Alexander Konstantinovich Bogomazov ( ruso : Александр Константинович Богомазов ) o Oleksandr Kostiantynovych Bohomazov ( ucranio : Олександр Костянтинович Богомазов ; 26 de marzo de 1880 - 3 de junio de 930) fue un pintor ucraniano , cubo-futurista, teórico del arte moderno y es reconocido como uno de los Figuras clave de la escena de vanguardia ucraniana . En 1914, Oleksandr escribió su tratado El arte de pintar y los elementos . En él analizó la interacción entre objeto, artista, imagen y espectador y sienta las bases teóricas del arte moderno. Durante su vida artística, Oleksandr Bohomazov dominó varios estilos artísticos. Los más conocidos son el cubofuturismo (1913-1917) y el espectralismo (1920-1930).
Oleksandr Bohomazov nació en Yampil , región de Kharkiv (ahora Óblast de Sumy , Ucrania ) como segundo hijo de Kostiantyn y Anisia Bohomazov. El padre del artista era contador, trabajaba en la fábrica de azúcar local y más tarde ascendió al estatus de comerciante. El niño apenas conocía a su madre: ella abandonó a la familia y se volvió a casar con un oficial visitante.
Oleksandr comenzó a mostrar interés por la pintura mientras estudiaba en el gimnasio. Sin embargo, su padre no aprobó su estilo, considerándolo demasiado crudo, e insistió en que el niño se graduara en la Escuela Agrícola de Kherson , donde se especializó en agronomía de 1896 a 1902. Pero prevaleció la pasión por el arte, y con el apoyo de su tío, Oleksandr, convence a su padre para que le permita mudarse a Kiev e ingresar en la Academia de Artes de Kiev en 1902.
En la Escuela de Arte de Kiev , Bohomazov fue enseñado por Oleksandr Murashko e Ivan Seleznev, mientras que Oleksandra Ekster y Oleksandr Arkhypenko , futuras estrellas de la vanguardia, estudiaron con él. En 1905 fue expulsado de la escuela por su participación en manifestaciones políticas y huelgas. A partir de 1906, estudió en el estudio de Kiev de Serhiy Sviatoslavskyi y pasó el verano de 1907 en Crimea con Oleksa Hryshchenko y Vladimir Denisov, compañeros de estudios del estudio de Sviatoslavskyi. Alquilaron una casa de madera en el parque Vorontsovsky, en las afueras de Alupka , a 12 kilómetros al suroeste de Yalta , y dibujaron desde el amanecer hasta el anochecer.
Bohomazov partió entonces hacia Moscú, donde estudió con Konstantin Yuon y Fyodor Rerberg (junto a Malevych ), antes de regresar a Kiev en 1908 para participar en la primera exposición modernista de la ciudad, Zveno ('El vínculo'), junto con David Burliuk , Wladimir Burliuk y Oleksandra Ekster. y otros. [1]
En junio de 1911, mientras trabajaba a tiempo parcial en el periódico Kyivska Dumka ( Pensamiento de Kiev ), Bohomazov fue enviado en un viaje de negocios a Karelia (en aquel entonces, Imperio Ruso, ahora Finlandia y Rusia), para crear pinturas y grabados de paisajes finlandeses para un suplemento ilustrado del periódico.
Durante un mes y medio Bohomazov recorrió la ruta turística de Imatra , Lappeenranta , Vyborg , Punkaharju y Savonlinna . Este viaje resultó en decenas de pinturas, acuarelas y tintas. Se desconoce el número exacto y hoy en día el ciclo finlandés se distribuye entre coleccionistas privados y museos.
Mientras visitaba Imatra , pintó ' La Torre ' ( NAMU ) y ' Un castillo en Finlandia' (colección de K.Grygoryshyn), ambos representando la famosa maravilla arquitectónica del Gran Hotel de Cascade (ahora Valtionhotelli). El hotel fue construido en forma de castillo en estilo Art Nouveau y recuerda a la fortaleza de Olavinlinna situada al otro lado del lago Saimaa .
