Dame Phyllida Barlow DBE RA (4 de abril de 1944 - 12 de marzo de 2023) fue una artista visual británica. [1] Estudió en el Chelsea College of Art (1960-1963) y en la Slade School of Art (1963-1966). [2] Se unió al personal de la Slade a fines de la década de 1960 y enseñó allí durante más de cuarenta años. Se retiró de la academia en 2009 y, a su vez, se convirtió en profesora emérita de bellas artes. Tuvo una importante influencia en las generaciones más jóvenes de artistas; en la Slade, sus estudiantes incluyeron a Rachel Whiteread y Ángela de la Cruz . [3] En 2017 representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia . [4]
Aunque nació en Newcastle upon Tyne , Inglaterra, en 1944 (ya que su padre psiquiatra Erasmus Darwin Barlow , bisnieto de Charles Darwin , estaba destinado allí en ese momento), Barlow se crió en un Londres que se recuperaba de la Segunda Guerra Mundial . [5] Estudió en el Chelsea College of Art (1960-63) bajo la tutela de George Fullard , quien influiría en la percepción de Barlow de lo que puede ser la escultura. "Fullard, entre otros, fue capaz de transmitir que el acto de hacer era en sí mismo una aventura. La familia se mudó a Richmond, al oeste de Londres, después de la guerra, y sus experiencias infantiles de daños por bombas inspirarían gran parte de su trabajo de toda la vida. [6] Una escultura que se cae o se rompe es tan emocionante como una que se revela perfectamente formada. Todos los actos de hacer en el mundo están ahí para ser saqueados y contienen dentro de sí mismos el potencial de ser transferidos al estudio y adaptados". [7]
Mientras estudiaba en Chelsea, Barlow conoció a su marido, el artista y escritor Fabian Benedict Peake, hijo de Mervyn Peake , autor de Gormenghast , y su esposa, la artista y escritora de memorias Maeve Gilmore . Más tarde asistió a la Slade School of Fine Art de 1963 a 1966 para continuar sus estudios de escultura. Descrita por The Independent como "una dinastía artística británica", Barlow y su marido tuvieron cinco hijos juntos, incluidos los artistas Eddie Peake y Florence Peake. [8]
Después de graduarse de la Slade School of Art en 1966, Barlow comenzó una carrera de cuarenta años como profesora en varias instituciones, comenzando con un puesto de profesora a tiempo parcial de escultura en el antiguo West of England College of Art, ahora conocido como la Universidad del Oeste de Inglaterra , Bristol. [9] Mientras estaba aquí, aprendió técnicas tradicionales de escultura y descubrió una afinidad por la maleabilidad de la arcilla. Barlow descubrió un interés en materiales cotidianos y convenientes como cartón, poliestireno, gasa y cemento [10] y cómo podía crear piezas de trabajo abstractas que les dieran un sentido de significado elevado. Formar un entorno en el que sus espectadores puedan reflexionar sobre el trabajo y explorar el material y los procesos utilizados para crearlo fue una de sus principales motivaciones en su práctica. En 2004 fue nombrada profesora de bellas artes y directora de estudios de pregrado en la Slade School of Art antes de retirarse de la docencia en 2009 a la edad de 65 años, decidiendo centrarse en su propio arte. [9] [5] Ella creía que las escuelas de arte ponían demasiado énfasis en un «modelo» particular de cómo ser artista. [11]
La oportunidad de Barlow como artista llegó en 2004, cuando se expuso en el BALTIC de Gateshead. A esto le siguió Hauser & Wirth . [11] En 2018 y 2019, Barlow fue "provocadora" de la exposición internacional Yorkshire Sculpture. [12]
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La obra de Barlow es una combinación de lo lúdico y lo intimidante. Los colores infantiles con los que pinta sus esculturas, casi haciendo referencia a los juguetes, contrastan profundamente con los materiales industriales y la escala de sus obras. Sus esculturas se elevan por encima del espectador como si fueran una enorme sección de andamio . Jugó con la masa, la escala, el volumen y la altura, lo que crea una tensión en sus formas. Sus formas dan la impresión de ser a la vez terriblemente pesadas y ligeras como el aire. Cuando uno está en presencia de sus esculturas, pierde la sensación de objeto y se adentra en un entorno. Barlow no ocultó al espectador su proceso y sus elecciones de materiales, expuso cada detalle. [13]
Barlow, más conocida por sus colosales proyectos escultóricos, empleó "un vocabulario distintivo de materiales baratos como madera contrachapada, cartón, yeso, cemento, tela y pintura" para crear esculturas impactantes. [14] Basándose en recuerdos de objetos familiares de su entorno, la práctica de Barlow se basó en una tradición antimonumental caracterizada por su experiencia física de manipulación de materiales, que transformó mediante procesos de superposición, acumulación y yuxtaposición. [15] "Los objetos escultóricos de gran escala de Barlow, invasivos y molestos, se organizan con frecuencia en instalaciones complejas en las que la masa y el volumen parecen estar en desacuerdo con el espacio que los rodea. Su papel es inquieto e impredecible: bloquean, interrumpen, intervienen, se extienden y se posan, dictando y desafiando la experiencia de la observación". [16] Sus construcciones a menudo están pintadas de forma tosca en colores industriales o sintéticos, lo que da como resultado formas abstractas y aparentemente inestables.
