Candido Portinari (29 de diciembre de 1903 – 6 de febrero de 1962) fue un pintor brasileño. Se lo considera uno de los pintores brasileños más importantes, así como un destacado e influyente practicante del estilo neorrealista en la pintura.
Portinari pintó más de cinco mil lienzos, desde pequeños bocetos hasta obras monumentales como los paneles Guerra y Paz , que fueron donados a la Sede de las Naciones Unidas en 1956. Portinari desarrolló una preocupación social a lo largo de su obra y mantuvo una vida activa en el mundo cultural y político brasileño.
Nacido de Giovan Battista Portinari y Domenica Torquato, inmigrantes italianos de Chiampo Vicenza , Véneto , en una plantación de café cerca de Brodowski , en São Paulo . [1] Al crecer en una plantación de café de tierra oscura y cielo azul, Portinari se inspiró en la tierra natal que amaba. En la mayoría de sus pinturas, murales y frescos posteriores, utilizó el color azul y muchos marrones y rojos porque este era el color de su hogar.
Uno de los trabajos iniciales de Portinari fue el de dibujar fotografías en las que capturaba con gran exactitud la imagen usando pinturas y luego ampliando las fotos. Estas se vendieron con éxito porque el parecido era asombroso. Portinari luego estudió en la Escola Nacional de Belas Artes (Escuela Nacional de Bellas Artes) en Río de Janeiro. En 1923, 1925 y 1927 Portinari ganó premios en el Salón, y en 1928 obtuvo una beca ofrecida por el gobierno brasileño para estudiar en Europa durante tres años. [1] Durante su estancia en Europa Portinari pintó poco, pero estudió las obras de varios artistas europeos, visitó museos y conoció a su futura esposa, Maria Martinelli. Regresó a Brasil con la firme intención de transmitir el verdadero estilo de vida brasileño y capturar el dolor y las luchas de su pueblo a través de su arte. [2]
Tras su regreso, Portinari comenzó a retratar la realidad de Brasil, desde sus bellezas naturales hasta las duras vidas de las poblaciones más empobrecidas del país, buscando una amalgama de su formación académica con las vanguardias modernistas . Portinari siguió siendo él mismo y no permitió que sus nuevas experiencias y nuevas perspectivas lo cambiaran. Sus raíces siguieron siendo importantes para él y se esforzó por retratarlas en sus pinturas; el verdadero espíritu brasileño. Quería que el mundo viera la dura realidad de las condiciones de vida en Brasil y la lucha por la supervivencia. La fuerza, el trabajo duro, la independencia y la autenticidad se reflejan en casi cada una de sus obras. [3]
En 1939, Portinari expuso en la Feria Mundial de Nueva York . Al año siguiente, Portinari tuvo por primera vez un lienzo expuesto en el Museo de Arte Moderno . El ascenso del fascismo en Europa, las guerras y el estrecho contacto con la problemática sociedad brasileña reafirmaron el carácter social de su obra, además de conducirlo al compromiso político.
Se afilió al Partido Comunista Brasileño y se presentó como diputado en 1945 [4] y senador en 1947, [5] pero tuvo que huir a Uruguay para escapar de la persecución de los comunistas durante el gobierno de Eurico Gaspar Dutra . En 1951, la primera Bienal de Arte de São Paulo dedicó una sala especial para sus obras. Regresó a Brasil al año siguiente, después de una declaración de amnistía general del gobierno. En 1956, después de que las Naciones Unidas hubieran pedido a sus países afiliados la donación de una obra de arte para la nueva sede de la organización, Brasil designó a Portinari para la tarea, quien tardó cuatro años y alrededor de 180 estudios para completar la pintura. Dag Hammarskjöld , Secretario General de la ONU , nombró la obra "la obra de arte monumental más importante donada a la ONU". [2]
Incluso después de que el médico le advirtiera de los riesgos de las toxinas y el envenenamiento, no se dio por vencido y continuó pintando. Portinari sufrió problemas de salud durante la última década de su vida. Murió en Río de Janeiro en 1962 como resultado del envenenamiento por plomo de sus pinturas. [2] [ verificación fallida ] [6]
El 20 de diciembre de 2007, su cuadro O Lavrador de Café [7] fue robado del Museo de Arte de São Paulo junto con el Retrato de Suzanne Bloch de Pablo Picasso . [8] Las pinturas permanecieron desaparecidas hasta el 8 de enero de 2008, cuando fueron recuperadas en Ferraz de Vasconcelos por la Policía de São Paulo . Las pinturas fueron devueltas, intactas, al Museo de Arte de São Paulo. [9]
En 2003 se celebraron numerosos actos conmemorativos del centenario de su nacimiento, incluida una exposición de su obra en Londres.
