El rock de arena (también conocido como AOR , rock melódico , rock de pompa , rock de estadio , rock corporativo o rock de papá [1] [nb 1] ) es un estilo de música rock que se volvió popular en la década de 1970. Por lo general, implica música rock apta para radio que fue diseñada para ser reproducida para grandes audiencias.
A medida que el hard rock y el pop rock se hicieron cada vez más populares, los grupos comenzaron a crear material diseñado inherentemente para su interpretación ante multitudes y grandes conciertos. El rock de estadios también se desarrolló a partir de su uso de sonidos más orientados a lo comercial que estaban destinados a ser reproducidos en la radio. La música altamente producida, que incluye canciones alegres y dramáticas y baladas poderosas más lentas , presenta un fuerte énfasis en la melodía y emplea con frecuencia coros himnos . [3] Otras características importantes incluyen efectos de guitarra prominentes y el uso de instrumentos de teclado . [4] [5] [6] Los temas típicos de las letras del rock de estadios incluyen el amor, el desamor, la angustia y el sentimentalismo. [7]
Muchas de las etiquetas anteriores se utilizan de manera peyorativa , [4] [8] [6] y las discusiones sobre la crítica musical a menudo ahondan en la cuestión de si el enfoque de los músicos en el espectáculo del rock y el atractivo masivo resulta en un mérito artístico comprometido, particularmente en términos de la diferencia entre los intereses de la población " de clase media " versus otros oyentes. [4] [8] El interés en el rock de estadios se asocia estereotípicamente con los hombres de clase trabajadora a clase media que viven en Canadá o Estados Unidos (incluidos los llamados " yuppies "), [4] [5] lo que se ha citado como la base del prejuicio condescendiente sobre el estatus social en algunas críticas. [4] Sin embargo, el estilo de música ha tenido un gran éxito en todo el mundo, particularmente en términos de giras. [3] [4] [5]
El historiador Gary A. Donaldson ha resumido el rock de arena como "pelo grande, voces grandes y guitarras realmente grandes". A diferencia de otros tipos de música con un enfoque más crudo y desgastado por el tiempo, los músicos de rock de arena enfatizan la producción dramática. Con bandas que diseñan deliberadamente su material para grandes audiencias, las canciones se centran en la melodía , a menudo presentando coros estridentes . Los efectos de guitarra y el uso de instrumentos de teclado son elementos significativos del género. [4] [5] [6] Los espectáculos de fuegos artificiales, el uso de humo y los métodos de iluminación sofisticados se han convertido en parte de la estética visual de lo que se conoce como rock de arena. [9]
A pesar de las diferencias en términos de género, la Beatlemanía y las multitudes gigantescas y ruidosas que recibieron a los Beatles cuando actuaron en los EE. UU. resultaron influyentes en el rock de estadios, particularmente con las complejas opiniones de los artistas sobre la conexión entre ellos mismos como músicos y las necesidades primarias de sus audiencias masivas. [10] El auge del estilo rock significó en gran medida el fin de la cultura idealista de tipo hippie de los años 60, particularmente después de la desilusión que siguió al infame Altamont Free Concert de 1969, y representó una forma más nueva de expresión musical que todavía era segura y estridente al mismo tiempo que más comercial. [10] Con cientos de personas heridas y una fallecida, dicho concierto ha sido descrito como "la muerte espiritual de la década". [11]
En el período comprendido entre finales de los años 1960 y mediados de los años 1970, los avances tecnológicos permitieron aumentar la potencia de los sistemas de amplificación y sonido sin perder calidad de sonido, lo que dio a las bandas de hard rock la oportunidad de utilizar recintos cada vez más grandes. The Guardian atribuyó el nacimiento del rock en estadios a la gira estadounidense de 1969 de los Rolling Stones y la situó en el puesto número 19 de su lista de los 50 acontecimientos clave de la historia de la música rock. [12] Antes de la gira, el sonido más fuerte en los espectáculos de gran capacidad solía ser el del público, por lo que los Stones se aseguraron de tener sistemas de iluminación y sonido que les permitieran ser vistos y oídos en los estadios más grandes, y The Guardian afirmó que su "combinación de excelencia en el frente de la casa y la experiencia detrás de escena llevó el negocio de las giras a un nivel completamente nuevo". [12]
