Tim Crouch (nacido el 18 de marzo de 1964) es un creador, actor, escritor y director de teatro experimental británico. Sus obras incluyen My Arm , An Oak Tree , INGLATERRA y The Author . Estos adoptan diversas formas, pero todas rechazan las convenciones teatrales, especialmente el realismo, e invitan al público a ayudar a crear la obra. Entrevistado en 2007, Crouch dijo: "El teatro en su forma más pura es una forma de arte conceptual. No necesita decorados, vestuario ni accesorios, sino que existe dentro de la cabeza del público". [1]
Stephen Bottoms, [2] Profesor de Teatro Contemporáneo y Performance en la Universidad de Manchester, ha escrito que las obras de Crouch "constituyen uno de los cuerpos más importantes de dramaturgia en lengua inglesa que ha surgido hasta ahora en el siglo XXI... "No puedo pensar en ningún otro dramaturgo contemporáneo que haya planteado una serie de preguntas tan convincentes sobre la forma teatral, el contenido narrativo y la participación del espectador". [3]
Holly Williams , escribiendo en The Independent en junio de 2014, dice: "Crouch se ha ganado un nombre como uno de los grandes innovadores del drama británico, con obras que han perturbado y desafiado la experiencia teatral pasiva". [4]
Crouch, originario de Bognor Regis , obtuvo una licenciatura en teatro en la Universidad de Bristol y un diploma de posgrado en actuación en la Escuela Central de Oratoria y Drama . Mientras aún estaba en Bristol, cofundó la compañía de teatro Public Parts con su esposa, la directora y escritora Julia Crouch. Trabajaron en ocho producciones ideadas, que se representaron en "todo tipo de lugares, desde cuevas en Gloucestershire hasta prisiones, escuelas y los principales teatros nacionales como el Bristol Old Vic, el West Yorkshire Playhouse y el Bush en Londres". [5] Los programas de Public Parts incluyeron una adaptación de The Good Soldier de Ford Madox Ford y The Marvelous Boy , sobre el poeta Thomas Chatterton . Como actor, Crouch también actuó en varias obras para la Franklin Stage Company de Nueva York y el National Theatre de Londres, donde fue asociado de educación.
Crouch escribió su primera obra, My Arm , como reacción a su creciente frustración con el teatro contemporáneo, en particular "su adhesión a nociones de realismo psicológico y figurativo y su aparente abandono del público en sus procesos". [6] Le dijo a The Scotsman : "Me di dos años para intentar hacer una obra, sin haber escrito nada antes, y en un transcurso de cinco días en 2002 escribí My Arm . Lo escribí casi sin pensar. Mirando hacia atrás, puedo ver que estaba escribiendo sobre todas las frustraciones que había estado experimentando". [7]
My Arm cuenta la historia de un niño que, por pura mentalidad sanguinaria, levanta el brazo en el aire y lo mantiene allí durante treinta años. En el proceso, se convierte en un célebre ejemplar médico y en un icono de la escena artística de Nueva York. En su introducción a la obra publicada, Crouch escribió: “La acción del niño tiene más significado para los demás que para él mismo. Su brazo se convierte en el objeto inanimado definitivo sobre el que otros proyectan sus propios símbolos y significados.' [8]
Este tema de proyectar significado se refleja en la puesta en escena. Crouch invita a los miembros de la audiencia a prestar posesiones personales, como llaves, joyas, teléfonos móviles y fotografías, que luego son elegidos como "actores", que se muestran en un video en vivo. El profesor Stephen Bottoms describe el efecto de esto: "La falta de parecido físico entre los objetos presentados y las cosas que representan crea una sensación de incongruencia humorística, pero también permite que el público establezca sus propias asociaciones personales. Recuerdo , en una actuación, extrañamente conmovido al ver un estuche de lápices y una lata de spray corporal intimidando al muñeco Action Man que siempre se presenta como el joven 'Tim', precisamente al no mostrarnos cómo eran 'realmente' los agresores, o. Al hacer que los actores "emocionen" su agresión, Crouch me permitió completar mis propias asociaciones receptivas con la escena descrita". [3]
My Arm , codirigida por Crouch, Karl James y Hettie McDonald, se estrenó con gran éxito universal [9] en el Traverse Theatre como parte del Festival de Edimburgo en 2003. Posteriormente fue adaptada para BBC Radio 3, ganando un Prix Italia en 2006 por Mejor Adaptación en la categoría Radio Drama.
Crouch ha descrito My Arm como "la nave nodriza" de sus obras posteriores, todas las cuales hacen referencia a ella de alguna manera. [10] Le dijo a Catherine Love que su obra de 2014, Adler and Gibb , era "una versión mucho más grande y compleja de My Arm " . [10]
Los temas de My Arm , de proyección y transformación, se desarrollaron en la segunda obra de Crouch, An Oak Tree . Toma su nombre de la obra de Michael Craig-Martin de 1973, An Oak Tree, en la que el artista nos pide que supongamos que un vaso de agua se ha convertido en un árbol. La obra de Crouch nos muestra un encuentro entre un hipnotizador de escena y un padre afligido, Andy, cuya hija ha sido atropellada y asesinada por el hipnotizador. El padre, que cree haber transformado un árbol en su hija muerta, acude a ver al hipnotizador con la esperanza de que éste pueda darle algunas respuestas.