Las obras de Portinari reflejan una fuerte voluntad de representar al pueblo brasileño y sus características. El propio Portinari dijo que "pintaría a ese pueblo con esa ropa y ese color". Según Antonio Callado , la obra de Portinari muestra un "libro de arte monumental que enseña a los brasileños a amar más su tierra". [2]
Portinari fue capaz de trascender su formación académica original al experimentar y absorber técnicas y estilos modernistas , que fundamentalmente crearon su personalidad pictórica. La variedad y amplitud de su producción incluye pinturas que representan el trabajo rural y urbano, refugiados que huyen de las penurias del noreste rural de Brasil; y, a pesar de estos aspectos importantes y más conocidos de su obra, tratamientos de los eventos clave en la historia de Brasil desde la llegada de los portugueses en 1500, imágenes de la infancia, retratos de miembros de su familia y destacados intelectuales brasileños, ilustraciones para libros y azulejos que decoran la Iglesia de São Francisco en Pampulha , Belo Horizonte .
Su carrera coincidió con la de Oscar Niemeyer, con quien colaboró, entre otros. Las obras de Portinari se pueden encontrar en galerías y espacios de Brasil y del exterior, desde la capilla familiar en la casa de su infancia en Brodowski hasta sus paneles Guerra e Paz en el edificio de las Naciones Unidas en Nueva York y cuatro murales en la Sala de Lectura Hispana de la Biblioteca del Congreso en Washington, DC. [10]
Como se mencionó anteriormente, Candido Portinari provenía de una familia de inmigrantes pobres. [11] Esto le permitió tener una perspectiva única sobre la cultura brasileña y lo que significaba ser verdaderamente brasileño. Esto es importante porque fue un artista destacado durante la era del modernismo brasileño. [12] Como tal, su perspectiva dio una visión más orgullosa y digna de los trabajadores en ese momento. Mientras que otros artistas como Lasar Segall con Bananal y Tarsila do Amaral con Workers proporcionaron una imagen de los trabajadores que eliminó la personalidad y hizo que cada individuo fuera anónimo, Portinari hizo lo contrario. Por ejemplo, en su pintura, El mestizo , pinta un personaje que parece fuerte, competente y noble. En esto, está demostrando que los trabajadores no estaban quebrados. En cambio, eran orgullosos e independientes. Portinari usó su cultura y experiencia de vida para agregar a la explicación de lo que es Brasil en un estilo distintivo.
En Cacao (1938), Portinari retrata a trabajadores en las plantaciones de café. Se ve a una mujer en el fondo haciendo equilibrio con una caja sobre su cabeza y hay un niño en la pintura. Esto pretendía significar que los niños también estaban presentes durante este duro trabajo y se los alentaba a ayudar a los padres. Se les daba tierra a las familias a cambio de su trabajo en las plantaciones, donde se ocupaban de su parte. Aquí también se incluye el uso de azules y naranjas para capturar verdaderamente el significado de Brasil, que era el deseo de Portinari. Esta obra de arte fue descrita diciendo "Brasil está siendo rescatado de la oscuridad por 'El café de Portinari'". [13]
Coffee (Museo Nacional de Bellas Artes, 1935) representa a trabajadores fuertes y hábiles. Sus manos y pies grandes muestran que eran fuertes y no temían el trabajo duro. [13] La gente trabajaba junta para preservar sus tierras y sobrevivir. Esta pintura también es una gran representación del “realismo” debido a cómo captura a su gente con los cuerpos bajos, las cabezas más redondas y los tonos marrones y rojos de la tierra.
En El Mestizo (1934) intenta presentar no sólo un retrato sino un tipo individual de persona. [14] Portinari muestra que los trabajadores brasileños eran duros y orgullosos de su trabajo porque en el fondo de El Mestizo se ven los campos y todo su duro trabajo; su postura orgullosa retrata confianza y fuerza.
