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Rozalind Drummond

Rozalind Drummond (nacida en 1956) es una artista fotográfica y una de las primeras exponentes del posmodernismo en Australia . [1]

Educación

Drummond se formó inicialmente en el Prahran College entre 1982 y 1984, una institución que la directora del Centro Australiano de Fotografía, Deborah Ely, reconoció en 1999 como productora de "algunos de los profesionales más aclamados del país", entre ellos Drummond, además de " Bill Henson , Carol Jerrems , Steve Lojewski, Janina Green y Christopher Koller". [2] Entre 1985 y 1986 realizó un posgrado en Bellas Artes en la Escuela de Arte del Victorian College of the Arts , donde Bill Henson, como señaló Max Dupain , [3] fue su supervisor.

En 1997 recibió una beca Samstag de 30.000 dólares australianos, más pasajes de avión y tasas, para un año de estudios en el extranjero durante el cual realizó una maestría en Bellas Artes en el Goldsmiths College de Londres. [4] Los co-beneficiarios fueron Zhong Chen, Lyndal Jefferies, Steven Holland y Julie Gough. [5] Más tarde, en Australia, completó una Maestría en Artes (Arte en Espacio Público) en la Universidad RMIT de Melbourne en 2017. Desde entonces, ha expuesto a nivel nacional e internacional y su obra se encuentra en importantes colecciones públicas.

De 1986 a 1988, Drummond fue directora asistente en la Galería George Paton de la Universidad de Melbourne , [6] y ocupó cargos académicos como profesora de fotografía en el Victorian College of the Arts , Escuela de Arte, Melbourne 1987-89, profesora de fotografía en la Escuela de Arte y Diseño de la Universidad de Monash , Campus Caulfield 1990-91 y profesora de fotografía en la Escuela de Artes y Educación de la Universidad de Deakin , Campus Burwood hasta 2014.

Práctica

Drummond expuso por primera vez en solitario en 1985 en la galería George Paton (donde se convertiría en directora asistente al año siguiente). [6]

En 1993, cuando aún no habían transcurrido diez años de su carrera, Drummond y el pintor Geoff Lowe fueron invitados por la curadora Juliana Engberg a producir una exposición que implicara la colaboración de artistas vietnamitas con el apoyo del proyecto de arte australiano en Asia de Asialink y organizada por la Escuela de Arte de Hanoi , [7] el primer contacto de arte contemporáneo del país con Vietnam. [8] Al optar por mostrar ejemplos típicos de su práctica artística contemporánea australiana, Drummond tomó largas pruebas de contacto, tituladas Voyeur y extraídas de material monocromático en Super 8 que se había realizado entre 1960 y 1965, que se podía desenrollar y fijar a la pared de la galería de forma horizontal o vertical, lo que permitía la interpretación propia de la narrativa por parte de los espectadores, e informó que algunos de los artistas vietnamitas se sorprendieron de que ella decidiera no enmarcar sus fotografías.

La exposición se presentó en Australia con el título Vietnam en la Waverley City Gallery del 25 de febrero al 28 de marzo de 1993, [9] en la que Zara Stanhope señala "los actos creativos de Drummond de encuadrar y filmar", y la "inquietante yuxtaposición de imágenes desconocidas, geográficamente distantes" que "alteran la convención del fotógrafo periodístico invisible [y] los modos occidentales de narración y provocan una reconsideración de las responsabilidades de la observación". Drummond también incluyó una serie de fotos en blanco y negro sin título extraídas de un video inacabado que hizo en Vietnam en el que las escenas en movimiento se volvieron borrosas y desenfocadas. Una única foto de pasaporte enmarcada frente a un grupo de imágenes similares en extremos opuestos de un espacio largo y estrecho que para Stanhope significa "el individuo despojado de poder ante las estructuras de la masa o de la nación. El pasaporte prueba la existencia del refugiado y nos recuerda que quienes cruzan las fronteras son, como los criminales, objetos de vigilancia". [10]

El mirón de Drummond (nombrado así por la película de Michael Powell ) se exhibió en la Galería de la Universidad de Monash, de noviembre de 1995 a febrero de 1996. Además de fotografías encontradas, incluía tres pantallas de video; una que mostraba la película de Powell de 1960; otra que seguía de manera voyerista a una mujer mientras se abría paso entre las exhibiciones del museo; y una tercera con una transmisión en vivo del espacio de exhibición en el que el espectador puede verse grabado. La suma de estas partes coloca al público en el papel de víctima y agresor simultáneamente. Es una obra a la que se hace referencia con frecuencia, [11] [12] al principio por el artista y escritor Perry Fowler;

"Drummond ha creado una subjetividad masculinista 'artificial', narrada crípticamente. Como un psicoanalista que 'lee' a un paciente o un detective que investiga un misterio, el espectador descifra la historia a través de 'pistas' proporcionadas al azar. La historia revela una percepción posiblemente patológica de lo femenino. Las mujeres de Drummond son bellezas superficiales y monocromas, que posan ingenuamente para aficionados olvidados hace mucho tiempo. Manipuladas y ampliadas, se convierten en imágenes de una feminidad reconstituida; una percepción posmoderna de una sexualidad de posguerra". [13]

Recepción

Los críticos reconocieron una mirada alusiva [14] y elíptica en la obra de Drummond desde el comienzo de su carrera; en 1986, Max Dupain describió sus imágenes como "intensamente introvertidas" en The Melbourne Stage: Photographs by four post-graduates at the Australian Centre for Photography, Sydney;

