe ver simplemente se coloca fuera de la "ventana" creada por el arco de proscenio, ya sea en los bastidores o en el espacio de vuelo sobre el escenario. La frase "romper el proscenio" o "romper la cuarta pared" se refiere a cuando un intérprete se dirige directamente al público como parte de la producción dramática.
Los teatros con proscenio han caído en desuso en algunos círculos teatrales porque perpetúan el concepto de la cuarta pared. La puesta en escena en los teatros con proscenio a menudo implica que los personajes que actúan en el escenario lo hacen en un entorno de cuatro paredes, siendo invisible la "pared" que mira hacia el público. Muchos teatros modernos intentan deshacerse del concepto de la cuarta pared y, en su lugar, están diseñados con un escenario que sobresale del arco del proscenio y "llega" hacia el público (técnicamente, esto todavía se puede llamar teatro con proscenio porque todavía contiene un arco de proscenio, pero el término escenario que se empuja es más específico y se usa más ampliamente). [ cita requerida ]
En la historia de la danza , el uso del arco de proscenio ha afectado a la danza de diferentes maneras. Antes del uso de escenarios de proscenio, los primeros ballets de la corte se realizaban en grandes cámaras donde los miembros del público se sentaban alrededor y por encima del espacio de baile. Los intérpretes, a menudo liderados por la reina o el rey, se centraban en figuras simétricas y patrones de significado simbólico. Nacían los patrones coreográficos del ballet. Además, dado que el baile se consideraba una forma de socializar, la mayoría de los ballets de la corte finalizaban con un "gran ballet" seguido de un baile en el que los miembros del público se unían a la actuación.
Más tarde, el uso del escenario de proscenio para las representaciones estableció una separación entre el público y los intérpretes. Por lo tanto, se puso más devoción en los intérpretes y en lo que estaba ocurriendo en el "espectáculo". Fue el comienzo de la danza-performance como una forma de entretenimiento tal como la conocemos hoy. Desde el uso de los escenarios de proscenio, las danzas se han desarrollado y evolucionado hacia figuras, patrones y movimientos más complejos. En este punto, no solo era significativamente importante cómo los intérpretes llegaban a una determinada forma en el escenario durante una actuación, sino también la gracia con la que ejecutaban su tarea. Además, estos escenarios permitían el uso de efectos escénicos generados por maquinaria ingeniosa. Fue el comienzo del diseño de escenografía, y quizás también fue el origen del uso de personal detrás del escenario o "tramoyistas". [ cita requerida ]