Saturnino Herrán Guinchard (9 de julio de 1887 - 8 de octubre de 1918) fue un pintor mexicano influyente en la cultura latina de finales del siglo XIX y principios del XX.
Saturnino Herrán se crió en Aguascalientes , una ciudad del centro-norte de México con una marcada cultura española. Su padre era dueño de "la única librería de la ciudad" y era profesor de contabilidad en la Academia de Ciencias. [1] A los diez años, era excepcional en dibujo, pintura y dibujo técnico . En 1903, cuando tenía dieciséis años, su padre murió. Dos años más tarde, la familia se mudó a la Ciudad de México , donde estudió más pintura y comenzó a enseñar.
A los 25 años conoció a Rosario Arellano, su futura esposa, quien ocasionalmente actuó como modelo de figuras para piezas como Mujer en Tehuantepec (1914). En el apogeo de su carrera, en 1914, se casaron. Se sabe poco sobre su matrimonio, excepto que parecía ser "congruente" e "ilustrado". [2] Juntos tuvieron un hijo, José Francisco.
Herrán realizó majestuosas pinturas de indígenas mexicanos, a los que les dio fuerza heroica, belleza y dignidad. En 1910, participó en la exposición conmemorativa del Centenario de la Independencia de México . Durante su carrera surgió el deseo de ser pintor muralista y en 1911 realizó pinturas por encargo de gran formato, similares a murales.
Herrán murió repentinamente en la Ciudad de México el 8 de octubre de 1918, a la edad de 31 años, "por una complicación gástrica". [ cita requerida ]
En 1901 Herrán comenzó a tomar lecciones de dibujo en la Academia de Ciencias de Aguascalientes donde trabajaba su padre. José Inés Tovilla y Severo Amador le ayudaron a enseñarle tanto dibujo como pintura. [ cita requerida ] En 1903, su padre murió. Él y su madre se mudaron a la Ciudad de México, donde trabajó en una oficina de telégrafos para mantenerla y tomó clases de Julio Ruelas en la Academia de San Carlos . [ 3 ] Luego estudió dibujo con Antonio Fabres, un pintor catalán y color con el colorista mexicano Germán Gedovius. Su trabajo estaba altamente inspirado en las teorías europeas del arte moderno, incluida la estética griega y romana y un alto grado de naturalismo . Fue un "estudiante sobresaliente" que recibió "menciones honoríficas" en múltiples cursos. [ cita requerida ] Herrán se sumergió en el arte mexicano, mezclándolo con su formación en la técnica académica europea, ya que veía el arte como una experiencia espiritual.
Sus primeras pinturas mostraban figuras como alegorías de la naturaleza e incluían la mitología española y escenas de gente común trabajando, agotada u optimista. En 1908 alcanzó el éxito y el reconocimiento dentro de la comunidad artística y comenzó a ganar premios además de becas. En 1909 se convirtió en profesor de dibujo en el Instituto Nacional de Bellas Artes , donde tuvo como alumnos a Diego Rivera y Roberto Montenegro . En 1910, rechazó una beca para estudiar en Europa y aceptó un trabajo como dibujante en el Departamento de Inspección de Monumentos Arqueológicos. [ cita requerida ]
En 1910, Herrán alcanzó un mayor éxito cuando participó en el Centenario de la Independencia de México . Junto con su colega artista José Orozco , formó la Sociedad de Pintores y Escultores Mexicanos y organizó una contraexposición al Centenario que incluía arte puramente mexicano. Incluía su tríptico La leyenda de los volcanes. Las piezas de Herrán se asociaron con la obra de Velázquez y José de Rivera , con su propia influencia del modernismo catalán . La exposición fue tan popular que la entrada tuvo que ser controlada por la policía. Esta exposición impresionó a José Vasconcelos , el futuro Secretario de Educación de México después de que fuera revolucionada. Después de ver la exposición, le encargó a Herrán que hiciera un mural a gran escala en la Escuela de Artes y Oficios en 1911. [3]
Además de profesor, Herrán fue un activista del arte moderno, muralista, ilustrador de libros, dibujante y colorista de vitrales . Si bien su obra tenía influencias de México, España y Cataluña, no se desvinculó por completo del estilo tradicional europeo en el que se formó para pintar. Herrán, al ser de ascendencia mixta, reconoció la multitud de razas que encarnaba México y pintó a personas en hábitats naturales, capturando su fuerza, dignidad y belleza inherente. Esta constatación fue parte de un movimiento llamado "indigenismo", un movimiento que exigía una elevación social, una identidad personal desarrollada que está inextricablemente vinculada a una plétora de razas latinas. Su generación lo marcó como uno de los pintores que "encarnaban el alma de las naciones". [4]
La ofrenda (1913) ejemplifica el modernismo mexicano con su alusión alegórica al viaje de la vida. Muestra una barca en un canal lleno de flores de zempasúchitl, una caléndula que tradicionalmente se asocia con la muerte. [ cita requerida ] Se presentan un bebé, un hombre joven y un anciano que ofrecen flores para los muertos. Esta es una referencia a la ofrenda , una tradición profundamente conectada con el Día de los Muertos de México , una celebración de la ascendencia que se dice que conecta a los vivos con los muertos. Cada personaje representa una etapa diferente de la vida, pero todos siguen el mismo destino final y respetan su curso. Cuando Herrán murió, su esposa viuda solicitó La ofrenda, pero fue llevada al Instituto Nacional de Bellas Artes. Las obras de Herrán dieron crédito a la "belleza espiritual de los pueblos nativos de México en exquisitos dibujos de indios cuyas siluetas lánguidas se destacan contra fondos libremente interpretados de esculturas precolombinas ". [4] Véase: El Mantón (1916) y Criolla con Mantilla (1917-1918).