Guerra y Paz (Guerra e Paz; Palacio Gustavo Capanema en Río de Janeiro; 1952–56) fue un mural creado cuando las Naciones Unidas pidieron a Brasil que donara una obra de arte. Portinari creó dos murales para mostrar la guerra, la agonía, el miedo y el dolor que mostraban cómo la gente sufría y se veía afectada durante la guerra. Su uso de tonos azules en Guerra creó un contraste entre los amarillos más claros en Paz . El segundo tenía la intención de expresar paz y felicidad. Bento Antonio en su libro Portinari , describe esta obra como "una especie de visión inocente del paraíso". Con este mural, también pretendía conectar a diferentes grupos raciales y mostrar la paz entre la variedad de individuos. Había una gran variedad de etnias que vivían en Brasil en ese momento. Sus obras estaban destinadas a crear un puente entre los individuos multiculturales. Esta obra se encuentra en el edificio de la Asamblea General de las Naciones Unidas en Nueva York, que fue creado en recuerdo de la Segunda Guerra Mundial y sus horrores. Estaba destinado a parecerse a algo que nunca debería volver a ocurrir. En este lugar, los visitantes llegan a presenciar un epítome de la guerra y se van sabiendo que la paz es realmente alcanzable. [15] Guerra e Paz es la síntesis de toda una vida comprometida con los seres humanos. Su pintura, al igual que sus opiniones políticas militantes, se manifestaba contra la injusticia, la violencia y la miseria en el mundo, según el hijo del artista, João Candido Portinari . [16]
En la Fundación Hispana de la Biblioteca del Congreso, Washington DC, se encuentran cuatro murales que Portinari hizo en 1941 que representan las luchas de los hispanoamericanos. Descubrimiento de la tierra, Entrada en el bosque, Enseñanza de los indios y Descubrimiento del oro están destinados a representar la llegada de los españoles y portugueses a América y le llevó dos meses completarlos con la ayuda de su hermano Luiz. El Descubrimiento de la tierra está destinado a mostrar a los marineros comunes que navegaban en los barcos. La Entrada en el bosque es la "reminiscencia de los frescos" donde también no deja de capturar su estilo de agrandar los brazos y las piernas de las figuras para mostrar su fuerza. En La enseñanza de los indios, Portinari intenta crear una escena de un sacerdote o "padre jesuita" español con los indios y una unidad obvia. También la presencia de la tierra roja brasileña. El último mural, Descubrimiento del oro, el artista elige pintar solo un solo barco y personas específicas para representar que habían encontrado oro. El gobierno brasileño pagó para que Portinari viajara a Washington para crear los murales y representar a su país. [17]
Portinari dijo una vez: “Soy el Hijo de la Tierra Roja. Decidí pintar la realidad brasileña, desnuda y cruda como es”. [18] La vida en Brasil no fue fácil para Portinari, especialmente considerando que nunca fue rico, pero su deseo de mostrar pruebas de esta realidad es evidente en todas sus obras de arte. Viviendas precarias, nutrición inadecuada, falta de educación, poco o ningún acceso a la atención médica y diversas enfermedades crearon situaciones desesperadas para el pueblo brasileño que luchaba por sobrevivir. Esto llevó al deseo de Portinari de generar conciencia mundial sobre el dolor humano que trató de representar en casi todas sus pinturas.
Portinari también influyó mucho en la futura generación brasileña de artistas, músicos, poetas y compositores. Después de haber viajado mucho por Europa, estudiando su arte, su técnica y sus estilos, regresó a Brasil con la esperanza de crear su método personal e interpretar su propio estilo. En lugar de seguir imitando la apariencia europea, Portinari pintó lo que experimentó y su vida. Las obras de Portinari impulsaron a los artistas emergentes a perseguir su propio estilo único, particular a sus vidas, experiencias y realidad en su país. Esta es también otra razón por la que los azules, rojos y naranjas se usaban tan comúnmente en su arte; los colores de su tierra natal. [19]
El Proyecto Portinari, iniciado en 1979, está dedicado a Candido Portinari por su hijo João Candido con el objetivo de revivir sus obras, hacerlas más conocidas y preservar la historia. Su hijo no sólo pudo localizar más de 5.000 pinturas, sino que también encontró miles de dibujos, bocetos y documentos relacionados con la vida, los viajes y las interacciones de Portinari. [2] El Catálogo Razonado de las obras completas de Portinari se publicó en 2004. Fue el primer Catálogo Razonado que abarca las obras completas de un pintor latinoamericano. El “Proyecto Portinari” también organizó la primera exposición retrospectiva de la obra de Portinari, en el “Museu de Arte de São Paulo – MASP”, en 1997.
La obra "Un son para Portinari" de Nicolás Guillén y Horacio Salinas, famosamente interpretada por Mercedes Sosa , está dedicada al artista. El nombre de Candido Portinari sigue siendo visible hoy en día. Rodovia Candido Portinari es una carretera estatal ubicada en Brasil en São Paulo. [ cita requerida ]
Pinturas y murales