Mientras que Crouch interpreta al hipnotizador, el padre siempre es interpretado por un actor diferente, hombre o mujer, viejo o joven. Este segundo actor, que no sabe nada sobre la obra antes de subir al escenario, es guiado a lo largo de la actuación por Crouch mediante instrucciones habladas y páginas de guión. La obra fue codirigida por los antiguos colaboradores de Crouch, Karl James, y Andy Smith, el poeta y artista de performance conocido como "un herrero", [11] a quien Crouch originalmente le pidió que interpretara al padre. Smith sugirió: "¿Por qué no contratas a un actor diferente para interpretar al padre cada vez?". [12]
An Oak Tree se estrenó en el Traverse Theatre , en el Festival de Edimburgo de 2005 , donde agotó las entradas y ganó un premio Herald Angel. Siguieron giras internacionales, incluida una presentación de tres meses en el Barrow Theatre de Nueva York, donde ganó una mención especial del premio OBIE. Hasta la fecha, más de 300 actores han aparecido como el padre en la obra, incluidos Mike Myers , Christopher Eccleston , Frances McDormand , F. Murray Abraham , James Wilby , Laurie Anderson , Toby Jones , Mark Ravenhill , Geoffrey Rush , Tracy-Ann Oberman . David Morrissey , Saskia Reeves , Hugh Bonneville , Peter Gallagher , Juliet Aubrey , Paterson Joseph , Janet McTeer , Alan Cumming , Alanis Morissette , Samuel West , Samuel Barnett y Patrick Marber .
En 2005, Crouch describió su propia experiencia al actuar con un actor diferente cada vez: "Cada padre ha sido tan diferente como cada persona es diferente... Tal vez algunos han actuado demasiado y otros no han actuado en absoluto. A veces, Cada uno de ellos ha hecho exactamente lo que pensé que no quería que hicieran, pero al hacerlo, todos y cada uno de ellos son una revelación. Han hecho la obra a su manera. Nunca será exactamente como yo. Lo quiero y gracias a Dios por eso". [12]
Lyn Gardner repasó una actuación en la que Sophie Okonedo interpretó al padre : "Mirándola, nunca olvidas ni por un momento que es una mujer, y Crouch astutamente asegura con su flujo de acotaciones escénicas que nunca podrás olvidar que ella es "Un actor. Sin embargo, a medida que avanza la noche, tampoco dudas de que es un hombre de mediana edad. Tiene el mismo aspecto, pero es diferente". [13]
En 2015, en el décimo aniversario de la obra, Crouch revivió An Oak Tree para una presentación de junio a julio en el National Theatre de Londres, seguido de un regreso al Traverse Theatre , como parte del Festival Fringe de Edimburgo .
En 2019, The Independent incluyó An Oak Tree en su lista de "Las 40 mejores obras de teatro para leer antes de morir". [14]
En la siguiente obra de Crouch, INGLATERRA , actuó con Hannah Ringham, cofundadora del colectivo teatral London Shunt . Al igual que My Arm , INGLATERRA aborda el mundo del arte contemporáneo y fue escrita para ser representada en galerías de arte de paredes blancas. Como guías, Crouch y Ringham dan la bienvenida al público a la galería y lo guían por la exposición. En la primera mitad, comparten un dúo en el que interpretan a un personaje de género no revelado, cuyo novio es un rico marchante de arte y que necesita desesperadamente un trasplante de corazón. La obra utiliza sonido ambiental, diseñado por Dan Jones, para transmitir el ritmo del corazón que falla. En la segunda mitad, el personaje viaja a un país anónimo de Oriente Medio para agradecer a la viuda del donante de corazón el regalo de un valioso cuadro. La viuda, que cree que su marido ha sido asesinado por su corazón, no se muestra agradecida.
Crouch describe la obra como "la historia de una cosa situada dentro de otra: un corazón dentro del cuerpo de otra persona, una cultura dentro de la cultura de otro país, un teatro dentro de una galería, un personaje dentro de un actor, una obra dentro de su audiencia". [15] Lyn Gardner lo vio como "una pieza infinitamente reflexiva que desafía ingeniosamente un mundo globalizado donde todo está a la venta y cuestiona el valor que le damos al arte y a la vida humana". [16] En agosto de 2007, la obra se estrenó en la Fruitmarket Gallery de Edimburgo, donde ganó un premio Total Theatre, un Fringe First y un Herald Archangel. Desde entonces, ENGLAND se ha presentado en galerías de todo el Reino Unido y Estados Unidos y también ha visitado Oslo, Lisboa, Quebec, Madrid, Dublín, Wiesbaden, Melbourne, Singapur, Vancouver, Hong Kong, Budapest y Teherán.
La cuarta obra para adultos de Crouch, The Author , fue encargada por el Royal Court Theatre de Londres, y se presentó allí por primera vez en 2009. En la década de 1990, el Court se hizo conocido por lo que el crítico Aleks Sierz llamó teatro In-yer-face , que presenta representaciones de violencia extrema. Esto lo convirtió en el escenario perfecto para un examen de los efectos de crear y observar representaciones de violencia. Crouch explicó sus intenciones en un artículo: " El autor es una obra sobre lo que es ser espectador y sobre nuestras responsabilidades como espectadores. Explora la conexión entre lo que vemos y lo que hacemos. Siento firmemente que hemos perdido un hilo de responsabilidad por lo que elegimos mirar". [17]
En la obra, Crouch interpreta a "Tim Crouch", un dramaturgo que ha escrito una obra abusiva, que tiene un efecto destructivo en todos los involucrados en ella, desde el autor hasta los actores y el público. Crouch quitó el escenario, colocando al público en dos hileras de asientos uno frente al otro, donde se miran unos a otros viendo la obra. Cuatro actores fueron colocados entre el público, contando la historia de la obra abusiva. El elenco original tenía a Vic Llewllyn y Esther Smith como actores, y a Adrian Howells como miembro de la audiencia. Cuando The Author se trasladó al Traverse para el Festival de Edimburgo, Chris Goode asumió el papel de Adrian Howells. En 2011, la obra, con el mismo reparto, se representó en el Teatro Kirk Douglas de Los Ángeles.
