Samizu Matsuki (16 de marzo de 1936 – 4 de agosto de 2018) fue un artista y educador japonés. [1]
Ganó la Medalla de Oro en la Primera Exposición Internacional de Arte de Nueva York de 1970, [2] el Gran Premio en la Exposición de Arte de Locust Valley de 1971 [2] en Long Island, Nueva York, y el Premio a la Excelencia en la Exposición de Arte Abraham & Straus-Hempstead, "Long Island Art '74" [3] por sus exploraciones del Realismo Clásico . Matsuki fue la primera mujer miembro del Club Salmagundi . [1]
Matsuki nació el 16 de marzo de 1936 en Uryū , Hokkaidō , Japón , hija de los educadores Satoru y Masue Matsuki. [1] La oposición de su padre Satoru a la participación de Japón en la Segunda Guerra Mundial condujo a represalias oficiales que lo obligaron a esconderse y su familia fue de pariente en pariente en la subprefectura de Iburi durante la mayor parte de la guerra. Después de la rendición de Japón, los conocidos sentimientos antibélicos de Satoru resultaron en que se le diera un puesto de liderazgo educativo, trató de aplicar las innovaciones de la educadora estadounidense Ruth Benedict y el filósofo John Dewey al sistema educativo japonés. La familia vivió en varios lugares de Hokkaidō, finalmente en la ciudad turística de Noboribetsu , famosa por sus paisajes y aguas termales. Los antepasados lineales de Matsuki se habían mudado al sur de Hokkaidō a fines del siglo XIX.
Matsuki recibió una beca para la Facultad de Pintura Occidental de la Escuela de Bellas Artes de Mujeres (ahora conocida como Universidad de Arte y Diseño Joshibi ), Tokio. Se graduó en 1958 con una licenciatura en Artes . Su trabajo de graduación "Daphne" (óleo, aproximadamente 4' por 5'), está en la colección del Centro Cultural Noboribetsu, Hokkaidō, Japón. La pintura sufrió cierta notoriedad por su sensualidad; brevemente retirada de la vista, reapareció misteriosamente en la pared de exhibición a la mañana siguiente. Sus dos trabajos como maestra, uno en una escuela primaria en el distrito de Itabashi en 1959, el otro en la escuela secundaria Shimura Daisan en Tokio en 1960, iluminaron para ella la maleabilidad de los niños según el llamado del crítico de arte e historiador Herbert Read a la originalidad y la creatividad.
Fue miembro activa del Sindicato de Maestros de Tokio. En 1960, la revista Teachers Union Monthly publicó una presentación y una conferencia que Matsuki dio en el distrito de Bunkyo en Tokio, donde, hablando en nombre de los maestros del distrito de Itabashi , de clase más trabajadora , pidió la adopción en todo el sistema educativo japonés de los principios educativos expuestos por Read en su libro Education Through Art (La educación a través del arte) .
En 1961, Matsuki se casó con el aviador estadounidense Herman Berry en la embajada de Estados Unidos en Tokio. Abandonaron Japón en 1962 y durante los siete años siguientes vivieron en bases aéreas de Europa y Estados Unidos. Cuando enviaron a su marido a Pakistán, Matsuki pasó dieciocho meses con los parientes de Berry, donde pintó retratos de los residentes de su remota comunidad montañosa de los Apalaches, en el oeste de Carolina del Norte.
A su regreso, pasaron cuatro años en la base aérea de Spangdahlem, en Alemania. Durante este período (de 1964 a 1968), Matsuki visitó Roma y pintó retratos por encargo de cinco oficiales de la Fuerza Aérea y sus esposas, y recibió el encargo del Club de Oficiales del 49.º Escuadrón Táctico de pintar un retrato del recientemente fallecido as de la aviación de la USAF , Richard Bong .
Matsuki se fue desilusionando cada vez más con su matrimonio. En 1969 se divorció de Berry mientras vivían en la Estación de la Fuerza Aérea de Calumet, en el norte de Michigan. Un cáncer de útero la obligó a someterse a una histerectomía a los 32 años. Pasó ese verano en Albany, Oregón, donde presentó el diseño ganador para el logotipo del Carnaval de la Madera de los Jaycees de Albany de 1969. Como se trataba del 25.º aniversario del carnaval, el tema era "pasar la antorcha". El dibujo de Matsuki, que se muestra aquí en la chapa del carnaval, muestra a un leñador joven con casco y motosierra y a un leñador mayor con gorro de lana y hacha, de pie detrás de un tronco corto cubierto de corteza. El leñador joven tiene un brazo alrededor del hombro de su mayor en un gesto de camaradería.
