La serie de pinturas para la alameda de los duques de Osuna comprende siete cuadros pintados por Francisco de Goya entre 1786 y 1787. La finca de los duques y duquesas, que fueron mecenas y amigos del pintor, era conocida como El Capricho , y estaba situada a las afueras de Madrid . [1]
Todo el conjunto de obras guarda una estrecha relación con los cartones para tapices —sobre todo en el colorido empleado y en el panorama lumínico—, cuya quinta serie Goya completó poco antes de abordar este proyecto. Por entonces, el artista aragonés era un artista reputado en la corte y ya se había labrado una buena imagen en los círculos adinerados de Madrid.
Las obras pasaron a posesión de la Colección Marquesa de Montellano , que también alberga otras obras de Goya, donde permanecen hasta nuestros días. [2]
No deben confundirse con otros cuadros pintados por el artista, también para los duques de Osuna, en los años noventa. Aunque también adornaron la casa de campo de los duques, la crítica ha coincidido en denominar a esta serie como “el sueño de la razón” por los temas de brujería que presenta.
La condesa de Benavente y duquesa de Osuna, María Josefa Pimentel y su marido, el duque Pedro de Alcántara Téllez-Girón y Pacheco , formaron una de las parejas más cultas y activas de los círculos ilustrados madrileños. Goya, que contaba entre sus amigos con Leandro Fernández de Moratín y Juan Meléndez Valdés , era miembro de estos círculos. [1]
Al contactar con el pintor, los duques quedaron impresionados por la facilidad con la que realizaba los cartones y, tras entablar una estrecha amistad, sus ahora mecenas le pidieron que realizara una serie de cuadros para decorar su villa. El aragonés aceptó y comenzó la ejecución de las obras para la Alameda de Osuna tras finalizar su quinta serie de cartones.
El 22 de abril de 1787, los cuadros fueron trasladados desde la casa de Goya, acreditada como «Juan Goya» en la factura, a la villa de Osuna. [3] El pintor recibió 22.000 reales por las obras y por un retrato perdido de los hijos de los duques. Un tal Joaquín Gómez fue el encargado de pagar a Goya por su obra. [4]
Los duques encargaron a Goya la realización de lienzos con temas similares a los que el artista aragonés había tratado en los cartones que entregó a la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara. A pesar de ello, esta serie presenta serias diferencias estéticas con los cartones. Las figuras son de menor tamaño, acentuando el carácter teatral y rococó del paisaje. Goya puede demostrar aquí su conocimiento del Sublime Terrible , tendencia definida años antes por Mengs. [5]
Pero sobre todo hay violencia en estas pinturas, que difiere drásticamente de la atmósfera inofensiva de las caricaturas. El mayor ejemplo de esto es The Fall , donde una mujer sufre heridas tras caer de un árbol. En Stagecoach Hijacking , se ve a un hombre herido por un disparo mientras un grupo de ladrones asalta a los pasajeros del automóvil. [6]
En el cuadro El traslado de una piedra se detalla la jornada laboral de un grupo de humildes obreros. La preocupación por las clases bajas es una de las principales características del prerromanticismo , cuyos ideales Goya había asimilado a través del contacto con artistas ilustrados como Jovellanos . El primer cuadro que hace referencia a esta faceta del pintor es El albañil borracho .
En toda la serie predominan los temas rurales, tranquilos y amables, similares a los de los dibujos animados. La gama cromática es armoniosa y agradable, aunque Goya, según Glendinning, cree que las escenas de ocio campestre deben dejarse para las residencias situadas en las afueras de las grandes ciudades. [6]
Se presenta el mismo escenario que Goya plasmó en sus obras para la Real Fábrica: las orillas del Manzanares y sus alrededores. Pero el hecho de que la violencia estalle en algunas escenas de esta serie sitúa a ambos conjuntos en polos extremos.
La cucaña está sólidamente vinculada a obras de Goya como La cometa y algunas del neoclasicismo francés . Por su parte, Secuestro de la diligencia evoca La pelea de la Venta Nueva , pues ambas introducen una nota de violencia en medio de un agradable paisaje. Fue el segundo cuadro más caro de la serie (3000 reales), aunque es de menor precio que El traslado de una piedra y Procesión de aldea (2500 reales). [7]
Al representar a trabajadores de bajo estatus social en sus pinturas, Goya enfatiza sus vicios, tal vez dando a entender que son la causa de su posición inferior en la sociedad moderna. [8]
Este elitismo aparece de nuevo en Procesión aldeana , un cuadro que muestra una costumbre popular española arraigada en los pueblos, pero que había sido desdeñada por la Ilustración. Carlos III las prohibió en 1777, pero la medida tuvo poco efecto en las zonas rurales. Goya trata aquí con poco respeto al alcalde y a la mayoría de los ricos de provincia, que aparecen físicamente deformados. [9]
El crítico inglés reconoce en La nevada y El albañil herido —así como en su boceto, el citado El albañil borracho— , realizados en esa época, los antecedentes más directos de estos lienzos. Por primera vez el artista introduce en sus cartones —que hasta entonces eran composiciones alegres y festivas— una nota alusiva a los «peligros», lo que sugiere que el pintor ya no cree en el pintorismo vigente y desea desmarcarse de las costumbres impuestas en los cartones. [10]
El columpio tiene su paralelo en un cartón para tapiz realizado una década antes . Pero aquí, como en toda la serie, la pincelada es más vigorosa y no profundiza en los detalles, a diferencia de los tapices.
La cucaña y Procesión de pueblo representan escenas de la España rural, ambas fuertemente arraigadas en la iconografía del siglo XVIII. En Procesión de pueblo , las pinceladas difuminadas permiten apreciar al máximo las fiestas patronales españolas, tan comunes en el ocaso del siglo.
El secuestro de la diligencia es la composición más compleja de Goya para El Capricho. [11] Mitiga el efecto violento del robo mediante la disposición de las figuras, la composición y el cromatismo. Las tonalidades del paisaje contrastan con la gravedad del robo, que queda relegada a un segundo plano por la colocación del cadáver en el ángulo inferior izquierdo. Es evidente que los asaltantes son los grandes protagonistas de la escena. A pesar de ello, dos tercios del lienzo están dedicados a retratar el paisaje de cielo límpido y frondosa vegetación, dedicándose el tercio inferior a captar el momento del robo.
