Mary Tillman Smith (1904-1995) fue una pintora autodidacta del sur de Estados Unidos que vivió y trabajó en Mississippi la mayor parte de su vida. Creó pinturas audaces, coloridas y expresivas, generalmente usando pintura para casas sobre madera o hojalata. Su trabajo consiste en figuras muy estilizadas en colores fuertes, a menudo con puntos y rayas animados, junto con textos a veces crípticamente abstractos sobre colores de fondo monocromáticos contrastantes. Su trabajo se exhibe en todo el mundo y es coleccionado por museos, los más famosos son la Galería Nacional de Arte de Washington, DC, y el Museo Metropolitano de Arte , [1] así como muchos otros museos, incluido el High Museum of Art en Atlanta; el Museo de Arte de Young en San Francisco; el Museo de Bellas Artes de Houston ; el Museo de Arte de Milwaukee ; el Museo de Arte de Birmingham ; y el Museo Smithsonian de Arte Americano ; [2] así como las colecciones de la Universidad Tufts , la Universidad Willamette y la Universidad de Mississippi . Ha realizado exposiciones individuales en galerías de Estados Unidos y Europa, y ha sido incluida en numerosas exposiciones colectivas. Se la considera una artista autodidacta sureña, grupo al que pertenecen Thornton Dial y Nellie Mae Rowe . Su obra fue muy promocionada por el comisario y coleccionista William Arnett .
Smith era hija de aparceros. [3] Smith fue la tercera de trece hijos y a temprana edad fue identificada como sorda. [4] Completó una educación de quinto grado, a pesar del aislamiento y la soledad que conllevaba no tener acceso al mundo oyente que la rodeaba. [5] A lo largo de su infancia, Smith "encontró una salida en el dibujo". [4]
Smith se casó dos veces, una vez en un matrimonio corto con Gus Williams [4] en 1922 y luego con John Smith en algún momento de la década de 1930. [3] Su segundo matrimonio también fue corto, y terminó cuando Smith vio que el acuerdo de fin de año de su marido arrendatario-granjero era extremadamente bajo. [3] [4] Sus quejas sobre el error, una diferencia de más de $1,000, llevaron a John Smith a "mandarla lejos". [4] Smith luego se mudó a Hazelhurst, Mississippi, para vivir sola. En 1941, dio a luz a su hijo, Sheridan L. Major, aunque no se casó con su padre. [4] Smith trabajó como jardinera y realizó otras tareas domésticas hasta que se jubiló en la década de 1970. [6]
En 1985, Smith sufrió un derrame cerebral que le dejó con problemas de habla y escritura. Después del derrame, su producción disminuyó hasta llegar a dos obras al día. [6] A medida que su producción disminuyó, Smith ganó menos dinero y dejó de pintar en 1991. [7] Murió en 1995. [4]
Smith comenzó a pintar a fines de la década de 1970. Transformó su casa y su jardín, un área de aproximadamente un acre, en un entorno al aire libre envolvente, una "forma altamente pública de autobiografía espiritual". [6] Su obra altamente expresiva y personal encarnaba las ideas que habían estado en su cabeza durante años. [4] Una vez que Smith se conectó con los coleccionistas de arte, luchó por mantenerse al día con la demanda. [3]
Las obras de Smith se crearon a menudo en materiales fácilmente disponibles, como madera contrachapada, chapa ondulada y otras piezas recicladas. [3] En sus primeros trabajos, a menudo utilizaba solo uno o dos colores de pintura. Sus imágenes estilizadas "recuerdan las máscaras ceremoniales de África occidental" y muchas son alegóricas. [6] Su arte ha sido comparado con el de artistas como Jean-Michel Basquiat . [8] Su trabajo también era de naturaleza muy personal. Uno de sus temas favoritos era pintar retratos de familiares, amigos y vecinos. [4] Muchas de sus obras presentan figuras con los brazos en alto, una imagen asociada con el éxtasis o la iluminación espiritual.