En 1970, cuando se enteró de que pasarían seis años antes de que la declararan libre de cáncer, se sumergió en la escena cultural de las bellas artes de Nueva York. En 1975, sus exploraciones del realismo clásico le valieron una medalla de oro en la Primera Exposición Internacional de Arte de Nueva York de 1970, la membresía como una de las primeras mujeres artistas en el club de arte neoyorquino, hasta entonces exclusivo para hombres, el Salmagundi Club , el Gran Premio en la Exposición de Arte de Locust Valley de 1971 en Long Island, Nueva York, y el Premio a la Excelencia en la Exposición de Arte Abraham & Straus-Hempstead de 1974, "Long Island Art '74".
Matsuki, que había llegado a ser conocida como "la tiburón" por sus amigos por no bajar el ritmo, comenzó a preocuparse menos por el resurgimiento del cáncer y comenzó a trabajar a un ritmo más pausado y dejó de participar en concursos. Regresó a Oregón en 1980, donde enseñó en el Centro de Arte de Albany, trabajó en una licenciatura en la Universidad Estatal de Oregón en la cercana Corvallis, fue empleada por la universidad como conserje y creó más obras dibujadas. Durante una breve estancia en California, Matsuki pintó un mural en un spa de salud en Isla Vista.
En 1985, Matsuki conoció al activista de Earth First!, Ron Huber, en Corvallis, Oregón. Varios meses después, dibujó la portada de la edición de agosto de 1985 de la revista Earth First!. El dibujo mostraba a Huber sentado en un viejo abeto Douglas, frente a dos agentes del sheriff del condado de Linn que lo subían con una grúa.
Matsuki se casó con Huber en 1987. Se mudaron a Cheverly, Maryland en 1988, luego a Rockland, Maine en 1992. Los problemas neurológicos que aparecieron en 1991 mientras vivían en una casa de campo en el condado de Calvert, Maryland, llevaron a una reducción en los esfuerzos de pintura y dibujo de Matsuki durante más de una década. En 2006, Matsuki se sometió a un régimen de rehabilitación física y neurológica. En 2010 se le diagnosticó la enfermedad de Lyme crónica , que se remonta a 1991.
El 4 de agosto de 2018, Matsuki murió de cáncer en su casa de Rockland.
Dos de sus obras, Ah... y A Celebrator, son propiedad de la coleccionista Cristina Chan Johnston de Huntingtown, Maryland.
Una de las primeras mujeres admitidas como miembros del prestigioso Club Salmagundi de la ciudad de Nueva York desde su fundación en 1871. Las obras ganadoras de Matsuki en dos importantes exposiciones de arte de Nueva York en 1970 ayudaron a reavivar el entusiasmo por la pintura realista entre los artistas estadounidenses.
En 1970, la pintura de Matsuki "Triumphant Return" le valió una medalla de oro en la Primera Exposición Internacional de Arte de Nueva York (su primera participación en un concurso abierto). Óleo sobre lienzo, 50" x 60") Triumphant Return revela la mirada perdida del veterano de la fuerza aérea Andrew Delaney, meditando entre las reliquias de su infancia en el enclave de Long Island, Rockville Center.
En 1974 ganó el Gran Premio en el Locust Valley Art Show de 1974, Long Island, Nueva York por su pintura que alegorizaba la reciente guerra de tanques en el Medio Oriente "¡ah!".
Según Matsuki, sus obras "integran el método clásico occidental de pintura con la propiedad teórica del arte contemporáneo, incluida la teoría del color del puntillismo, los múltiples puntos focales de los cubistas, las deformaciones de Modiglianni, el "ideosincrasia" de Buffe, la dislocación de la perspectiva de Picasso y la dislocación del tiempo y/o el espacio de la pintura mural egipcia.
El "Realismo Mágico" de Matsuki, como ella misma llama a su estilo pictórico, presta mucha atención a los detalles finos, con perspectivas sutilmente imposibles, lo que provoca una carga emocional en los temas de sus obras.
"Triumphant Return" (1970, óleo sobre lienzo, 50" x 60") revela la mirada perdida del veterano de la fuerza aérea Andrew Delaney, reflexionando entre las reliquias de su infancia en el enclave de Long Island, Rockville Center.
