Clyfford Still (30 de noviembre de 1904 - 23 de junio de 1980) fue un pintor estadounidense y una de las figuras principales de la primera generación de expresionistas abstractos , que desarrolló un nuevo y poderoso enfoque de la pintura en los años inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial . A Still se le atribuye el mérito de sentar las bases del movimiento, ya que su cambio de la pintura figurativa a la abstracta se produjo entre 1938 y 1942, antes que sus colegas como Jackson Pollock y Mark Rothko , que continuaron pintando en estilos figurativos- surrealistas hasta bien entrada la década de 1940. [2]
Still nació en 1904 en Grandin, Dakota del Norte y pasó su infancia en Spokane, Washington y Bow Island en el sur de Alberta, Canadá . En 1925 visitó Nueva York, estudiando brevemente en la Art Students League . Asistió a la Universidad de Spokane de 1926 a 1927 y regresó en 1931 con una beca, graduándose en 1933. Ese otoño, se convirtió en profesor asociado, luego miembro de la facultad en el Washington State College (ahora Washington State University ), donde obtuvo su título de Máster en Bellas Artes en 1935 y enseñó hasta 1941. [3] Pasó los veranos de 1934 y 1935 en la Fundación Trask (ahora Yaddo ) en Saratoga Springs , Nueva York.
En 1937, junto con su colega del estado de Washington, Worth Griffin, Still cofundó la Colonia de Arte Nespelem , que produjo cientos de retratos y paisajes que representaban la vida de los nativos americanos de la reserva india de Colville a lo largo de cuatro veranos. [4]
En 1941, Still se trasladó a la zona de la bahía de San Francisco , donde trabajó en diversas industrias bélicas mientras se dedicaba a la pintura. En 1943, realizó su primera exposición individual en el Museo de Arte de San Francisco (actualmente Museo de Arte Moderno de San Francisco ). Enseñó en el Instituto Profesional de Richmond (RPI), actualmente Universidad Commonwealth de Virginia , de 1943 a 1945, y luego se trasladó a la ciudad de Nueva York.
Mark Rothko, a quien Still había conocido en California en 1943, le presentó a Peggy Guggenheim , quien le ofreció una exposición individual en su galería, The Art of This Century Gallery , a principios de 1946. Al año siguiente, Guggenheim cerró su galería y Still, junto con Rothko y otros expresionistas abstractos, se unió a la galería Betty Parsons .
Still regresó a San Francisco, donde se convirtió en un profesor muy influyente en la Escuela de Bellas Artes de California (ahora Instituto de Arte de San Francisco ), enseñando allí desde 1946 hasta 1950. [5] En 1950, se mudó a la ciudad de Nueva York, donde vivió la mayor parte de la década, [6] el apogeo del expresionismo abstracto, pero también una época en la que se volvió cada vez más crítico del mundo del arte. A principios de la década de 1950, Still rompió lazos con las galerías comerciales. En 1961 se mudó a una granja de 22 acres cerca de Westminster , Maryland , alejándose aún más del mundo del arte. [7] Still usó un granero en la propiedad como estudio durante los meses de clima cálido. En 1966, Still y su segunda esposa compraron una casa de 4300 pies cuadrados en 312 Church Street en New Windsor, Maryland , a unas ocho millas de su granja, donde vivió hasta su muerte. [8] [9] [10]
Still se casó con Lillian August Battan alrededor de 1930. Tuvieron dos hijas, nacidas en 1939 y 1942. La pareja se separó a fines de la década de 1940 y se divorció en 1954. En 1957, Still se casó con Patricia Alice Garske, quien había sido una de sus alumnas en Washington State y era dieciséis años menor que él. [8]
Still, que desarrolló su estilo característico en San Francisco entre 1946 y 1950 mientras enseñaba en la Escuela de Bellas Artes de California, es considerado uno de los pintores de campos de color más destacados : sus pinturas no figurativas no son objetivas y se centran principalmente en la yuxtaposición de diferentes colores y superficies en una variedad de formaciones. A diferencia de Mark Rothko o Barnett Newman , que organizaban sus colores de una manera relativamente simple (Rothko en forma de rectángulos nebulosos, Newman en líneas finas sobre vastos campos de color), las disposiciones de Still son menos regulares. De hecho, fue uno de los pocos pintores que combinó prácticas de pinturas de campos de color con las de pinturas gestuales y de acción . [11] Sus destellos irregulares de color dan la impresión de que una capa de color ha sido "arrancada" de la pintura, revelando los colores que se encuentran debajo. Otro punto de partida con Newman y Rothko es la forma en que se coloca la pintura sobre el lienzo; Mientras que Rothko y Newman usaban colores bastante planos y pintura relativamente fina, Still usa un empaste espeso , lo que provoca una variedad sutil y sombras que brillan en las superficies de la pintura. Sus grandes obras maduras recuerdan formas naturales y fenómenos naturales en su forma más intensa y misteriosa; estalagmitas antiguas, cavernas, follaje, vistos tanto en la oscuridad como en la luz, le dan riqueza poética y profundidad a su trabajo. En 1947, había comenzado a trabajar en el formato que intensificaría y refinaría durante el resto de su carrera: un campo de color a gran escala aplicado con espátulas. [12] Entre las pinturas más conocidas de Still se encuentra 1957-D No. 1, 1957 (derecha), que es principalmente negro y amarillo con manchas de blanco y una pequeña cantidad de rojo. Estos cuatro colores y variaciones de ellos (púrpuras, azules oscuros) predominan en su obra, aunque hay una tendencia a que sus pinturas utilicen tonos más oscuros.