Otro objeto de atención del pintor fueron los famosos rápidos Imatrankoski y Vallinkoski. Bohomazov se encariñó mucho con ellos y disfrutaba de los tranquilos paisajes finlandeses, que estaban en sintonía con el mundo interior del artista. 'Estaba pintando La pequeña Imatra al óleo hace unos días (Otro nombre para Vallinkoski. – Autor). Pintar con facilidad, libertad y alegría. He completado un lienzo. ¡Yo era feliz! ', – le informó a su futura esposa Wanda en una carta a casa. Aquí habla de la pintura ' Las olas del mar ' ( NAMU ), así como de una serie de acuarelas que representan los rápidos que se crearon aquí: ' Arroyo y rocas'. Río Istra-1 ' ( NAMU ), ' Ola. Río Istra-2 ' ( NAMU ), 'Olas y rocas. (Río Istra-ІІІ) ' ( NAMU ), 'Río Istra (aguas finlandesas)' (colección privada), 'Río Tormentoso' (colección de K.Grigorishin). En Lappeenranta pintó dos acuarelas: Finlandia ( NAMU ) y Paisaje finlandés ( NAMU ).
El viaje produjo una serie de dibujos y acuarelas románticos de la Noche Blanca de lugares destacados cerca de Vyborg, incluido el parque Monrepos , el castillo de Olavinlinna de tres torres en Savonlinna y el lago Saimaa , salpicado de islas , cuya "belleza de cuento de hadas" había sido ensalzada. por numerosos artistas y poetas. El lago también influyó en el artista de tendencias románticas para dedicar el dibujo a su futura esposa. [2]
Los años 1913-14 se convirtieron en una época de intensa búsqueda por parte del artista de formas de desarrollar el "nuevo arte". En septiembre de 1914, Bohomazov terminó el trabajo teórico "La pintura y sus elementos", que resumía sus reflexiones sobre la naturaleza de la creatividad y sus componentes. Las obras del año 1913 fueron creadas por Bohomazov, cuando las principales disposiciones incluidas en su trabajo teórico aún no habían sido pensadas ni formuladas, pero el estilo y los elementos formadores de estas obras atestiguan que el maestro ya estaba familiarizado con varios direcciones artísticas del arte de vanguardia, en particular y con el concepto futurista de mostrar el estado del medio ambiente a través de la demostración del movimiento de los objetos que lo componen.
En las obras de esta época, utiliza intuitivamente, más que conscientemente, una serie de técnicas que mejoran la sensación de movimiento y transmiten el dinamismo del objeto representado. Así, por ejemplo, utiliza activamente un conjunto de líneas rectas que convergen y, a su vez, forman ciertas formas en forma de rayos y abanicos que crean un poderoso efecto de movimiento. Al mismo tiempo, el artista utiliza a menudo una técnica como extender líneas rectas en toda su longitud y convertirlas en guías en forma de agujas, como, por ejemplo, en la obra "Tren".
La alternancia de puntos saturados y punzantes con espacios vacíos sin llenar se convirtió para él en otro medio de enriquecer el lenguaje artístico de las obras. En varias obras, el artista dispone las formas que utiliza en diagonal y en ángulo con respecto a los límites del plano pictórico. Esta técnica es claramente visible en su cuadro "Tren. Boyarka". Este método de construcción del plano pictórico permite crear la impresión de una intensa tensión dinámica y transmitir la sensación de movimiento, independientemente de si está relacionado con un objeto específico o si se insinúa. En las obras de 1913, el artista presta mucha atención a una línea recta o un grupo de líneas rectas, que juntas crean impulsos dinámicos irregulares.
1914 puede considerarse un punto de inflexión en la obra del artista. Y no sólo porque el artista finalmente formuló sus ideas sobre el arte de la "Nueva Era" en un tratado teórico, sino también porque este año se consolidó como un artista original. En 1914, Bohomazov comenzó a utilizar conscientemente todas las técnicas de reproducción de la naturaleza y su estado, que habían madurado intuitivamente en trabajos anteriores. Implementa activamente los nuevos principios declarados en 'La pintura y sus elementos'.
En las obras de este año observamos el interés del artista por combinar formas planas simples en objetos espaciales más complejos. Bohomazov comienza a comprender: los planos y líneas rectas que los forman limitan la posibilidad de transmitir el dinamismo del objeto, e introduce nuevos elementos en su léxico artístico, incluidas varias líneas en forma de arco.
También recurre a otra nueva técnica: la tonificación en mosaico de componentes individuales, es decir, el fortalecimiento fragmentario de las formas, lo que les da una mayor sensación de dinamismo. Al mismo tiempo, la estructura de la imagen se alterna con formas con una masa de diferente saturación. Aquí podemos observar que esta técnica refleja el concepto de intervalo formulado por el artista.
