El arte de protesta son las obras creativas producidas por activistas y movimientos sociales . Es un medio de comunicación tradicional, utilizado por una muestra representativa de colectivos y del Estado para informar y persuadir a los ciudadanos. [1] El arte de protesta ayuda a despertar emociones básicas en sus audiencias y, a cambio, puede aumentar el clima de tensión y crear nuevas oportunidades para disentir. Dado que el arte, a diferencia de otras formas de disidencia, requiere pocos recursos financieros, los grupos y partidos con menos capacidad financiera pueden confiar más en el arte escénico y el arte callejero como táctica asequible. [1]
El arte de protesta actúa como una herramienta importante para formar conciencia social, crear redes, operar de manera accesible y ser rentable. Los movimientos sociales producen obras como carteles, pancartas, carteles y otros materiales impresos que se utilizan para transmitir una causa o mensaje en particular. A menudo, este tipo de arte se utiliza como parte de manifestaciones o actos de desobediencia civil . Estas obras tienden a ser efímeras, se caracterizan por su portabilidad y desechabilidad, y con frecuencia no son escritas ni propiedad de ninguna persona en particular. Los diversos símbolos de la paz y el puño en alto son dos ejemplos que resaltan la apropiación democrática de estos signos.
El arte de protesta también incluye (pero no se limita a) actuaciones, instalaciones específicas de un sitio, graffiti y arte callejero , y cruza los límites de los géneros, medios y disciplinas de las artes visuales. Si bien parte del arte de protesta está asociado con artistas capacitados y profesionales, no se requiere un conocimiento amplio del arte para participar en el arte de protesta. Los artistas de protesta frecuentemente pasan por alto las instituciones del mundo del arte y el sistema de galerías comerciales en un intento de llegar a un público más amplio. Además, el arte de protesta no se limita a una región o país, sino que es un método que se utiliza en todo el mundo.
Hay muchas obras de arte con carga política , como el Guernica de Picasso , algunas obras de la época de la guerra de Vietnam de Norman Carlberg o las imágenes de tortura en Abu Ghraib de Susan Crile .
Es difícil establecer una historia del arte de protesta porque se pueden encontrar muchas variaciones a lo largo de la historia. Si bien se pueden encontrar muchos casos de arte de protesta a principios del siglo XX, como el Guernica de Picasso en 1937, los últimos treinta años [ ¿cuándo? ] ha experimentado un gran aumento en el número de artistas que adoptan el arte de protesta como estilo para transmitir un mensaje al público.
A medida que la conciencia sobre las justicias sociales en todo el mundo se volvió más común entre el público, se puede observar un aumento en el arte de protesta. Algunas de las obras de arte más eficaces desde el punto de vista crítico del período reciente [ ¿cuándo? ] se escenificaron fuera de la galería, lejos del museo y en ese sentido, el arte de protesta ha encontrado una relación diferente con el público.
El arte activista representa e incluye desarrollos estéticos, sociopolíticos y tecnológicos que han intentado desafiar y complicar las fronteras y jerarquías tradicionales de la cultura representadas por quienes están en el poder. El objetivo de los artistas activistas es crear arte que sea una forma de moneda política o social, abordando activamente las estructuras de poder cultural en lugar de representarlas o simplemente describirlas. [2] Al igual que el arte de protesta, la práctica artística activista surgió en parte de un llamado a conectar el arte con una audiencia más amplia y a abrir espacios donde los marginados y privados de derechos puedan ser vistos y escuchados. Es importante señalar que los artistas activistas no siempre son el típico "artista". Sus obras se crean individualmente y es posible que muchas de estas personas ni siquiera se consideren artistas, sino más bien activistas. [3] Un ejemplo de obra de arte activista realizada por alguien que no se considera artista es un “Manifestante con un cartel de Damien Hirst durante la primera semana de Occupy Wall Street , septiembre de 2011”. Se trata de alguien que utiliza la obra de arte de otra persona pero luego agrega un mensaje de texto sobre la obra para abordar un tema político o social. Un ejemplo de arte activista en el que alguien se considera artista es la obra “Art Workers' Coalition, circa 1971 (foto Mehdi Khonsari)”, donde el mensaje de Mehdi es que las obras de arte están conectadas con el capitalismo y cómo los artistas son influenciados y atienden a las élites financieras. del mundo. [4]