La obra posterior de Smith consistió en composiciones geométricas con más colores e interesantes yuxtaposiciones de espacio positivo y negativo. [4] En ocasiones, su obra incorporaba texto junto con sus imágenes. Estas partes textuales de su obra eran crípticas y creaban un "vocabulario pictórico personal" que "documentaba y celebraba su mundo, tanto religioso como secular". [5]
"En el Sur había muchas mujeres que trabajaban como peones agrícolas. Conocer a la Sra. Smith, ser testigo de su trabajo manual y su sensibilidad y de su alabanza al Señor en sus acciones cotidianas, me conmovió. Podía sentir todo el poder que ponía en su trabajo. Tuvo una vida dura... Pintaba con tanta valentía y sobre cualquier material que tuviera. Se rodeaba a sí misma y a su jardín con su trabajo. No podía oír muy bien, pero podía decir lo que necesitaba decir con un pincel y tenía una sonrisa que te derretía el corazón". - artista y músico Lonnie Holley [9]
"... Como sucede con toda improvisación avanzada, la de Smith nunca fue un proceso instintivo, sin modulación, sin dejar que todo se descontrole, sino más bien una mezcla de planificación cuidadosa con una interpretación pictórica retrospectiva y prospectiva, un acto de mirar hacia atrás (en el tiempo o el espacio) y mirar hacia adelante en la pintura. Una obra sin título contiene aplicaciones secuenciales de pintura negra, luego naranja, luego más negro y luego pintura roja. Su efecto restringe el naranja, el color más agresivo de la pieza. La tensión resultante entre el negro y los colores cálidos se tensa mediante el uso del negro tanto para pintar de base como para borrar parcialmente las figuras naranjas. Observe también que los rasgos de los cinco rostros se crean con diferentes combinaciones de colores. Las inscripciones escritas, la pincelada vigorosa y el color virtuoso no eran sus únicas herramientas expresivas; también podía vestir su mensaje. Existía una relación interesante entre el vestuario de Smith y su arte. En su armario, Smith guardaba una extensa colección de vestidos definida, al igual que su jardín, por yuxtaposiciones de lo espiritual y lo mundano. Estos vestidos reflejaban todos sus estados de ánimo y pensamientos. Colgaban en su armario, compartimentados, sagrados y profanos: espirituales tranquilos y solemnes cantados por Marian Anderson; bulliciosas celebraciones de la vida por parte de Louis Armstrong, Little Richard y BB King. Cuando se sentía piadosa o humilde, cuando dibujaba una simple casita con un pequeño y solitario ocupante y lo acompañaba con una declaración de humildad suprema: "Mi nombre es alguien. El Señor para mí no es nadie", o cuando pintaba a Cristo rodeado de manchas de sangre, se vestía de blanco -el traje tradicional de la sirvienta doméstica (se llamaba "uniforme") o el atuendo de una enfermera- para servir a Dios o para tratar de curarnos a todos. Cuando pintaba el retrato de una amiga con pintura para casas naranja y verde, u otros vivos tributos multicolores a sus perros y gatos, o cuando sentía ganas de castigarnos por nuestras deficiencias ("En la cara está todo bien, en la cara no vale" o "El Señor sabe quién es bueno y quién es malo y quién dice mentiras"), salía en explosiones de color, destellando, zigzagueando, diciendo lo que pensaba, manteniéndose firme. Se mantuvo firme hasta 1995, cuando murió a la edad de noventa y un años. Una hija pobre, negra, sin educación y con problemas de audición "Las obras de un aparcero se habían convertido en un importante artista, exhibidas y coleccionadas en todo Estados Unidos..." - William Arnett, fundador de la fundación Souls Grown Deep. [10]
Llamados a crear: artistas negros del sur de Estados Unidos , National Gallery of Art, Washington, DC, 18 de septiembre de 2022 – 26 de marzo de 2023, curada por Harry Cooper. [11]