En 1914 organizó la exposición Kiltse ("El Anillo") en Kiev, donde se expusieron las obras de 21 artistas, entre otros Oleksandra Ekster , Eugène Konopatzky entre otros. Para Bohomazov, esta fue la primera exposición importante: allí se presentaron 88 de sus obras, en su mayoría gráficas. Al igual que Kandinsky durante el segundo "Salón", Bohomazov presentó su obra teórica "La esencia de los cuatro elementos", en la que explica el principio del nuevo arte cubofuturista: la combinación de línea, color, forma y plano de la imagen.
Se suponía que Kiltse sería la primera de una serie de exposiciones, pero no salió según lo planeado. Las críticas en la prensa fueron positivas (lo que indica la aceptación general del "nuevo arte" en los círculos críticos), pero pocas. De hecho, la exposición apenas pasó desapercibida. Después del fracaso del "Anillo", hasta los años 20 no se celebraron en Kiev importantes exposiciones de vanguardia.
Desde 1915 hasta finales de 1917, Bohomazov vivió en el Cáucaso . Trabajó como profesor de pintura y dibujo en el pueblo de Geryusy (actual ciudad de Goris , Armenia ). " El aire es claro, se puede ver a kilómetros de distancia y todo parece estar en flor ", le escribió a su esposa. Las obras de su productiva estancia incluyen una brillante pintura de 1915, El Cáucaso , y un carboncillo de 1916, Vista del Cáucaso visto desde su balcón. La naturaleza pintoresca de la región del Cáucaso inspiró a Bohomazov a crear muchos otros lienzos cubofuturistas, que más tarde se agruparon en el ciclo ' Memorias del Cáucaso '. Durante algún tiempo, su esposa Wanda se quedó con él en Geryusy .
Después de regresar a Kiev a finales de 1917, Bohomazov comienza a enseñar en numerosas escuelas secundarias y academias de arte para poder mantener económicamente a su familia.
En 1917, el artista antisistema acogió con agrado las ideas de la Revolución de Octubre y se unió a Olexandra Exter en la decoración Agitprop de trenes y barcos. Sin embargo, contrariamente al desarrollo e interpretación posteriores de la Revolución bolchevique , consideró que la caída del Imperio ruso y las ideas de la revolución contribuyeron a la liberación del potencial artístico nacional ucraniano, y en sintonía con la proclamación de la independencia de Ucrania de 1917-18 . Su discurso ante el primer Congreso de Artistas de Ucrania en junio de 1918 fue el de un artista ferozmente patriótico, criticando a las escuelas de arte por apegarse a las "directrices del Norte" (es decir, Rusia), donde "el espíritu del academicismo destruye la mente" y a los jóvenes. Los artistas ucranianos habían sido "privados de su individualidad, mientras sus almas estaban envenenadas".
Mientras enseña, Bohomazov continúa con su análisis de la teoría del arte a lo largo de la década de 1920, creando sus propias cartas de color, explorando el efecto del contraste en la variación de las tonalidades de color. Si bien las teorías de Bohomazov aún deben estudiarse más a fondo, sus ideas innovadoras se formalizaron en 1927 como parte del curso establecido en el Instituto de Arte de Kiev . El mismo año, se convirtió en miembro fundador de la Asociación de Maestros Revolucionarios de Ucrania (ARMU), junto con David Burliuk , Vadym Meller , Viktor Palmov , Vasyl Yermylov y otros.
En 1927, Oleksandr Bohomazov inició el último y uno de los más ambiciosos proyectos de su carrera: el tríptico " El aserradero" . Este trabajo se convirtió en la culminación de su vida creativa y llevó su estilo a un nuevo nivel, y el propio artista lo llamó Espectralismo .
El formato del tríptico también fue único para ese período artístico y se sabe que es la única obra de arte tríptico de las vanguardias ucraniana y rusa. 'El Aserradero' encarnaba las principales opiniones de Bohomazov, expuestas en el tratado " La pintura y sus elementos ". Bohomazov tardó 3 años en crear la obra, y se crearon más de 300 bocetos para esta imagen. Sólo dos de las tres pinturas se terminaron antes de la muerte del artista en junio de 1930. La tercera pieza existe en forma de borrador final. Las pinturas de 'Aserraderos' se exhibieron en el pabellón soviético de la Bienal de Venecia en 1930. Posteriormente también se exhibieron en Suecia en 1931 y en Japón en 1932.