El arte activista incorpora el uso del espacio público para abordar cuestiones sociopolíticas y fomentar la participación comunitaria y pública como medio para lograr un cambio social. Su objetivo es incidir en el cambio social participando en procesos activos de representación que trabajen para fomentar la participación en el diálogo, aumentar la conciencia y empoderar a los individuos y las comunidades. La necesidad de garantizar el impacto continuo de una obra manteniendo el proceso de participación pública que inició también es un desafío para muchos artistas activistas. A menudo requiere que el artista establezca relaciones dentro de las comunidades donde se llevan a cabo los proyectos. Muchos artistas activos han abordado la cuestión del cambio climático en sus obras, pero este es sólo un ejemplo de una de las muchas obras de arte políticas creadas a través del arte activista. [3]
Si los movimientos sociales se entienden como “exhibiciones públicas repetidas” de valores políticos y culturales alternativos, [5] entonces el arte activista es importante para articular tales puntos de vista alternativos. El arte activista también es importante para la dimensión de la cultura y la comprensión de su importancia junto con las fuerzas políticas, económicas y sociales en los movimientos y actos de cambio social. Hay que tener cuidado al confundir el arte activista con el arte político, ya que hacerlo oscurece diferencias críticas en metodología, estrategia y objetivos activistas. [ cita necesaria ]
El arte activista cita sus orígenes en un clima artístico y político particular. En el mundo del arte, las artes escénicas de finales de los años 1960 y 1970 trabajaron para ampliar los límites estéticos dentro de las artes visuales y el teatro tradicional , desdibujando la distinción rígidamente construida entre los dos. El arte de protesta implica obras creativas basadas en el acto de abordar cuestiones políticas o sociales. El arte de protesta es un medio accesible a todas las clases socioeconómicas y representa una herramienta innovadora para ampliar las estructuras de oportunidades. La naturaleza transitoria, interdisciplinaria e híbrida del arte escénico permitió la participación del público. La apertura y la inmediatez del medio invitaron a la participación pública, y la naturaleza del medio artístico fue un centro de atención de los medios. [ cita necesaria ]
Las formas emergentes de feminismo y arte feminista de la época influyeron particularmente en el arte activista. El movimiento de Arte Feminista surgió a principios de los años 60 durante la segunda ola del feminismo . Artistas feministas de todo el mundo se propusieron restablecer los pilares fundacionales y la recepción del arte contemporáneo. El movimiento inspiró cambios, reformuló actitudes culturales y transformó los estereotipos de género en las artes. [6] La idea de que “ lo personal es lo político ”, es decir, la noción de que la revelación personal a través del arte puede ser una herramienta política, [7] guió gran parte del arte activista en su estudio de las dimensiones públicas de la experiencia privada. Las estrategias desplegadas por las artistas feministas son paralelas a las de los artistas que trabajan en el arte activista. Estas estrategias a menudo implicaban “colaboración, diálogo, un cuestionamiento constante de los supuestos estéticos y sociales y un nuevo respeto por la audiencia” [8] y se utilizan para articular y negociar cuestiones de autorrepresentación, empoderamiento e identidad comunitaria. [ cita necesaria ]
El arte conceptual buscó ampliar los límites estéticos en su crítica de las nociones del objeto de arte y el sistema de mercancías dentro del cual circula como moneda. Los artistas conceptuales experimentaron con materiales y procesos de producción artística no convencionales. Basados en estrategias arraigadas en el mundo real, los proyectos de arte conceptual exigieron la participación del espectador y se exhibieron fuera del espacio tradicional y exclusivo de la galería de arte, haciendo así que la obra fuera accesible al público. De manera similar, en el arte activista a menudo se emplean métodos colaborativos de ejecución y experiencia extraída de fuera del mundo del arte para lograr sus objetivos de participación comunitaria y pública. Paralelamente al énfasis en las ideas que respalda el arte conceptual, el arte activista está orientado a los procesos y busca exponer las relaciones de poder arraigadas a través de su proceso de creación. [ cita necesaria ]
En la esfera política, la militancia y las políticas identitarias de la época fomentaron las condiciones a partir de las cuales surgió el arte activista. [ cita necesaria ]
En la práctica, el arte activista a menudo puede tomar la forma de intervenciones temporales, como performances, eventos mediáticos, exposiciones e instalaciones. También es común emplear técnicas de los principales medios de comunicación (mediante el uso de vallas publicitarias, carteles, publicidad, inserciones en periódicos, etc.). Al hacer uso de estos canales comerciales de distribución del comercio, esta técnica es particularmente eficaz para transmitir mensajes que revelan y subvierten sus intenciones habituales.