Grand Funk Railroad , nacido en Flint , Michigan , que se promocionó como una "banda del pueblo" en el lanzamiento de su álbum debut de 1969 dada su gira nacional, tocó para aproximadamente 125.000 personas en Georgia y 180.000 en Texas en un corto período de tiempo. Aunque el hard rock influyó en la música heavy metal y el estilo de rock de estadio, compartían un énfasis en el volumen y el sonido pesado que había dominado la corriente principal del rock desde finales de los 70 hasta principios de los 80. [10]
Bandas como Styx , Toto , Journey , REO Speedwagon y Boston fueron grupos populares de rock de estadios a finales de los años 1970 y principios de los años 1980. [13]
La popularidad del rock de estadios, que se describió como "una fuerza dominante" musicalmente a partir de los años 1970, [14] dio lugar a una serie de reacciones musicales. El movimiento del pub rock británico surgió en gran parte debido a su énfasis en los eventos a pequeña escala, destinados a promover una conexión amistosa e íntima entre los intérpretes y el público. [15] La explosión del punk rock y las subculturas punk en general en los años 1970 desafiaron directamente los excesos percibidos del rock convencional en ese momento. [16]
El Salón de la Fama del Rock and Roll afirma que la década siguiente, particularmente finales de los años 1980, se considera "una era dorada del hard rock en términos de difusión comercial ". [17]
La música de los años 70 reflejó a menudo cambios en los intereses filosóficos en comparación con décadas anteriores, con el crecimiento personal, la revelación privada y la superación personal ganando más énfasis en comparación con los intereses anteriores en el activismo social colectivista . El período que llegó a ser conocido despectivamente como la " década del yo ", los lanzamientos de rock frecuentemente celebraban un abandono hedonista y autoindulgente. Varios artistas también buscaron un sonido de rock de estadio basado en la inspiración y el logro individual , particularmente en canciones himnos sobre la independencia. [4] [10] En términos de las tendencias cambiantes en la década de 1980 en adelante, el estilo esencialmente reemplazó a la música disco en términos de atractivo para la cultura pop masiva. [5]
Durante ese período, el rock de arena [ vago ] evolucionó de una manera que todavía era melódica y orientada a la actuación, pero mucho más agresiva y confrontativa. El rock mainstream quedó dominado por estas bandas de hair metal (también conocidas como " glam metal " y " pop metal "), con un gran énfasis aún puesto tanto en la música como en lo visual. La ropa llamativa con elementos como maquillaje pesado y peinados dramáticos se volvió común. Ejemplos destacados de este género incluyen a Def Leppard , Mötley Crüe y Poison . Su popularidad se desplomó después del éxito de las bandas de rock alternativo y grunge que comenzaron a abrirse paso en la conciencia popular con un sonido aún más abrasivo, particularmente artistas influenciados por el éxito de Nirvana a principios de la década de 1990. [18] [19]
El sitio web AllMusic ha opinado que "el hard rock tradicional se convirtió en un bien escaso en la era del rock post-alternativo; después del grunge, muchas bandas de guitarras no solo adoptaron una actitud conscientemente seria, sino que también resistieron la tentación de escribir coros de estadios listos para el público". [14] Múltiples artistas han seguido tocando para seguidores de culto . [18] [19] Las bandas Bon Jovi y Van Halen en particular lograron un éxito comercial significativo en la década de 1990. [20] [nb 2] Más tarde, en los años 90 y 2000, los actos post-grunge como Creed y Nickelback lanzaron sus propios himnos de rock de estadios exitosos. [22]