En 1943, la primera exposición individual de Still tuvo lugar en el Museo de Arte de San Francisco . En 1947, Jermayne MacAgy, subdirector del Palacio de la Legión de Honor de California , le dio una muestra individual allí. El artista luego rechazó todas las exposiciones públicas desde 1952 hasta 1959. [13] Una primera retrospectiva integral de Still tuvo lugar en la Galería de Arte Albright-Knox , Buffalo, Nueva York, en 1959. Exposiciones individuales posteriores de las pinturas de Still fueron presentadas por el Instituto de Arte Contemporáneo de la Universidad de Pensilvania en Filadelfia en 1963 y en la galería Marlborough-Gerson , Nueva York, entre 1969 y 1970. En 1975, una instalación permanente de un grupo de sus obras se inauguró en el Museo de Arte Moderno de San Francisco . [14] En 1979, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York organizó la mayor muestra del arte de Still hasta la fecha y la mayor presentación ofrecida por esta institución al trabajo de un artista vivo.
Still recibió el Premio al Mérito de Pintura en 1972 de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras , de la que se convirtió en miembro en 1978, y la Medalla Skowhegan de Pintura en 1975. [14]
En 1978, Still escribió un testamento en el que le dejaba una parte de su obra, junto con sus archivos, a su esposa Patricia y declaraba: "Doy y lego todas las obras de arte restantes ejecutadas por mí en mi colección a una ciudad estadounidense que aceptará construir o asignar y mantener un lugar permanente exclusivamente para estas obras de arte y asegurará su supervivencia física con el requisito explícito de que ninguna de estas obras de arte se venderá, regalará o intercambiará, sino que se conservarán en el lugar descrito anteriormente, asignado exclusivamente a ellas a perpetuidad para su exhibición y estudio". [8] Después de la muerte de Still en 1980, la colección Still de aproximadamente 2.400 obras estuvo completamente cerrada al acceso público y académico durante más de veinte años.
En agosto de 2004, la ciudad de Denver , Colorado, anunció que había sido elegida por Patricia Still para recibir las obras de arte contenidas en el Patrimonio de Clyfford Still (aproximadamente 825 pinturas sobre lienzo y 1575 obras sobre papel: dibujos e impresiones de bellas artes de edición limitada). El Museo Clyfford Still , una organización independiente sin fines de lucro, abrió sus puertas bajo la dirección de Dean Sobel en noviembre de 2011. El museo también alberga los archivos completos de Still de cuadernos de bocetos, diarios, cuadernos, la biblioteca del artista y otros materiales de archivo, heredados tras la muerte de Patricia Still en 2005. [15]
El edificio fue diseñado por Allied Works Architecture, dirigido por Brad Cloepfil . [16] [17] El museo es reconocido como una implementación exitosa de la arquitectura contemporánea y un ícono para la ciudad de Denver. [18] Del 24 de enero al 17 de abril de 2016, el Museo de Arte de Denver organizó una exhibición temporal llamada "Case Work", que mostró el proceso de diseño utilizado para este museo y otras obras importantes de Allied y Cloepfil. [19] [18] Después de Denver, se planeó que la exhibición se exhibiera en el Museo de Arte de Portland y luego se embarcara en una gira internacional de dos años. [20]
En marzo de 2011, un tribunal de Maryland con jurisdicción sobre el patrimonio de Patricia Still dictaminó que cuatro de las obras de Still podían venderse antes de que se convirtieran oficialmente en parte de la colección del museo. [21] En noviembre de 2011, Sotheby's en Nueva York vendió las cuatro obras: PH-351 (1940) por 1,2 millones de dólares, 1947-Y-No. 2 (1947) por 31,4 millones de dólares, 1949-A-No. 1 (1949) por 61,7 millones de dólares y PH-1033 (1976) por 19,6 millones de dólares. [22] Las ganancias de las ventas, 114 millones de dólares, se destinaron al Museo Clyfford Still "para apoyar su dotación y los gastos relacionados con la colección". [21] [22] En la década anterior a la venta, solo 11 de las obras de Still salieron a subasta. [22] El Museo Clyfford Still abrió sus puertas el 18 de noviembre de 2011.
En diciembre de 2011, un visitante del museo fue acusado de causar daños por valor de 10.000 dólares a la pintura al óleo 1957-J nº 2 de Still . [23]
En 2013 se inauguró el Centro de Investigación del Museo Clyfford Still, cuyo objetivo es explorar el período del arte y la historia en el que trabajó el pintor abstracto. Los planes incluyen un programa de becas, publicaciones académicas interdisciplinarias y simposios de investigación. [24]
"Nunca quise que el color fuera color. Nunca quise que la textura fuera textura, ni que las imágenes se convirtieran en formas. Quería que todas ellas se fusionaran en un espíritu vivo".
"Es intolerable que el borde de un marco nos detenga." [26]
"No me interesa ilustrar mi época. El 'tiempo' de un hombre lo limita, no lo libera verdaderamente. Nuestra época es una época de ciencia, de mecanicismo, de poder y de muerte. No veo sentido alguno en añadir a su mecanismo de poder y de muerte. No veo sentido alguno en añadir a su arrogancia gigantesca el complemento de un homenaje gráfico." [27]
"¿Cómo podemos vivir y morir y nunca saber la diferencia?"
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