El autor dividió a la crítica [18] y al público, y hubo muchas huelgas. [19] La obra en sí provocó esta reacción, incluida una salida escenificada al principio de la acción.
Escribiendo en The Guardian en 2011, Crouch describió las variadas respuestas que el público dio a la obra, en Gran Bretaña y Estados Unidos: "Esta es una obra durante la cual los miembros de la audiencia leyeron periódicos y novelas, construyeron aviones de papel, representaron olas mexicanas, cantaron feliz cumpleaños a uno de los suyos, recitaron poesía, aplaudieron lentamente, amenazaron físicamente a los actores, tararearon en voz alta con los dedos en los oídos, murmuraron obscenidades, gritaron a los actores y arrojaron copias del texto al dramaturgo. Se sabe que el 10% de la audiencia se ha ido durante una actuación; cada salida es un mini drama en la narrativa que se desarrolla del evento. Esta es una obra donde la ausencia de aplausos al final a veces se ha sentido como una bendición y otras veces como una condenación eterna. "Esta es una obra durante la cual un miembro del público se desmayó; los actores insistieron una y otra vez en que no era parte de la actuación, pero todos en el espacio asumieron que sí lo era, incluidos los ujieres". [19]
En 2013, el Teatro Almeida de Londres encargó Qué le pasa a la esperanza al final de la velada , escrita e interpretada por Crouch y Andy Smith (un herrero) y dirigida por Karl James. La obra cuenta la historia de un incómodo reencuentro el sábado por la noche entre dos amigos que se han distanciado. Su oposición se refleja en sus estilos de actuación contrastantes. Mientras Smith se sienta en un atril, lee el guión y reconoce la presencia del público, Crouch intenta crear una obra realista, con una cuarta pared , incluso llevando su propio decorado al escenario.
Al describir la obra a la revista Exeunt, Crouch dijo: "Andy se sienta a un lado del escenario, se presenta y aparentemente cuenta su propia historia. Y frente a él actúa otro personaje ficticio e identificable, que en cierto modo habita el otro tipo de mundo". forma, el otro tipo de mundo. Es un personaje que intenta darle sentido al mundo estando físicamente presente en él en lugar de sentarse a su lado y observarlo, estando físicamente presente en un mundo en el que está trabajando muy duro. "El tira y afloja se genera entre esos dos mundos... Mi personaje es activo: políticamente activo, sexualmente activo, físicamente activo. El personaje de Andy en esta obra es inactivo o reflexivo". [20]
Simon Holton revisó la obra para A Younger Theatre: [21] "Una de las preocupaciones centrales de la pieza es la ausencia y la presencia, el espacio del teatro y el simple acto de estar juntos en ese espacio: qué significa y qué significa". puede hacer el mensaje de esperanza, que resuena alto y claro, sin ser sermoneador ni dogmático, un teatro maravilloso, original y potente" [21].
Crouch y Smith llevaron la obra a Edimburgo, donde se presentó en el Drill Hall Studio para Forest Fringe, [22] del 18 al 24 de agosto de 2013. Joyce McMillan reseñó la obra en The Scotsman: "Como el amigo, en una actuación estupenda de Crouch – se enfurece, se pone de mal humor y bebe y se pone cada vez más nervioso, agresivamente, con la pandilla de niños locales que merodean afuera, gradualmente se hace evidente – en esta brillante pieza de escritura colaborativa de dos maestros creadores – que la disfunción no está toda en un lado. .
"Andy, en su silla, evita constantemente la mirada de su amigo y prefiere dirigirse al público sobre el valor teórico del teatro para unir a las personas. Ha sucumbido a lo que suena como una domesticidad asfixiante con su esposa noruega y su pequeña hija, preguntándole constantemente a su amigo que se quite los zapatos (todos nos quitamos los zapatos) y no fume en la casa. Hay algo vital en la mediana edad masculina aquí, algo en el norte y el sur, algo en la presunción de la satisfacción y el valor activista de la miseria honesta. Y algo de teatro también, aunque sólo sea porque al final de los 70 minutos, los dos siguen ahí, todavía hablando, todavía en el mismo espacio, como no habrían estado si Tim y Andy no hubieran decidido hacer un espectáculo. a cerca de ellos." [23]
La siguiente obra de Crouch, Adler y Gibb , se estrenó en el Royal Court Theatre el 19 de junio de 2014. Al describirla en un vídeo promocional para el Royal Court, Crouch dijo: "La historia de esta obra opera en muchos niveles diferentes. Hay una montaña rusa Una historia moderna sobre dos jóvenes que llegan a una casa abandonada en medio de la nada. En realidad, es un terreno clásico de Scooby-Doo y hay una gran cantidad de historia de fondo sobre un par de artistas conceptuales de Nueva York en los años 80 y 90. A finales de siglo, dejan Nueva York y se instalan en esta casa, y diez años después llegan estos jóvenes. Así que hay elementos de un thriller, supongo, pero también hay muchas ideas en torno a la apropiación. y la autenticidad y el legado, y el impulso que tenemos para poseer cualquier cosa y a todos". [24]