La obra sufrió importantes daños durante el viaje a la Bienal de Venecia y durante la siguiente "gira" mundial, inmediatamente después de su creación. Desde entonces se almacenó en el "Fondo Especial" de NAMU , que milagrosamente quedó sin abordar durante el dominio soviético y la ocupación nazi. La obra 'Tuning Saws' se exhibió por primera vez en 90 años en 2019 como parte de la exposición NAMU 'Bohomazov: Creative Laboratory', después de una restauración de tres años.
Bohomazov conoció a su esposa Wanda Monastyrska, también artista, en 1908 en la Academia de Artes de Kiev , donde ambos estudiaban. Al encontrarse en un momento de su vida emocionalmente bajo debido a la ruptura con su padre, quien desaprobaba su elección de carrera y se negaba a ayudarlo materialmente, conocer a Wanda fue un verdadero rescate para el artista.
Oleksandr se enamoró de Wanda a primera vista pero, inicialmente, ella lo rechazó. Sin embargo, después de años de esfuerzos de Bohomazov, su relación creció y gradualmente Wanda se convirtió no sólo en la principal inspiración de Bohomazov, sino también en su mayor apoyo. La pareja se casó en 1913 en Boyarka . En 1917, Wanda dio a luz a su hija, Yaroslava. Su matrimonio despertó el genio creativo de Bohomazov, haciendo de 1913-15 su período más creativo y productivo.
Oleksandr pintó a su esposa en más de 30 ocasiones y la evolución de su relación se puede seguir a través de las representaciones de su esposa que hizo Bohomazov. Si bien los retratos iniciales de Wanda de 1908 a 1911 fueron muy amables y conmovedores, la visión de 1914 de la lectura de Wanda es más atrevida (ahora estaban casadas). En 1915, sus imágenes de Wanda se habían convertido en algo mucho más fuerte, más seguro y más cargado sexualmente.
Hacia 1920, Oleksandr contrajo tuberculosis, que entonces no tenía cura. Su enfermedad había estado poniendo a prueba su salud durante casi una década, y el 3 de junio de 1930, Bohomazov murió. Está enterrado en el cementerio Lukyanivsky de Kiev .
Después de su muerte, Wanda preservó por sí sola sus obras de las autoridades soviéticas y los invasores nazis, hasta que el legado artístico de Bohomazov volvió a ser el centro de atención en la década de 1990.
El trabajo teórico de Bohomazov merece un reconocimiento especial. En 1914, mientras vivía en la pequeña ciudad suburbana de Boyarka , cerca de Kiev , el artista escribió un tratado titulado " La pintura y sus elementos ". En él, Bohomazov trazó la génesis de la forma artística, que surge del momento del movimiento de su elemento primario: el punto. Refiriéndose a los elementos de la pintura: línea, forma, masa pictórica, entorno, etc., Bohomazov opera con estos conceptos, entendiéndolos en dinámica, analizando la pintura como un sistema complejo que cambia constantemente y que vive según sus leyes internas. [3]
En " La pintura y sus elementos ", el ritmo se considera por primera vez no sólo como una categoría cuantitativa, sino también cualitativa, y este fue un descubrimiento innovador para el artista. El tratado explica cómo la personalidad artística traduce el paso y el ritmo de la vida cotidiana al lenguaje de la pintura. Muestra cómo un plano pictórico tranquilo se llena de líneas agitadas y formas pictóricas, con una carga de energía móvil, de la misma manera que nuestra psique relajada se agita y se llena con el ritmo de las líneas y formas del objeto que contemplamos. El ritmo tiene un aspecto psicológico: puede provocar depresión o elevar el ánimo. [4]
Muchas de las posiciones del tratado de Bohomazov anticiparon los logros teóricos del " Suprematismo " de Kazymyr Malevych ( Vitebsk , 1920) y " Punto y línea al plano " de Wassily Kandinsky (escrito en el invierno de 1918-19, publicado en 1926 en la Bauhaus, Dessau). De hecho, en " La pintura y sus elementos" , considera cómo un cuadrado negro sobre fondo blanco es la “forma más perfecta”, un año antes de la obra más famosa de Malevych . [5] Se puede argumentar que el artista ucraniano hizo una contribución significativa a la formación de una nueva posición antológica de la forma en el arte del siglo XX, cuando se afirmó como un elemento autosuficiente.
Después de conocer este trabajo, el investigador francés Andréi Nakov lo calificó de "profético". Desafortunadamente, debido a la Primera Guerra Mundial , seguida de la Guerra de Independencia de Ucrania de 1917 y luego el movimiento antiformalista de las décadas soviéticas, el manuscrito nunca se publicó hasta que resurgió el interés por la herencia de Bohomazov en la segunda mitad del siglo XX. . El tratado se publicó por primera vez en 1996 en Kiev .