El etnomusicólogo Chris McDonald de la Universidad de Cape Breton ha argumentado que la etiqueta de un artista musical como "rock de estadio" y "vieja ola", hecha por los críticos musicales despectivamente, se origina en un contexto de clasismo influenciado por el modernismo . Por lo tanto, la popularidad masiva se presenta como un argumento contra el mérito artístico percibido, a través de los ojos de los críticos centrados en la alta cultura mientras desdeñan las fuerzas del mercado, particularmente dada la composición blanca, de clase trabajadora a clase media de los fanáticos. Centrándose en el trío canadiense Rush , McDonald afirmó que la crítica al grupo como "deslumbrante pero vacío" debido al enfoque de los músicos en el espectáculo del rock es una consecuencia de la distancia psicológica de los críticos con respecto a la población " de clase media " que los escucha. [4]
El uso de patrocinio comercial para las giras y conciertos a gran escala de la década de 1970, una práctica que continúa, ha hecho que la música adopte la etiqueta peyorativa de "rock corporativo". [23] [8] [6] El escritor Chris Smith argumentó que el estilo deshumanizaba a los oyentes, estableciéndolos como receptores pasivos en lugar de permitirles interactuar verdaderamente con los músicos, y además colocaba a las diferentes bandas en una posición similar a la de productos homogeneizados. [8] También se ha considerado como propaganda capitalista esencialmente maligna. [23] La distancia entre el juicio de los creadores de tendencias sobre ciertos grupos como "poco cool" y su atractivo para el público masivo ha existido desde los orígenes del estilo después del final de la década de 1960, [10] y se han utilizado una amplia variedad de otros términos despectivos como "rock de papá". [nb 3] [6]
El marketing musical ha utilizado deliberadamente la crítica como forma de representar al pueblo frente a la élite. [10] La asociación del rock de estadios con los llamados " yuppies " y su consumo ostentoso ha vinculado además el estilo con un grupo a menudo difamado en los medios, sujeto a caricaturas burlonas y otros tipos de ridículo. Sin embargo, como señaló el historiador Gary A. Donaldson, la música eclipsó al género disco , que estaba en decadencia , y bandas relacionadas con él realizaron giras exitosas por todo el mundo. [5]
El rock de arena, una etiqueta utilizada inicialmente por la prensa popular para describir a bandas de rock grandilocuentes como Journey y Chicago, incluye bandas de rock que escriben canciones excesivamente sentimentales sobre el amor y la angustia. El hecho de que Mariah Carey hiciera una versión de la canción "Open Arms" de Journey ilustra la compatibilidad entre estos dos géneros melodramáticos. Otra prueba de este vínculo es la observación de [el crítico cultural canadiense Carl] Wilson de que "la forma principal de Celine [Dion], la balada potente, fue la invención del rock de estadios de los años 70 que más hizo por recuperar el impulso sensiblero después de su exilio en los años 60" (2007: 66). Grupos de rock de estadios más recientes, como Nickelback, han adoptado una visión del amor más cargada de desprecio que romántica. Sin embargo, canciones como "This Is How You Remind Me" revelan una preocupación comparable por el desamor, son coherentes con la tradición himnaria del rock de estadios y son criticadas de manera similar por su trivialidad poética.
entera de jóvenes músicos estaba creciendo con el tipo de material que se filtraba en la radio después de la muerte de Kurt, y no les llevó mucho tiempo darse cuenta de lo que funcionaba y lo que no. Copiaron a Pearl Jam, lo que no es necesariamente una mala idea, pero se dieron cuenta de que el material más artístico no se vendía tan bien como los himnos pesados de estadios de su primer álbum. Copiaron a Soundgarden, una buena actividad en sí misma, pero no tuvieron en cuenta las complejidades de las canciones de esa banda. Estos jóvenes músicos continuaron formando bandas como Creed y Nickelback, y los oyentes se quedaron atrapados con toda una generación de flácidos aspirantes que llevaban la antorcha de la mediocridad. Vendieron millones, pero estaban tan vacíos como las bandas de hair-metal que sus antepasados habían luchado tanto por vencer.