La obra, codirigida nuevamente por Crouch, James y Smith, vio sus experimentos formales más ambiciosos hasta la fecha. El estilo de actuación cambió a lo largo de la obra, que comenzó con la abstracción, mientras los actores miraban al frente, diciendo sus líneas sin gestos, acentos o acciones. Luego pasaron a actuaciones más dimensionales hasta alcanzar el realismo total en la segunda mitad. Crouch describió esto como "una marea de realismo, esta obra: comienza con la marea baja y continúa con la marea alta, en historia y forma". [25] El naturalismo se vio aún más socavado por la presencia de dos niños en el escenario, construyendo un túmulo de tierra e introduciendo accesorios absurdos. Crouch explicó: "Es una punzada de esa estructura absurda que hemos construido a nuestro alrededor en términos de representación: los niños están tan libres de eso. El niño actor – un niño que se hace pasar por otro niño – es un poco estúpido. Son estas cosas las que perturban el naturalismo, como los animales, los niños, las armas, la desnudez: tan pronto como Ian McKellen saca su ventaja en El Rey Lear, El Rey Lear se detiene por un momento". [25]
La obra fue deliberadamente desafiante para el público. Beccy Smith registró una reacción del público en su reseña de Total Theatre: "No quiero tener que trabajar tan duro", se queja un hombre detrás de mí durante el intervalo, "¡Vengo aquí para entretenerme!". [26] Michael Billington en The Guardian lo describió como "un programa que desafía las convenciones narrativas: el hecho es que, durante gran parte de la primera mitad, no entendemos lo que está pasando". [27] Concluyó: "Me encontré creciendo en la pieza, mientras sentía que la forma lúdicamente experimental dominaba el contenido intrigante". [27]
Andrzej Lukowski escribió en Time Out : "Al lunático le han dado las llaves del manicomio: con su nueva obra 'Adler & Gibb', el travieso metateatro Tim Crouch llega desde los límites exteriores para montar una primera obra en la Corte Real. escenario principal histórico. El paso hacia arriba en la escala no está libre de tropiezos, pero en el mejor de los casos, este interrogatorio hilarante, desgarrador y enloquecedor del valor del arte explota con una intención intrépida y una inteligencia penetrante". [28]
La reseña más entusiasta provino del crítico independiente Matt Trueman, quien escribió: "Es apasionante: una especie de road movie a toda velocidad, de socios en el crimen, salpicada de arrogancia al estilo Tarantino y genialidad post-Kerouac... Adler y Gibb es enorme... Abarca un montón de cosas – y esas cosas se sienten absolutamente actuales. Crouch está lidiando – realmente lidiando – con lo que significa existir ahora, en 2014, con nuestra realidad virtual, rodeada de signos y simulacros. , con el pasado regurgitado como referencia y retro. ¿Dónde está la verdad en todo esto? ¿Dónde termina el arte y comienza la realidad? [29]
En la Corte Real, el elenco estaba compuesto por Amelda Brown (Gibb), Brian Ferguson (Sam), Denise Gough (Louise) y Rachel Redford (la Estudiante). Una producción simplificada se presentó en Summerhall durante el Festival de Edimburgo en 2016, y luego fue al Unicorn Theatre de Londres y, en 2017, al Kirk Douglas Theatre de Los Ángeles. El elenco estaba compuesto por Gina Moxley (Gibb), Cath Whitefield (Louise), Mark Edel-Hunt (Sam) y Jillian Pullara (la estudiante). Crouch asumió el papel de Sam para la producción de Los Ángeles. Charles McNulty en el LA Times describió la obra como "una especie de producción de vanguardia que deja de lado lo que ha distinguido el trabajo de Crouch en el pasado: el audaz interrogatorio del papel del público en el evento teatral". [30]
La obra de Crouch de 2019, Total Immediate Collective Imminent Terrestrial Salvation , se estrenó en el Festival Internacional de Edimburgo de ese año, seguida de una presentación en el Royal Court, el Teatro de Bairro Alto, Lisboa y el Centro de Artes Creativas de Attenborough (ACCA), Brighton. Fue codirigido por Andy Smith y Karl James, y utilizó un libro ilustrado por Rachana Jadav. Alex Wood describió la obra en WhatsOnStage: "Nos sentamos, formando un círculo de dos filas de profundidad, mientras se reparten libros verdes ornamentados de tapa dura que contienen el guión. El espectáculo comienza, aparecen los actores y se invita al público a leer y contribuir. pasando páginas en tándem, abordando las líneas de Tim Crouch y asumiendo roles cuando sea necesario. Es una clase de estudios bíblicos: el texto es venerado, vertido (sic). La historia vagamente esbozada, sobre la hora final de un apocalipsis sudamericano. anticipando el culto y su líder Miles, es un punto de entrada inicial para el nuevo espectáculo metateatral de Crouch. Es una comparación clara: ver teatro es, después de todo, una experiencia de culto que tiene que existir con una parroquia de apostadores. varios miembros de la audiencia se ponen de pie y se unen a los actores, la trama gradualmente se va enfocando... Hay algunas similitudes sorprendentes con el trabajo anterior de Crouch, especialmente An Oak Tree, que también utilizó la pérdida de un miembro de la familia para interrogar qué significaba. significa actuar y las diversas y excéntricas formas en que el duelo puede manifestarse. Pero esta pieza se siente menos emocionalmente íntima y más lúdicamente comunitaria: casi se puede sentir la alegría de Crouch al tener miembros del público ingresando a su espacio". [31] Mark Fisher en The Guardian escribió: "La presunción, en este espectáculo formalmente aventurero, Es que el libro parecido a la Biblia que tenemos en nuestras manos, cautivadoramente ilustrado con bocetos a lápiz por Rachana Jadhav, es el mismo libro que determina las acciones de Sol, una joven criada en una comunidad cerrada después de algún desastre ambiental. Interpretada con franqueza y corazón por Shyvonne Ahmmad, ha sido adoctrinada para creer que nada sucederá a menos que se establezca en estas páginas. Es una visión determinista pero, como el libro contiene el guión de la serie, también es la correcta. Mientras se lleve a cabo la actuación, no tenemos el control de lo que sucede. Ni siquiera cuando el público se turna para interpretar los papeles de Sol y su separada madre Anna, interpretada principalmente por Susan Vidler con similar ingenuidad." [32]