Matsuki describe los propósitos y técnicas involucradas en la pintura de Retorno triunfal:
El cuadro “Regreso triunfal” fue pintado en la época en que la guerra de Vietnam estaba llegando a su apogeo. El sentimiento más expresivo de todos era el de “antiguerra”. La experiencia más inmediata que inspiró mi tema fue la que tuve cuando, por casualidad, asistí a la ceremonia anual de la Legión Americana local, en Long Island, Nueva York, en la que toda la procesión se dirigió aparentemente con la mayor timidez y sin incidentes. El himno nacional se cantó en voz baja y en desorden. Las gorras militares rectangulares blancas parecían tan desoladas como el marrón de los muelles desiertos.
Había algo que me conmovió lo suficiente como para sumergirme en mi primera obra importante, cuya producción exigió una concentración total durante cuatro meses trabajando todas las noches (pintaba de noche), excepto los sábados. Iba al cine durante el día y al bar por la noche para distraerme.
La preparación de la superficie de la pintura se realizó mediante una mezcla de pigmentos de color al óleo regulares opacos y transparentes producidos por Windsor and Newton y Grumbacher, que finalmente adquirieron el tono de marrón oscuro rojizo. Utilicé un lienzo de algodón de grano fino preparado comercialmente. Hasta ahora aceptable para mi interpretación de los detalles. Sobre esta superficie preparada, de aproximadamente 1 a 2 mm de espesor del pigmento después de lograr un secado suficiente, transferí primero el boceto final del tema utilizando carbón de fuerza media de origen comercial.
Antes de ejecutar el dibujo final (cartón) se aplicaron aproximadamente de 3 a 4 manos de fijador de marca comercial con pintura al óleo, mezcla de tierra quemada y azul de Prusia en distintas proporciones de composición, con el fin de acortar el tiempo de secado, con trementina pura como medio.
Cuando el dibujo subyacente estuvo lo suficientemente seco, por lo que se pudo aplicar pigmentos superpuestos sin causar daños en la superficie, comencé la primera aplicación de pintura, el moldeado. Medio: trementina pura más aceite de linaza. Proporción, aproximadamente 2 trementina/1 linaza. Los pigmentos utilizados fueron sombra tostada, azul de Prusia opcional y ocre amarillo (en pinturas posteriores cambié este color por amarillo de Nápoles, debido a su mayor poder cubriente y su rápida velocidad de secado).
Después del adecuado secado superficial de la primera capa hasta ahora monocromática esbozada (en este nivel todo el plano pictórico estaba igualmente desarrollado), se aplicó la segunda capa para lograr un “mapeo” cromático acorde a la connotación psicológica y atmósfera estética deseada por el tema.
En este caso, comencé utilizando pigmentos lo más opacos posibles para lograr una fuerza similar, como ocre amarillo, azul cobalto, siena tostada, etc., y propiedades de secado rápido, como sombras, azul de Prusia, amarillo de Nápoles mezclado con trementina y linaza en la proporción de preparación antes mencionada. En esta etapa, todo el efecto de la pintura todavía presenta una calidad monocromática, similar al relieve, aunque se atribuyeron tonos adecuados a las áreas principales de la composición. Lo llamo "la vista al anochecer" por su similitud en los efectos cromáticos.
En esta etapa, la superficie de la pintura comenzó a parecer “realista”. Dado que las dimensiones del lienzo de “El regreso triunfal” son bastante grandes, 50" por 60", las aplicaciones anteriores se secaron lo suficiente como para aceptar más aplicaciones cuando se terminó esta costa.
Una vez superada esta fase, comienza la verdadera parte de la “pintura”: la reproducción de los objetos con la máxima fidelidad objetiva. El método que utilicé para ello fue la técnica de veladuras (aplicación fina de pigmento transparente) empleando pigmentos de alta transparencia como el carmesí de alizarina, el ultramar, el azul de Prusia, el verde verdiano, el amarillo de cromo, la aureolina, el blanco de cinc, el negro de marfil, etc.
Más tarde descubrí que la familia de los “Thalo” tenía buenas propiedades para el esmaltado. El violeta de Thalo era especialmente intrigante por su adaptación camaleónica a los tonos subyacentes. Con el mismo pigmento, el violeta de Thalo, se pueden desarrollar varios matices sobre las superficies dependiendo de los tonos de las aplicaciones anteriores. Autoridades como Ralph Meyer consideraban que la familia Thalo era comparativamente segura, pero no estaba probada en el tiempo hasta alcanzar la perfección deseable, lo que podría llevar 500 años para completarse. Si la superficie de “Triumphant Return” se desmorona, entonces la familia de pigmentos Thalo debería quedar enterrada con ella.