Tal vez no pienso lo suficiente en la belleza de mi trabajo porque siento mucha curiosidad por otras cualidades, cualidades abstractas del tiempo, el peso, el equilibrio, el ritmo; el colapso y la fatiga versus las nociones dinámicas más erguidas de tal vez la postura... el estado en el que algo podría estar. ¿Está creciendo o encogiéndose, está subiendo o bajando, se está plegando o desplegando?
— Phyllida Barlow, The Guardian , 2016. [11]
Barlow también fue una pintora prolífica, pero incluso en este campo reconoció que sus dibujos eran "dibujos escultóricos". [17] Pintó como parte de su plan de estudios en el Chelsea College of Arts, donde el artista y escultor Henry Moore la alentó a practicar , y continuó haciéndolo durante toda su vida como artista, acumulando un vasto archivo de trabajo. [18]
La obra de Barlow se ha presentado en exposiciones individuales en todo el mundo. En 2014, se le encargó a Barlow crear una nueva obra para las galerías Duveen de la Tate Britain de Londres. [19]
Después de recibir el Kunstpreis Aachen en 2012, Barlow recibió el encargo de realizar una exposición individual para el Ludwig Forum für Internationale Kunst en Alemania. [20] La exposición Brink presentó siete esculturas expansivas que creaban una "arena similar a un escenario" para su ciudad ficticia. [21]
En 2013, Barlow presentó una exposición individual titulada HOARD en el Museo de Arte Norton en West Palm Beach, Florida , EE. UU. Fue la tercera exposición de RAW (Reconocimiento del arte por mujeres) del Norton, posible gracias al Fondo Leonard y Sophie Davis/MLDauray Arts Institute. [22]
En 2015, la obra de Barlow viajó a Escocia para ser instalada en la galería Fruitmarket de Edimburgo. La exposición se llamó Set y consistió en obras nuevas producidas específicamente para la muestra. Su obra se apoderó de la galería y la transformó en un ambiente absorbente de materia brillante. Sus formas ondulaban a través del espacio de la galería con la intención de crear un argumento o tensión entre los dos pisos de la galería; "El espacio de arriba encogiéndose de hombros ante el espacio de abajo", como dijo la propia Barlow. [23]
En 2016, Barlow presentó una exposición individual de su nuevo trabajo en la Kunsthalle de Zúrich . Barlow fue una de los cuatro artistas nominados para el premio inaugural Hepworth , el primer premio de escultura del Reino Unido, y su obra se exhibió en Hepworth Wakefield a partir de octubre de 2016. [24]
Para la Bienal de Venecia de 2017 , Barlow presentó su serie Folly , poderosamente industrial y bulbosa , que se apoderó tanto de un espacio interior higienizado como del idílico exterior veneciano. [25] Barlow inicialmente planeó que su instalación de 41 "adornos" colgara de tablones que sobresalían de la fachada del pabellón, pero esta visión tuvo que ser alterada debido al costo; finalmente se exhibieron de una manera que se parecía a piruletas. [5] Graham Sheffield , el Director de Artes del British Council en ese momento, escribió que Barlow fue seleccionada por sus "esculturas desafiantes e imponentes" que, como era de esperar, tenían una presencia distintiva y poderosa en la 57a Bienal. [26]
Durante el transcurso de 2018, Barlow presentó tres exposiciones individuales. Hauser & Wirth organizó la exposición titulada 'tilt', que se celebró en su galería de la ciudad de Nueva York. En Nueva York, también expuso con High Line Art, con la muestra 'prop'. En el Reino Unido, en 2018, la muestra de Barlow 'Quarry' se celebró en Edimburgo, Escocia, en Jupiter Artland. [13]
En 2019, la Royal Academy of Art (de la que fue elegida académica en 2011) acogió una exposición de una nueva colección de obras de Barlow titulada Cultural-de-sac. Su obra se exhibió en las galerías Gabrielle Jungels-Winkler. Las obras eran una colección específica de esculturas brutalistas a gran escala que se crearon en respuesta a la arquitectura del edificio de la RA. [27]
Barlow se convirtió en académica real en 2011. Fue nombrada Comandante de la Orden del Imperio Británico (CBE) en los Honores de Año Nuevo de 2015 por sus servicios a las artes [28] y Dama Comandante de la Orden del Imperio Británico (DBE) en los Honores de Cumpleaños de 2021 por sus servicios al arte. [29]
Barlow fue miembro de los jurados que seleccionaron a Doris Salcedo (2016), [30] Pierre Huyghe (2017), [31] Isa Genzken (2019) [32] y Michael Rakowitz (2020) [33] para el Premio Nasher .
Dame Phyllida Barlow murió el 12 de marzo de 2023, a la edad de 78 años. [34]
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