Un concierto para contrabajo es una composición musical escrita , generalmente en tres partes o movimientos (ver concierto ), para contrabajo solista acompañado por una orquesta . Los conciertos para contrabajo suelen requerir un nivel avanzado de técnica, ya que suelen utilizar pasajes de registro muy alto, armónicos, escalas y líneas de arpegios desafiantes y técnicas de arco difíciles. Los estudiantes de música suelen tocar conciertos para contrabajo con la parte orquestal interpretada por un pianista que lee de una reducción orquestal (las partes de orquesta arregladas para piano).
El origen del concierto para contrabajo
Los conciertos se originaron en la era clásica. Al principio, los conciertos para contrabajo eran muy raros debido a las cuerdas de tripa. Estas cuerdas eran difíciles de mover con el arco y no resonaban ni proyectaban tan fuerte. [1]
Fue alrededor de 1650 cuando se inventó la cuerda de tripa entorchada. [2] Esto aumentó enormemente la popularidad de los compositores para escribir solos de contrabajo.
Las principales épocas de los conciertos para contrabajo son el Clásico y el Romántico, considerados como las principales épocas concertísticas hasta el siglo XX y XXI, cuando se escribieron los conciertos de Andrés Martí [3] y Eduard Tubin [4] .
Primeros conciertos para contrabajo
El primer concierto para bajo fue compuesto por Carl von Dittersdorf a mediados del siglo XVIII. Escribió dos conciertos para bajo, así como un concierto sinfónico para viola y contrabajo.
Otros compositores desde finales del Barroco hasta el período clásico, como Johannes Matthias Sperger , escribieron dieciocho conciertos para contrabajo. Johann Baptist Wanhal y Joseph Haydn también escribieron conciertos para contrabajo , aunque el de Haydn se ha perdido desde entonces. [5]
En 1773, Michel Corrette cambió la afinación del contrabajo. Antes de esto, los contrabajos se afinaban en terceras, lo que se conocía como afinación de estilo vienés. [6] Esto cambió la forma en que los compositores de la Escuela Vienesa escribían solos virtuosos de contrabajo. La aparición del compositor italiano Domenico Dragonetti cambió oficialmente el estatus del contrabajo. Dragonetti no utilizó el bajo afinado al estilo vienés.
En ese momento, los compositores de la Escuela Vienesa comenzaron a intentar escribir nuevas obras para contrabajo. Dragonetti era un virtuoso del bajo que introdujo nuevas técnicas avanzadas para el instrumento, como tocar en el registro más alto, hacer rebotar el arco (rebote y spiccato ) y utilizar más armónicos en todo el instrumento. [7]
Giovanni Bottesini , conocido como el Paganini del contrabajo, fue un virtuoso del bajo y compositor del siglo XIX. Hizo enormes contribuciones al repertorio de contrabajo solista. Entre sus muchas obras se encuentran dos conciertos para contrabajo que utilizan pasajes armónicos extremadamente altos que, cuando Bottesini los introdujo por primera vez, se consideraron "imposibles de tocar". [8]
Bottesini prefería el contrabajo de tres cuerdas que era popular en Italia. En contraste con la preferencia de Dragonetti por el arco más antiguo, con la palma hacia arriba, Bottesini adoptó un arco estilo violonchelo, con la palma hacia abajo. [8] El arco estilo Dragonetti es similar al arco alemán actual y el arco Bottesini es el arco francés moderno. [9]
Esta mejora ejerció una gran influencia sobre las generaciones posteriores. Otra influencia indirecta fue el surgimiento de una destacada escuela de contrabajistas en la región checa, representada por Franz Simandl , quien se dedicó a la técnica y la enseñanza del contrabajo y dejó una gran cantidad de obras. [10] [11]
A fines del siglo XX y hasta la actualidad, Simandl fue reemplazado lentamente por una nueva técnica y teoría del contrabajo de François Rabbath . Él tomó el trabajo de Simandl y aumentó la técnica para que funcione en todo el diapasón, mejorando aún más la técnica de los contrabajistas modernos para tocar conciertos antiguos y nuevos. [12]
La evolución desde el siglo XX hasta la época moderna
Las cuerdas sintéticas han ganado mucha popularidad en los últimos 50 años. [13] Tienen muchos beneficios, entre ellos, que son veganas, tienen un tono más consistente, son más fáciles de tocar y duran más en el bajo. Algunos compositores, por supuesto, todavía prefieren encontrar efectos especiales en las cuerdas de tripa, pero algunas empresas han comenzado a fabricar cuerdas que suenan exactamente como cuerdas de tripa, por ejemplo, D'addario Zyex Strings.