En 2022, Crouch escribió e interpretó una nueva obra de teatro unipersonal sobre el Loco en El rey Lear . Como en Inglaterra , la obra se basa en "la idea de una cosa dentro de otra". [33] Durante gran parte de Truth's a Dog, Kennel Crouch, haciéndose el tonto, usa un casco de realidad virtual, un portal a la acción que tiene lugar en un teatro más grande, donde se está llevando a cabo una producción de la obra de Shakespeare. El tonto presencia y describe la obra que le queda. Crouch le dijo a Mark Fisher de The Scotsman que estaba haciendo conexiones entre la temprana salida del tonto de El Rey Lear y el destino del teatro durante la pandemia de Covid: "Se trata de irse... Se trata de los últimos dos y un- medio año, preguntándonos qué estamos haciendo, cómo seguimos, cómo nos reintegramos, qué tan difícil es todo, dónde está el teatro en todo esto y la invasión de lo digital. Esta obra celebra el hecho de que estamos todos juntos. – y que en cada uno de nosotros se encuentra una alternativa de nosotros." [33] En otra entrevista, dijo: "Utilizo El Rey Lear como una especie de texto de apoyo para una idea de teatro que me preocupa y en la que pienso. Y uso la idea del tonto como alguien que está en ese mundo y luego desaparece de ese mundo." [34]
Crouch interpretó la obra por primera vez en agosto de 2022 en el Royal Lyceum Theatre de Edimburgo, como parte del festival complementario. David Kettle lo describió como "una pieza bastante intransigente y desesperada en muchos sentidos: Crouch señala paralelismos entre el mundo fracturado de Lear y nuestros muchos y variados problemas contemporáneos, e incluso se presenta a futuros antropólogos que podrían preguntarse por qué la gente alguna vez se reunía en habitaciones". juntos, como lo hemos hecho todos, ver a otras personas pretender ser otras personas... Genera un inmenso poder acumulativo, planteando preguntas profundas al mismo tiempo que se niega a ofrecer respuestas fáciles". [35] En The Scotsman , Joyce McMillan escribió: "Hay algo brillante, inquietante y trágico en la sugerencia de Crouch de que lo que queda del teatro se ha convertido en un lugar de lucha; entre aquellos que todavía creen plenamente en la experiencia humana compartida como alguna vez lo sabían, y aquellos que sospechan que esos tiempos pueden estar llegando a su fin, siendo reemplazados por formas de conexión digital que ofrecen más y mucho, mucho menos". [36] Deborah Chu en The Observer escribió: "Toda la acción tiene lugar detrás del casco de realidad virtual de Crouch, que nos transmite con aplomo en movimiento. Pero el alcance de su extraña visión también se expande hacia la audiencia, hasta que el teatro se convierte en un microcosmos para el mundo en general, lleno de desigualdad escalonada y crueldades menores disfrazadas de cortesía". [37] En una reseña de 5 estrellas subtitulada 'Exit, alucinante', Hugh Simpson describió la obra como "una pieza exquisitamente profética que aparentemente niega el punto mismo de la creatividad, un himno a la humanidad que insiste en que la humanidad ya lo ha tenido". "Hacer reflexionar sería un eufemismo criminal". [38] La obra ganó un premio Fringe First de The Scotsman. [39]
Truth's a Dog Must to Kennel fue codirigida por Karl James y Andy Smith, con diseño de sonido y música de Pippa Murphy e iluminación de Laura Hawkins. [40]
Además de su teatro para adultos, Crouch ha escrito varias obras para público joven. En 2018, dijo a Theatre Weekly: "Los niños experimentan el teatro todo el tiempo. En sus hogares, en sus patios de recreo, en sus escuelas. La organización del juego narrativo e imaginativo es tan importante para el juego de un niño como lo es para un dramaturgo. dramaturgos naturales en su juego. Creo que es vital que un niño vea que los adultos le repiten el proceso, y con la validación formal de la cultura más amplia. contar historias." [41]
La primera obra infantil de Crouch fue Comprando zapatos , encargada en 2003 por el Departamento de Educación del Teatro Nacional . La obra es una comedia romántica que explora el poder del logo y lo difícil que es resistirse. Siobhan McCluskey, una vegetariana de 13 años con conciencia política, está enamorada de su compañero de estudios, Shaun Holmes, a quien solo le importan sus Nike Air Jordans. Se reúnen tras un encuentro casual con un poco de porquería de perro y un viaje a una bolera. Crouch interpreta la pieza utilizando una plataforma inclinada hacia el público, sobre la que coloca pares de zapatos que representan a los personajes. "Los zapatos nunca están animados como los títeres convencionales, sino que a cada uno se le da tiempo, espacio y, a veces, sonido para afirmarse". [8] Entonces, el padre de Siobhan, Keith, está representado por "sandalias terribles y silbidos alegres". [8] Shopping For Shoes se presentó por primera vez en St Ursula's School, Greenwich, el 18 de junio de 2003. Luego realizó una gira por escuelas de todo el Reino Unido y ganó el premio Brian Way del Arts Council en 2007 .
Para el Festival de Brighton , Crouch ha escrito tres monólogos: Yo, Caliban (2003), Yo, Peaseblossom (2004) y Yo, Banquo (2005), que luego actuaron juntos como la trilogía Hada, Monstruo, Fantasma . [42] Las obras presentan las obras de Shakespeare al público joven volviendo a contar las historias desde el punto de vista de personajes secundarios.