Cuando toda la superficie pictórica estuvo cubierta y bien seca, utilicé pinceles más grandes, como pinceles planos de 1 pulgada o 1 1 ⁄ 2 pulgada, de marta o en forma de abanico y/o de pelo de cerdo, empleando la técnica de “lavado”, que es similar a la segunda capa, para repasar todo el lienzo con el fin de lograr unidad temática y pictórica*. Esta es la etapa final de la pintura. Cuando la superficie se secó adecuadamente, apliqué regularmente 3 o 4 capas de barniz de “retoque” (lo uso con frecuencia para resaltar los colores hundidos) sobre toda la superficie pictórica. El barniz final por barniz de acabado se aplicó mucho más tarde. De hecho, después de que terminara la entrada a la exposición del 1.º Salón Internacional de Arte de Nueva York.
* Unidad pictórica: En este caso el término se utiliza para connotar el conjunto de aspectos ejecutables utilizados con el propósito de construir la superficie pictórica”.
Fin de la descripción que hace Matsuki del cuadro Retorno triunfal. (Carta a Ronald Huber, 24 de marzo de 2007)
Matsuki ha pintado y dibujado más de 100 otras obras en óleo sobre lienzo, carboncillo, lápiz y pluma.
En 1971, las torres de Nueva York se desmoronaron en su inquietante obra __opia, cuya frase truncada está impresa en un trozo de papel que pasa volando junto a dos mujeres en el paisaje destrozado de la ciudad en ruinas. La obra tomó forma a partir de su reacción de sorpresa al descubrir la ciudad más grande de Estados Unidos en decadencia, incluso la legendaria Harlem. Óleo sobre lienzo. Imagen de gran tamaño de ___opia Grabación de audio: Samizu Matsuki describiendo esta obra (grabada el 18 de abril de 1989)
También en 1971, Matsuki pintó Barbara and the Fortune Teller, en la que una joven que había huido de los suburbios burgueses hacia Greenwich Village, ahora huye de lo que acababa de aprender de un gitano moreno en una casucha debajo de un cruce de metro aullante. Óleo sobre lienzo. Imagen de gran tamaño de Barbara and the Fortune Teller
En 1973, después de un año en Japón, Matsuki regresó a la ciudad de Nueva York. Una fotografía de un tanque egipcio destrozado en un periódico, después de la Guerra del Yom Kippur, se convirtió, en su pintura al óleo de 1974 Ah... en una langosta destrozada, más grande que la vida, parcialmente devorada y esparcida sobre un papel de periódico desolado y arrugado. Óleo sobre lienzo. Ah... ganó el Premio a la Excelencia en la Exposición de Arte Abraham & Straus-Hempstead, "Long Island Art '74". [3]
Según Matsuki, su pintura al óleo A Celebrator (Óleo y lienzo, 60" x 50") refleja la creciente cultura de desapego y narcisismo que vio envolver a Estados Unidos. Ubicada, como Triumphal Return, en un sótano, el formato de cuadro dentro de cuadro y la atención al detalle de las figuras, el cristal, la ropa esparcida, la alfombra y la cachimba, la imagen duplicada de un proyectil de artillería recuperado del USS Maine y la perspectiva cuidadosamente imposible hacen de A Celebrator una de sus mejores obras. Imagen de gran tamaño de A Celebrator
En la pintura de 1976 "Fantasma azul", Matsuki refleja un verso de un poema ruso de Esunin. En ese poema dice: "¡Fantasma azul! Ni aquí ni allí". Matsuki describe su obra Fantasma azul de esta manera: "La pintura representa algunos aspectos de la vida de la clase alta burguesa que era mi entorno en ese entonces. El espejo detrás de la figura central refleja cosas más bellas del pasado. El lado izquierdo de la pintura representa el pasado, el centro es el presente, mientras que el lado derecho y la parte inferior, el futuro. La brújula gigante divide las cosas del pasado de las del futuro. A través del arco se ven los restos de la civilización".
"Primero pinté Blue Ghost en sólo dos colores: blanco titanio y gris Payne. (Luego apliqué el color mediante el método de veladuras). Encontré ventajas en la pintura monocromática, que me liberaba de tener que considerar problemas de combinación de tonos de color. Esto me proporcionó un escenario perfecto para desarrollar libremente la imagen directamente sobre el lienzo".