La enseñanza del arte había sido para Bohomazov no sólo la forma de practicar su experiencia y compartir sus ideas innovadoras, sino también el medio para llegar a fin de mes durante el volátil período económico y político de principios del siglo XX en Ucrania . Su primera experiencia docente comenzó en el Cáucaso en 1915, donde se trasladó para trabajar como profesor de artes gráficas en la Escuela Secundaria de Goris (actualmente Armenia ), hasta finales de 1917. Después de regresar a Ucrania , trabaja en varias escuelas. – en Zolotonosha (1917), más tarde en Boyarka (1918-1922), a veces teniendo que trabajar en varios lugares a la vez.
A partir de 1919, también enseñó en el Primer Estudio Estatal de Pinturas y Artes Decorativas de Kiev . De 1919 a 1920 fue Jefe del Departamento de Educación Artística del Comisariado de Artes Visuales de Ucrania. Al mismo tiempo, fue cofundador del Movimiento Agitprop Ucraniano y creó diseños para el movimiento Agitprom. Desde 1922 hasta su muerte en 1930, fue profesor en el Instituto de Artes de Kiev (ahora Academia Nacional de Artes Visuales y Arquitectura), junto a Vadym Meller , Vladimir Tatlin y Viktor Palmov . Su enfoque único de la enseñanza en ese momento se centró en explicar la evolución de las formas de arte a través de la lente del contexto histórico y la dinámica del cambio social.
Después de la muerte del artista, su nombre fue olvidado en la Unión Soviética y sus obras fueron expuestas sólo una vez en 1966 en la Casa de la Unión de Escritores de Kiev en la exposición " Gráficos y arte de Oleksandr Bohomazov ". [6] Hasta principios de la década de 1970, la obra de Oleksandr Bohomazov permaneció ignorada no sólo por los historiadores del arte occidentales sino también por los de Ucrania. A finales de 1973, gracias a la intermediación de colegas ucranianos de Kiev , el investigador de arte franco-búlgaro Andréi Nakov pudo acceder al estudio de Bohomazov, que, en ese momento, estaba en manos de su viuda. Impresionado por la obra futurista del artista, habló de ella en varias ocasiones y publicó los primeros estudios breves dedicados a Bohomazov en 1973, 1977 y posteriormente en 1992 en editoriales de Europa occidental. Por primera vez, sus obras aparecieron fuera de Kiev recién en 1973, cuando varias de ellas fueron incluidas en la exposición Tatlin's Dream en Fischer Fine Art en Londres. [7] Tras la caída del Muro de Berlín y la independencia de Ucrania, fue posible una exposición más amplia de su obra. En 1991 sus pinturas se exhibieron en el Museo de Arte Moderno de Toulouse , cuyo director Alain Mousseigne no sólo compartía el entusiasmo de Andréi Nakov por Bohomazov sino que hizo todo lo posible para presentar sus obras en los museos. Alentadas por los éxitos obtenidos en Francia, las autoridades ucranianas recogieron en ese momento la antorcha y presentaron la misma exposición en Kiev. Desde esa fecha, han surgido varias publicaciones en Ucrania, mientras que las obras de Bohomazov han entrado en colecciones públicas ucranianas y occidentales, [8] incluido el MoMA y el Museo Guggenheim de Nueva York, el Instituto de Arte de Chicago , el Museo Ludwig de Colonia, la Colección James Butterwick de Londres, el Kröller- Museo Müller en Otterlo , Países Bajos, NAMU en Kiev y otros.
En 2022 las obras de Bohomazov pasaron a formar parte de la exposición 'En el ojo de la tormenta: el modernismo en Ucrania 1900-1930' , organizada con el apoyo del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid con muchas obras cedidas por el Museo Nacional de Arte de Ucrania. y el Museo Estatal de Teatro, Música y Cine de Ucrania. Sus obras, junto con las obras de otros representantes del movimiento de vanguardia ucraniano , Kazymyr Malevych , Oleksandra Ekster , Wladimir Baranoff-Rossiné y Sonia Delaunay , fueron cuidadosamente transportadas bajo el bombardeo activo del territorio de Ucrania debido a la invasión rusa . Después de Madrid, la exposición viajará al Museo Ludwig de Colonia , Alemania, en 2023. [9] 'Paisaje' de Bohomazov aparece en la portada de la edición de arte en apoyo de la exposición. [10]
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