En Yo, Caliban , Crouch es el monstruo de La Tempestad , que se queda solo en la isla después de que todos los personajes se han ido, con una última botella de vino y todavía extraña a su madre. Caliban se presenta al público: "Estás pensando, qué hombre más feo... Bueno, ESTARÍAS FEO SI TUVIERAS UNA VIDA COMO LA MÍA". En Yo, Peaseblossom , es el hada infantil inocente de El sueño de una noche de verano , un personaje que sólo recibe una línea en la obra de Shakespeare. Yo, Banquo es una obra más oscura, para adolescentes, narrada por el mejor amigo asesinado de Macbeth . Crouch aparece en el escenario, "acompañado por Fleance, de 13 años, que toca la guitarra heavy metal, una cabeza cortada y 32 litros de sangre". [43]
La cuarta adaptación de Shakespeare de Crouch, Yo, Malvolio , también fue escrita para adolescentes, una comisión conjunta del Festival de Brighton y el Festival de las Artes de Singapur, donde se proyectó en 2010. Tuvo un gran éxito entre el público adulto en el Traverse en el Festival de Edimburgo 2011. Al igual que la obra anterior de Crouch, El autor , yo, Malvolio es una obra sobre lo que es ser espectador y sobre nuestras responsabilidades como espectadores. En una actuación cercana al monólogo, Crouch aparece como el pomposo mayordomo puritano que desprecia el teatro de Noche de Reyes , tras su humillación al final de esa obra. Con calzoncillos manchados y medias amarillas arrugadas, reprende al público: "Mírense. Sentados ahí con la barriga llena de gaseosa y arenque en escabeche. Riéndose de mí. Continúen. Ríanse del hombre gracioso. Ríanse. Hagan lo gracioso". hombre llora." Su respuesta a las risas del público es un grito recurrente de "¿Te parece gracioso ese tipo de cosas?".
Joyce McMillan, en su reseña de Yo, Malvolio en Scotsman , escribió: "Nunca hay nada menos que completamente adulto en esta abrasadora deconstrucción del conflicto entre Malvolio y... bueno, ¿quién? No sólo los otros personajes, al parecer, sino también nosotros, la audiencia". de chicos y chicas implacables que se divierten, riéndose de la humillación de Malvolio, burlándose de la breve esperanza de amor que disfruta." [44]
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Como parte del Festival Mundial de Shakespeare de 2012, la Royal Shakespeare Company encargó a Crouch escribir y dirigir una pieza complementaria a la producción de Julio César de Gregory Doran . En Yo, Cinna (El poeta) , Jude Owusu interpretó a Cinna, el poeta asesinado por la mafia después de haber sido confundido con un conspirador en la obra de Shakespeare. En la obra de Crouch, Cinna pide a su joven público que "considere la relación entre las palabras y las acciones, el arte y la política, el yo y la sociedad. Durante la actuación, nos pide que escribamos junto a él: un pequeño poema sobre un gran tema". [45]
En una reposición de 2020, dirigida por Naomi Wirthner en el Unicorn Theatre de Londres, Crouch interpretó a Cinna. Entrevistado por Catherine Greenwood, habló sobre cómo la obra había adquirido nuevos significados desde su primera presentación: "2012 fue el año después de los disturbios en Londres, por lo que había una conexión con eso en la producción original. Pero los disturbios se sienten poco a poco, pequeños". escala, en comparación con lo que está sucediendo globalmente ahora y la idea de un país dirigido por un dictador que está manipulando el lenguaje: ¡bienvenido al mundo!... Las palabras en este momento son cosas realmente complejas, resbaladizas, políticamente. Los bebés en ese mundo, y ahora somos adolescentes horrorizados que dicen: ¿ Pueden las palabras realmente tener ese efecto? La gente puede mentir, usando las palabras correctas, mienten y todos simplemente las aceptan. Y eso también ocurre en Julio César de Shakespeare ; todo el curso de la historia con su uso del lenguaje." [46]
En su reseña en The Stage, Sally Hales escribió que "Crouch teje un rico tapiz de significado que abarca la revolución, el republicanismo, la democracia, el poder de la palabra escrita, la libertad y la responsabilidad personal en una era digital... El conjunto de Lily Arnold es respaldado por una gran franja de papel arrugado en el que aparecen las violentas imágenes de vídeo de disturbios de Will Monks durante momentos sorprendentes, acompañadas por el paisaje sonoro de Owen Crouch, que irrumpe desde el casi silencio en ritmos pulsantes e insistentes. Esto, junto con la fascinante narración de Crouch, se combina. para darle al programa un implacable sentido de urgencia". [47]
Melinda Haunton, en el sitio View from the Cheap Seat, escribió: "Es un tributo al éxito de este programa como inspiración creativa que una pegajosa audiencia de adultos y críticos de la noche de prensa garabateó sin parar". [48] Eve Allin, en la revista Exeunt, respondió al desafío poético de Crouch escribiendo su reseña del programa "en sonetos, haikus y coplas". [49]
Además de escribir para el público juvenil, Crouch escribe obras para actores jóvenes. En 2006, el Playhouse (un plan dirigido por Plymouth Theatre Royal, York Theatre Royal y Polka Theatre) le encargó que escribiera una obra de teatro para niños de escuela primaria. Kaspar the Wild , inspirada en Kaspar Hauser , es una historia sobre el misterioso niño salvaje, encontrado vagando con ropa desaliñada y zapatillas de deporte, que se une a sus compañeros de sexto año en una tranquila escuela de un pueblo. La obra, interpretada por niños a coro, está escrita en verso: "¿Qué hacemos con un niño tan necesitado/ Que se niega a aprender o a crecer o a prosperar?/ ¿QUÉ HACEMOS?/ Lo enviamos a la escuela, eso es lo que hacemos."