En ese momento de su carrera, Saturnino finalmente se convirtió en muralista. "El arte mural sería, por definición, revolucionario y marxista, nacionalista e indígena. En este arte, de manera bastante maniquea, las fuerzas del bien (las mencionadas) se enfrentan a las fuerzas del mal, representadas por España, el catolicismo y los conquistadores y, en los tiempos modernos, el capitalismo" [5]. Estas ideologías fueron pintadas por sus compañeros artistas Orozco y Rivera, lo que los hizo ilustres en el mundo del arte. Como se mencionó anteriormente, continuó creando murales por encargo para la Escuela de Artes y Oficios. Sus obras fueron utilizadas como modelo para futuros muralistas a lo largo de las décadas de 1920 y 1930.
En el famoso tríptico de Herrán Nuestros Dioses (1914-1918), mostró a la legendaria diosa azteca Coatlicue , quien, según la leyenda, dio a luz al sol, la luna y las estrellas. Fue encargado para el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. El mural tiene dieciséis pies de alto con múltiples paneles. Las razas latinas y caucásicas se muestran en ambos lados, pero atrae la atención del espectador para interactuar con el panel central, Coatlicue Transformada . Jesucristo , Dios de los primeros cristianos, está en el centro de la diosa. Manos, corazones, calaveras y cruces se muestran junto con lirios, que son representativos de la espiritualidad cristiana. La pieza es una fusión de ambas culturas, ya que todas las razas de ambos lados están giradas para adorar a una figura divina con una referencia azteca y una europea a un poder superior. Cristo y Coatlicue se fusionan en "una expresión vívida de su tema sobre la mezcla de las dos razas" [4] Nuestros dioses es posiblemente la obra más grande e infame de Herrán debido a su profundo llamado al espectador a aceptar a los demás, pensar espiritualmente y unificar dos culturas. Nunca se completó por completo ya que trabajó en ella hasta el día de su muerte. Debido a su clara habilidad con el dibujo, algunos de los contemporáneos de Herrán criticaron su estilo, calificando sus pinturas de "dibujos pintados" o "afeminados", pero otros creen que su "soberbio dibujo de la figura humana [proporcionó] la fuerza de su mejor trabajo". [1]
Saturnino allanó el camino para artistas como Orozco y Rivera al crear obras maestras con un significado profundo y relatable. Estilísticamente, pintó sus puntos fuertes y utilizó técnicas bien cultivadas de años de aprendizaje con influencia española, europea y catalana. Herrán utilizó pinceladas libres sobre sus dibujos para capturar vibraciones de luz. Difuminó ciertos colores de fondo para crear ambiente. Prefirió contornos fuertes, imágenes dinámicas y colores equilibrados. "El refinamiento del dibujo de Herrán y el uso del color equilibran las imágenes naturalistas en estas obras que combinan el dibujo con la acuarela, una técnica adaptada de pintores españoles como Néstor de la Torre". [4] Además de integrar técnicas bien desarrolladas, su trabajo muestra un profundo conocimiento de la psique humana. Su arte vincula la eminencia y la dignidad con la herencia mexicana. Ha aportado un profundo significado a la enseñanza del valor de la aceptación cultural y brinda una perspectiva de la brevedad de la vida humana con la que cada espectador puede identificarse.
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