El contrabajo no ha sido una opción popular como instrumento solista, principalmente debido a las dificultades de equilibrar al solista y a la orquesta para que el primero no se vea eclipsado por el volumen de la orquesta. El registro grave del contrabajo dificulta la proyección; para ayudar a resolver este problema, muchos compositores (sobre todo Bottesini) escribieron partes solistas en el registro agudo del instrumento. Otra solución es abstenerse de grandes tuttis, o emplear la orquestación de cámara , cuando el contrabajo toca en su registro más bajo. Pocos compositores importantes de las eras clásica y romántica estaban dispuestos a escribir conciertos para contrabajo, ya que había pocos instrumentistas capaces de asumir las exigencias de tocar como solistas; fue solo a través de los esfuerzos de virtuosos como Dragonetti, Bottesini, Koussevitsky y Karr que el contrabajo comenzó a ser reconocido como instrumento solista. A principios del siglo XX, el nivel de la técnica del contrabajo mejoró en un grado significativo, lo que lo convirtió en una opción más popular para los compositores.
Los contrabajos han cambiado desde el siglo XVIII, cuando se escribieron los conciertos de Wanhal, Dittersdorf y Pichl . Una diferencia se refiere al diapasón; los bajistas atarían cuerdas viejas o tela para hacer trastes en su instrumento, de forma muy similar a una viola da gamba . Esto contrasta con la actualidad, donde el bajista se encarga de afinar basándose únicamente en la colocación de los dedos de su mano izquierda debido a la falta de trastes. [14] Otro factor que hace que tocar conciertos de la era clásica sea más difícil en un instrumento moderno es la afinación. Muchos conciertos de finales del siglo XVIII de la región de Viena estaban pensados para un bajo afinado (de grave a agudo) D 1 / F 1 - A 1 - D 2 - F♯ 2 - A 2 para un bajo de cinco cuerdas. Los bajos de cuatro cuerdas omitirían la cuerda más grave. Esta afinación utilizaba un arpegio en re mayor para las cuatro cuerdas superiores (o todas las cuerdas en un bajo de cuatro cuerdas), y esta es la razón por la que muchos conciertos de este período están en esa tonalidad. Sin embargo, algunos conciertos están en mi bemol, mi o incluso fa mayor. En estas situaciones, el bajista afinaba las cuerdas según fuera necesario, elevando el tono hasta una tercera menor, posible debido a las cuerdas de tripa de menor tensión de ese período. El resultado era un mejor equilibrio: los otros instrumentos de cuerda tendrían un sonido más apagado y menos resonante en mi bemol mayor, mientras que el bajista, leyendo una parte transpuesta en re mayor, tendría una afinación más resonante y el bajo se proyectaría mejor. [15] Ciertos pasajes de esa época incluían arpegios rápidos, que eran relativamente fáciles de ejecutar con la afinación vienesa. Sin embargo, ahora que los bajos están afinados en cuartas (de grave a agudo) mi 1 - la 1 - re 2 - sol 2 , muchos de estos conciertos de la era clásica son difíciles de tocar. El Concierto n.º 2 de Dittersdorf (en la foto de la derecha) es un ejemplo de ello. Ese pasaje se podría tocar con un bajo en afinación vienesa utilizando únicamente cuerdas al aire y armónicos. En afinación estándar, es mucho más difícil de tocar y se puede ejecutar de varias maneras diferentes, cada una de las cuales presenta grandes desafíos tanto para la mano izquierda como para la derecha. [16]
Las únicas partes supervivientes del concierto para contrabajo de Haydn que falta son los dos primeros compases. Se supone que este concierto data de alrededor de 1763, [5] alrededor de 2 años después de que Haydn fuera contratado como compositor a tiempo completo para la Orquesta del Príncipe. [5] Haydn lo escribió específicamente para el segundo fagot que también tocaba el contrabajo en la orquesta, Johann Georg Schwenda. Como es típico de la época, este concierto fue escrito en re mayor, [5] para contrabajos afinados a la vienesa. Sam Suggs, contrabajista y compositor, tomó los dos primeros compases que escribió Haydn y completó el resto de la pieza al estilo de Haydn. Lo llama Haydn [Re]Creation: Reviving the Lost Concerto. Tomó la pequeña melodía que escribió Haydn e hizo diferentes permutaciones a lo largo de los tres movimientos. Suggs aún no ha publicado esta obra, pero la interpretó en la Convención de la Sociedad Internacional de Bajistas en 2019 en Bloomington, Indiana.
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