Una actriz entrevistada para el tráiler de una producción de 2011 en Plymouth dijo: "La obra es genial porque los narradores dicen cosas como '¿Qué piensas?' Y la mayoría de las obras te dicen qué pensar. Además, rima, lo cual es realmente genial". [50]
John, Antonio y Nancy es una obra de 2010 para tres jóvenes actores adolescentes, encargada por el Royal Court Theatre como parte de Rough Cuts. La obra fue dirigida por Maria Aberg e interpretada por el hijo de Couch, Joey, Ella Campbell y Kieran Mulligan. Se estrenó en el Theatre Local, Elephant & Castle, y también se presentó en el Nightingale Theatre, Brighton, como parte de Brighton Fringe 2011. Los artistas, vestidos con corbatas rojas, azules y amarillas, interpretan a John Brown, Antonio Clegg y Nancy Cameron, los niños. de los tres líderes de los partidos en las elecciones británicas de 2010. En la obra, Crouch deconstruye el lenguaje utilizado en los debates televisados poniendo citas de los líderes en boca de sus hijos. Así, "'La semana pasada conocí a una viuda en Portsmouth' de Gordon Brown se convierte, en boca de su hijo, en 'La semana pasada, mi padre conoció a una viuda en Portsmouth'". El efecto acumulativo de las declaraciones es cómico, "destacando lo absurdo del lenguaje 'amigable con los medios'". [51]
En 2018, Crouch escribió Principiantes , una obra de teatro interpretada por y para niños y adultos. "Cuenta la historia de tres familias atrapadas en una casa de vacaciones inundada durante el verano. Los niños están aburridos. Los adultos están en el pub. Hasta ahora todo normal". [52] Crouch le dijo al Evening Standard: "Lo escribí porque mis hijos han crecido. Amo a los adultos en los que se han convertido, pero extraño a los niños que eran. A veces creo que veo a los niños que eran en los adultos que eran. Me he convertido y eso me hace desmesuradamente feliz y también inconsolablemente triste". [53]
La obra, dirigida por Crouch, se representó por primera vez en el Unicorn Theatre de Londres en marzo de 2018. El elenco estaba compuesto por cinco actores adultos (Pandora Colin, Rob Das , Jacqui Dubois, Neil D'Souza y Amalia Vitale) que interpretaban a los niños, sus padres y un perro. Los niños también fueron encarnados por cuatro jóvenes actores, con papeles compartidos por Atinuke Akinrinade, Ethan Dattani, Nekisha Eric, Rowan Davies-Moore, Archie MacGregor, Ella Scott, Emilija Trajkovic y Milan Verma. Principiantes fue diseñado por Chloe Lamford y Camilla Clarke con música de Nick Powell. [52]
Miriam Gillinson, en Time Out , describió la obra como "una pieza de teatro infantil propiamente adulta que atraviesa generaciones... A Crouch le gusta burlarse de su audiencia... poner a prueba nuestros sentidos y, en general, alterar nuestras cabezas. El verdadero Lo emocionante aquí es que Crouch aplica exactamente estos mismos métodos a su espectáculo familiar y lo logra de manera brillante... El escenario se entrega gradualmente a los cuatro talentosos jóvenes actores... Sus esperanzas y sueños llenan el espacio... y nosotros "Nos damos cuenta de que estas son realmente nuestras esperanzas y sueños, sólo que más frescos y libres". [54] Maddy Costa, en Exeunt, describió a Beginners como "complejos y llenos de matices, resbaladizos y astutos, frecuentemente hilarantes, densamente poéticos, a menudo desconcertantes para mis hijos, pero un agradable desafío a sus poderes de deducción". [55] Lyn Gardner, en The Guardian , escribió que la obra "opera como un misterio de asesinato travieso pero con textura emocional, pero sin cuerpo. En cambio, investiga cómo se mata la infancia... El placer en la obra cada vez más divertida de Crouch es en la forma en que... gradualmente amplía el espacio físico y metafísico. Al verlo –y el juego dentro del juego que los niños representan– ampliamos nuestra creencia en lo que es posible y en cómo podemos superar lo que la vida nos depara. [56] Sin embargo, la crítica de The Evening Standard , Fiona Mountford, "luchaba constantemente por determinar si los personajes que estábamos viendo eran adultos o niños". [57]
En 2022, Crouch's escribió Superglue para el festival de teatro juvenil National Theatre Connections . La obra invirtió la estructura de Principiantes , con actores infantiles interpretando ahora a adultos, encarnados por la presencia de personas mayores. Según el listado del Teatro Nacional, "Superglue cuenta la historia de un grupo de activistas climáticos que se reúnen en un cementerio en el bosque para despedirse de un amigo que murió durante una protesta. Mientras se reúnen, levantan pancartas y hablan de su pasado y sus futuros, sobre la acción pacífica versus la acción violenta, sobre cómo la sociedad los desestima y subestima su causa. Inicialmente, creemos que estos activistas tienen la edad de los actores que los interpretan. Poco a poco, nos damos cuenta de que esta es la historia de un grupo de acción climática de edad avanzada. - personajes mayores interpretados sin imitación por actores jóvenes. Se establecen paralelos entre la vejez y la adolescencia en una obra que invita suavemente a una comprensión intergeneracional del futuro de nuestro planeta." [58]
La obra se representó por primera vez en febrero de 2022 en el Young Peoples' Theatre de Newcastle. [59] En abril se presentó una segunda producción del Croydon Youth Theatre en Southwark Playhouse . [60]