El uso de la participación pública como estrategia para activar a individuos y comunidades para que se conviertan en “catalizadores del cambio” es importante para el arte activista. En este contexto, la participación se convierte en un acto de autoexpresión o autorrepresentación de toda la comunidad. La expresión creativa empodera a las personas al crear un espacio en el que sus voces pueden ser escuchadas y en el que pueden entablar un diálogo entre sí y con las cuestiones en las que tienen un interés personal.
La Colaboración de Artistas y Personas sin Hogar es un ejemplo de un proyecto que trabaja con estrategias de participación pública como medio de empoderamiento individual y comunitario. Al ser una afiliación de artistas, profesionales del arte y mujeres, niños y adolescentes que viven en refugios de la ciudad de Nueva York, A & HC creen que su trabajo en un proyecto colaborativo de creación artística ofrece a los residentes una “experiencia positiva de automotivación y les ayuda”. recuperar lo que el sistema de refugio y las circunstancias de la vida destruyen: un sentido de identidad individual y confianza en la interacción humana”. [9] El proceso de involucrar a la comunidad en un diálogo con los discursos públicos y dominantes sobre el tema de las personas sin hogar se describe en una declaración de su fundadora, Hope Sandrow: “La relevancia del arte para una comunidad se exhibe en obras de arte donde las personas sin hogar hablan directamente al público y en debates que consideran la relación que tiene el arte con sus vidas. La práctica de crear arte estimula a quienes viven en refugios desde un estado de malestar a la participación activa en el proceso artístico” [9]
A & HC nació en un momento en el que se hacía cada vez más pronunciada una crítica a los creadores, vendedores y consumidores de arte que abordaba preocupaciones sociales. Los críticos argumentaron que las mismas obras de arte cuyo propósito era provocar una conversación política, social y cultural estaban confinadas dentro del espacio exclusivo y privilegiado de las galerías, museos y colecciones privadas. Por el contrario, A & HC fue un intento de cerrar la brecha entre la producción artística y la acción social, permitiendo así que los sujetos de trabajo que antes estaban excluidos y silenciados fueran escuchados.
El arte de resistencia es un arte utilizado como una forma de mostrar su oposición a los que detentan el poder. Esto incluye el arte que se opuso a potencias como el partido nazi alemán, así como el que se opuso al apartheid en Sudáfrica . [10] El levantamiento de Soweto marcó el comienzo del cambio social en Sudáfrica. El arte de resistencia surgió del Movimiento de Conciencia Negra, un movimiento de base contra el Apartheid que surgió en la década de 1960 liderado por el carismático activista Steve Biko. Gran parte del arte era público y tomaba la forma de murales, pancartas, carteles, camisetas y grafitis con mensajes políticos de confrontación y centrados en las realidades de la vida en una Sudáfrica segregada. [11] Willie Bester es uno de los artistas más conocidos de Sudáfrica que originalmente comenzó como artista de resistencia. Utilizando materiales ensamblados a partir de basura, Bester da relieve a las superficies y luego las pinta con pintura al óleo. Sus obras comentaban sobre importantes figuras negras sudafricanas y aspectos importantes para su comunidad. Los artistas de la resistencia sudafricanos no se ocupan exclusivamente de la raza ni tienen por qué ser de los municipios. Otra artista, Jane Alexander, ha abordado las atrocidades del apartheid desde una perspectiva blanca. Su arte de resistencia trata sobre la sociedad insalubre que continúa en la Sudáfrica posterior al apartheid. [12]
"Arte de la sátira humanitaria" fue un término introducido por la autora Lexa Brenner. Esta forma de arte activista utiliza comedia seria, imágenes controvertidas y declaraciones políticas. Las obras se burlan de la sociedad y brindan a los espectadores la posibilidad de interpretar sus obras de muchas maneras diferentes. La mayoría de las obras se basan en la idea de promover cambios dentro de la sociedad sobre los problemas mundiales actuales. Las obras suelen quedar en lugares escondidos, que los ciudadanos acabarán encontrando. La mayoría de las obras de arte de sátira humanitaria muestran mensajes políticos, a menudo aludiendo a mensajes políticos controvertidos, que giran en torno a cuestiones sociales contemporáneas. [13]
El archivo del Centro para el Estudio de Gráficos Políticos contiene actualmente más de 85.000 carteles y tiene la colección más grande de carteles de justicia social posteriores a la Segunda Guerra Mundial en los Estados Unidos y la segunda más grande del mundo. [14] Muchas bibliotecas universitarias tienen extensas colecciones, incluida la Colección Joseph A. Labadie de la Universidad de Michigan, que documenta la historia de los movimientos de protesta social y las comunidades políticas marginadas desde el siglo XIX hasta el presente. [15]
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