"Rozalind Drummond muestra 16 imágenes en color extremadamente hermosas. En conjunto, son intensamente poéticas y están cargadas de un sentido muy personal de misterio y, a veces, de una desesperación implacable. Moderadas pero apasionadas, delicadas y sombrías, estimulantes y ligeramente asombrosas, todas ellas podrían ser sombras cambiantes de la misma persona. Vuelvo a ver estas imágenes una y otra vez. En términos comunes, tienen profundidad. Es alentador saber que la fotografía puede elevarse tanto a la realidad". [3]

La adopción de rasgos posmodernistas por parte de Drummond provocó críticas mixtas. Beatrice Faust despreció sus contribuciones a la exposición Excursiones into the Postmodern: Five Melbourne Photographers; New Acquisitions de la National Gallery of Victoria de 1988 , escribiendo que no había logrado crear "un cuerpo de trabajo coherente", y que al lado de los estudios de John Gollings "poderosa fusión de imágenes arquitectónicas, pornográficas y ópticas", los suyos eran "esquemáticos y triviales". [15] La crítica del Canberra Times Helen Musa, por el contrario, entendió en 1992 que Drummond "usa la fotografía para explotar la distancia entre lo real y lo ficticio". [16] Stuart Koop matizó ambiguamente tal respuesta al comparar exposiciones separadas de Drummond de 1991 ( Scopic Territories en el Australian Centre for Contemporary Art ) y las fotografías industriales de Wolfgang Sievers (en la National Gallery of Victoria) para identificarla...

"...una aparente abdicación total de la responsabilidad del autor en [...] una dependencia de todo lo extrínseco a la fotografía que ha llegado a caracterizar la importancia crítica de la fotografía posmoderna como una especie de crítica institucional; esto en contraste con el formalismo intrínseco de la fotografía moderna", señalando "la confrontación (quizás ingenua) [de Sievers] del poder, el capital, el control social o lo que sea, en la construcción de formas estéticas, [mientras que Drummond], en retirada, espera más bien espiar un rastro aleatorio de su omnipresencia, metiendo la cámara en los espacios de una ciudad para vislumbrar su poderío. La diferencia es una especie de capitulación ante el avance implacable del "capital" manifiesto en teorías como la de Debord ". [17]

Sin embargo, Greg Neville, en The Age , desestimó Scopic Territories como "un ejercicio frío y exagerado. Al menos en eso es un buen ejemplo del estilo actual de la Academia posmoderna", calificó su catálogo como "impenetrable" y el video que lo acompaña como "interminable", [18] y desestimó una nueva exhibición de las imágenes en Reflex en el Centro de Fotografía Contemporánea, curada por Koop, como "tomas nocturnas borrosas de la ciudad, como las que uno espera (pero no alienta) en los estudiantes universitarios". [19]

Rebecca Lancashire, más positiva en su reseña de Location , en el Centro Australiano de Arte Contemporáneo en 1992, señala "las escenas en blanco y negro de Melbourne de Rozalind Drummond, deliberadamente fuera de foco: imágenes de flujo e incertidumbre", [20] y Zara Stanhope, al abordar Reflex como una exposición de fotografía irónicamente "mala", en la que el trabajo de Drummond acompañaba al de Susan Fereday , Graeme Hare, Les Walking y David Stephenson, describió las suyas como "imágenes dinámicas";

"Abstrayendo lo real, las obras de Reflex reinterpretan la lucha clásica entre lo expresivo y lo descriptivo, la subjetividad de la mirada y las cualidades indicialistas de la reproducción fotográfica. Las luces de neón eléctricas que iluminan la forma de las ciudades occidentales y orientales aparecen de la noche en Rozalind Drummond... Ofrecen al espectador sólo una visión transitoria, insuficiente para discernir la figura en la oscuridad o para posicionarse culturalmente". [21]

Drummond ha aplicado una crítica visual feminista al género. [22] En reacción a su exposición de 1996 Bunny Rug , que retoma los autorretratos de la fotógrafa estadounidense Bunny Yeager , el crítico Bruce James del Sydney Morning Herald se siente "poco convencido, pero provocado". [23] En un número de 1997 de ArtAsiaPacific, [11] Natalie King describió la instalación Peeping Tom (1995) de Drummond como "un grupo de fotografías de gran formato y en tonos... clavadas al azar en las paredes de la galería como un archivo", sugiriendo no una institución sino el "archivo" como una colección de cosas relacionadas (ya sea en tema o forma), [24] invitando, como señaló Freda Freiberg, a "una mirada furtiva, si no una mirada estudiada, a los cuerpos y los asuntos de los demás..." y a "volver a mirar a los mirones profesionales, para jugar su juego. Se nos pide que juguemos a los detectives". [25] Sin embargo, al revisar imágenes más convencionales en Perfect for Every Occasion en el Museo de Arte Moderno Heide en 2007, el crítico Robert Nelson desestimó como "instantáneas débiles y felices" sus retratos de jóvenes; "Incluso la escena en la que una niña toca a otra, a la que se le da el dramático título Now Everyone Knows , parece poco trascendental". [26]

Penny Webb, escribiendo sobre la muestra colaborativa de 2007 de Durmmond con Stuart Bailey, Carpetweed , en la Victoria Park Gallery de Abbotsford, percibe un "intercambio más efectivo... establecido entre estos dos cuerpos de trabajo -seis fotografías colgadas en el espacio; seis construcciones en el suelo: un encuentro de mentes, podríamos decir. Rozalind Drummond ha echado una mirada desapasionada sobre pilas de materiales y objetos, descartados o aún por reclamar, en el proceso de algún tipo de mudanza de oficina o de agitación doméstica". [27]

Exposiciones seleccionadas

Las exposiciones de Drummond incluyen:

Solo

Grupo

Curador

Colecciones

Referencias

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