En 2019, Crouch colaboró con Toby Jones , escribiendo Don't Forget the Driver , una serie de comedia de seis capítulos para la BBC. Ambientada en Bognor Regis, la serie cuenta "la historia del conductor de autocar y padre soltero Peter Green (Jones). La suya es una vida de rutina ordinaria: corbatas, almuerzos empacados, revisiones de vehículos, viajes en autocar de ida y vuelta transportando grupos de iglesias. a santuarios de burros y turistas japoneses a la catedral de Canterbury". [61] Crouch describió la serie como "una canción de amor para Bognor. Es de donde vengo y es en gran medida lo que soy... La serie trata sobre un momento en el que una vida aparentemente pequeña interactúa con el mundo más amplio. Bognor se encuentra en las afueras de Inglaterra, mirando hacia Europa. Lo conozco desde los años sesenta y ha cambiado con los tiempos. Una población migrante ha enriquecido su cultura... El mundo moderno ha llegado y, sin embargo, Bognor todavía tiene el aire inconfundible. de una ciudad costera que conserva sus valores tradicionales, es como si dos ríos se unieran: un pasado a veces mal recordado y un futuro desconocido. Bognor se ha convertido en un buen lugar para explorar muchos de los temas de identidad nacional que afectan a nuestro país". [62]
Como creador de teatro experimental, a Crouch le gusta colaborar con otras compañías y formas de arte. May es una colaboración de 2011 entre Crouch y la compañía de danza Probe, [63] interpretada por los bailarines Antonia Gove y Ben Duke con música de Scott Smith. Crouch proporcionó un mensaje de texto sobre May, una hermosa chica que se autolesiona, y Gregory, su tímido novio. Jake Orr revisó la pieza: "El efecto general es el de una ternura que se encuentra y choca con el caos. El diálogo de Crouch está trastornado por la incapacidad de los personajes para expresarse, que luego se explora a través de la danza". [64]
En 2012, Crouch fue invitado por la compañía de teatro holandesa Kassys [65] a colaborar, junto con el Nature Theatre of Oklahoma] [66] y Nicole Beutler [67] en Cadavre Exquis , un proyecto inspirado en el juego de salón surrealista, Delicious Corpse. . Un Cadavre Exquis es un poema (o un dibujo) escrito por varios poetas, sin saber lo que han escrito los demás. "El primer escritor escribe una línea de poesía en una hoja de papel. Luego dobla el papel de tal manera que sólo se ve la última palabra. El segundo escritor continúa." [68] Las reglas establecidas para el proyecto de teatro eran que "Cada director hace una parte que tiene una duración máxima de 15 minutos. Como punto de partida, cada director sólo ve los últimos 60 segundos de la parte anterior. Cada director trae a un intérprete". [68] Crouch, que trajo a Hannah Ringham, de INGLATERRA , como su intérprete, escribió: "Cadavre Exquis magnifica el proceso del aquí y ahora. Nos lanza a los brazos de una respuesta, que se siente como la forma más productiva de trabajar". . El proyecto también eleva a su público al no tener pleno control de sí mismo. Al descuartizar la tradicional unidad de intención, los creadores del teatro se vuelven tan asociativos como el público. [68]
Las obras de Crouch se han traducido a muchos otros idiomas y se han producido en Italia, Francia, Portugal, Polonia, República Checa, Alemania, Brasil, Canadá, Australia, Estados Unidos y Corea del Sur. Las obras son textos ambientados en escuelas y facultades de teatro, y está surgiendo una nueva generación de creadores de teatro experimental "crouchianos". Little Bulb y Made in China son dos empresas que han citado a Crouch como influencia. Chris Goode y A Smith, quienes han trabajado con Crouch, y Michael Pinchbeck también exploran áreas similares del metateatro . [69] [70] [71] [72] [73]
Crouch también trabaja como director ocasional. Para la Royal Shakespeare Company , de Stratford, ha dirigido producciones de La fierecilla domada , en 2011, El rey Lear y su propia obra Yo, Cinna (el poeta) , ambas en 2012. En febrero de 2016, dirigió la obra de Gary Owen. para niños, Jeramee, Hartleby y Ooglemore , en el Unicorn Theatre de Londres.
En 2016, Crouch adaptó y dirigió The Complete Deaths de Spymonkey , en la que se representaron las 75 muertes en el escenario de las obras de Shakespeare. Después de los avances en el Royal & Derngate de Northampton, The Complete Deaths se estrenó en mayo en el Theatre Royal Brighton como parte del Brighton Festival . Al revisar el programa en The Stage , Natasha Tripney escribió: "La combinación de Spymonkey con el director Tim Crouch resulta ser inspirada. El programa contiene momentos de brillantez física pero también una reutilización igualmente entretenida de tropos de arte en vivo... Los mejores momentos Es entonces cuando logra sentirse como un espectáculo de Spymonkey y una producción de Tim Crouch al mismo tiempo, una unión sangrienta de payasadas y algo más inquisitivo sobre la puesta en escena de la muerte: la extinción de la vida y la luz. Pero nunca se quita la lengua del todo. desde su mejilla; el objetivo principal de la producción es hacer reír a su audiencia, lo cual sucede a menudo. Nos reímos con ellos ante la muerte". [74]
En una entrevista con Duška Radosavljević, Tim Crouch habló sobre la importancia de "liberar restricciones" para su proceso creativo:
"Si tienes una buena restricción, es realmente fácil: tengo que hacer una obra que incluirá a un actor que no conoce la obra, y de repente empiezan a inundarme ideas sobre dispositivos y modelos para impartir carácter". [75]
Una de las características recurrentes del trabajo de Crouch es la creación de momentos incómodos para el público. En un momento de My Arm , el narrador, al describir su primer recuerdo de un ejercicio de fuerza de voluntad, dice: "Para ese momento, tenemos que ir al gran silencio de 1973". Crouch sigue esto guardando un "silencio mucho más largo de lo soportable". [8] De manera similar, en un momento de An Oak Tree , Crouch deja al segundo actor solo en el escenario durante un período de tiempo incómodo. La inquietud se lleva al extremo en El autor , donde los miembros de la audiencia tienen la libertad de marcharse. En 2005, Crouch dijo al Herald Scotland : "La inquietud no es una emoción que sienta a menudo en el teatro y me gusta. Prefiero tener esa respuesta visceral a algo que simplemente sentarme a ver una obra de teatro hecha por personas que estamos haciendo teatro." [76]