Musica ricercata es un conjunto de once piezas para piano de György Ligeti . La obra fue compuesta entre 1951 y 1953, [1] poco después de que el compositor comenzara a dar conferencias en laAcademia de Música de Budapest . [2] La obra se estrenó el 18 de noviembre de 1969 en Sundsvall , Suecia . Aunque la ricercata (o ricercar ) es un estilo contrapuntístico establecido (que se utiliza en el movimiento final de la obra), el título de Ligeti probablemente debería interpretarse literalmente como "música investigada" o "música buscada". Esta obra captura la esencia de la búsqueda de Ligeti para construir su propio estilo compositivo ex nihilo , [3] y como tal presagia muchas de las direcciones más radicales que Ligeti tomaría en el futuro.
En respuesta a una petición del Quinteto Jeney, seis de los movimientos fueron arreglados para quinteto de viento como Seis bagatelas para quinteto de viento (1953). [4] Son, en orden: III, V, VII, VIII, IX, X.
El acordeonista parisino Max Bonnay transcribió ocho movimientos (I, III, IV, VII, VIII, IX, X, XI) para bayán .
Una característica estructural global importante de Musica ricercata es que Ligeti se limita a ciertas clases de tono en cada movimiento, y cada movimiento posterior tiene exactamente una clase de tono más que el anterior. Las clases de tono que se encuentran en cada movimiento son las siguientes:
A continuación se presentan breves descripciones (con algunos análisis) de cada movimiento de Musica ricercata . [5] [6]
Este movimiento utiliza la clase de tono A casi exclusivamente; D se introduce como la nota final, proporcionando así un impulso al resto de los movimientos. También podría pensarse en utilizar el temperamento igual de un tono. Ligeti desarrolla esta clase de tono único explotando las dimensiones del ritmo y el timbre (un ejemplo de contrapunto tímbrico ). Un comienzo atronador conduce a un crescendo gradual y un accelerando que consiste en polirritmos en capas en varios registros. La coda, un accelerando medido, golpea varias octavas más de A antes del D final. La relación entre D y A se refuerza mediante la retención de subarmónicos y armónicos de D, que contienen A (un resultado de la serie armónica ).
Tanto el material como el tono de este movimiento difieren notablemente del primero. El tema principal es una quejumbrosa alternancia entre mi ♯ y fa ♯ (un mero semitono). Este tema se escucha tanto en solitario (es decir, en una sola octava) como en octavas tranquilas ( una corda ) en ambos extremos del piano. La entrada del sol cerca de la mitad de la pieza es particularmente cruda, siendo atacada vigorosamente en un accelerando similar al del primer movimiento. El sol continúa sonando en un trémolo sin métrica mientras el tema principal regresa en un contexto más "amenazante". El movimiento se disuelve gradualmente, y tanto el tema principal como los sol repetidos se desvanecen en el silencio.
Partes de este movimiento aparecieron en la banda sonora de Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick . [7]
La calidad alegre, casi bluesera, de este movimiento representa otro contraste con lo que ha venido hasta ahora. La yuxtaposición lúdica de una tonalidad en do mayor (CEG) y do menor (CE ♭ -G) forma la base para el desarrollo del tema principal. La dinámica y el registro también saltan libre y abruptamente, lo que contribuye aún más a la naturaleza nerviosa de este movimiento. La pieza termina en un do grave después de una serie de sonidos simultáneos de mi y mi ♭ , lo que hace que la dicotomía sea aún más evidente sin llegar a resolverla.
Este movimiento es en realidad una reelaboración de ideas del primer movimiento de la Sonatina para piano a cuatro manos del compositor.
Otro movimiento ligero, esta vez ambientado en un vals poco convencional en el que el triple pulso se ve interrumpido ocasionalmente por un compás de 2/4. Para complicar aún más las cosas rítmicamente, Ligeti indica en la partitura que "el valor del metrónomo se refiere al tempo máximo. La pieza puede interpretarse libremente, además de ser más lenta, con rubati, ritenuti, accelerandi, tal como el organillero tocaría su organillo ["l'orgue de Barbarie"]". En consonancia con este estilo, hay pausas abruptas ocasionales o cambios de dinámica e indicaciones para ritardandi y accelerandi.
La pieza está estructurada formalmente como una melodía de vals estándar, similar a la AABA. El tema A consiste en una escala continua con un giro corto al final de la frase. La sección B es generalmente más fuerte, con una mayor dinámica y rango de tonos, con acordes en la melodía (no se escuchan en la sección A). El fondo de vals de triple sensación continúa en la mano izquierda casi durante toda la pieza. Como en movimientos anteriores, Ligeti elige introducir una nueva clase de tono (Sol ♯ ) cerca de la mitad de la pieza en un fortissimo en tres octavas, siendo especialmente visible, aunque el Sol ♯ / La ♭ desaparece después de solo unos pocos compases al ser absorbido por el tema principal del vals.
Para complementar los dos movimientos anteriores, más ligeros, el quinto vuelve a la seriedad del segundo movimiento. Nuevamente, al igual que en el segundo movimiento, el tema principal se apoya en gran medida en el intervalo de semitono. Sin embargo, los recursos de tono adicionales de este movimiento permiten la construcción de dos tricordios relacionados por un tritono . El tritono se convierte en un intervalo extremadamente importante en este movimiento, ya que se introduce como parte del tema secundario en la mano izquierda y forma la base de las armonías paralelas que se escuchan tanto como acompañamiento al tema secundario como en el regreso del tema principal en MM 22. Después de esto, Ligeti introduce un tañido similar a una campana en las clases de tono de sol y la ♭ que continúa interrumpiendo los fragmentos de los temas primario y secundario a medida que se desvanecen hacia el final del movimiento. El movimiento concluye cuando la "campana" continúa sonando en sol de octava baja, creciendo hasta un triple fuerte.
Otro cambio abrupto de estado de ánimo nos lleva al sexto movimiento, caracterizado por cambios rápidos e inesperados de dinámica, registro, articulación y material musical. Un descenso de Mi a La (estableciendo así tentativamente una tonalidad de La mayor) define el material melódico inicial, mientras que se escucha un ascenso en escala de La a Mi en el acompañamiento de la mano izquierda. Finalmente, los motivos ascendentes y descendentes se mezclan y recombinan, empujados juntos en una caja de juguetes melódica. La pieza termina en un Mi apropiadamente incómodo e inesperado (de un poliacorde de Fa menor /Si menor ), dejando al oyente con una falta de resolución.
El movimiento comienza con un ostinato de siete notas en la mano izquierda que, según indica Ligeti, debería ser rítmica y dinámicamente independiente de la mano derecha. La mano derecha lleva una melodía de estilo folklórico que primero se escucha sola en notas individuales antes de yuxtaponerse en un canon suelto con varias versiones transformadas de sí misma, lo que produce un contrapunto animado con armonías ricas y una sensación de libertad rítmica. Finalmente, ambas manos suben una octava, lo que aligera significativamente la textura. La pieza concluye con la mano derecha asumiendo el ostinato en una octava aún más alta; el ostinato pierde notas progresivamente hasta que se convierte en un trino en fa y sol que procede a desvanecerse hasta el silencio.
Este movimiento está claramente basado en el segundo movimiento, "Andante", de la Sonatina para piano a cuatro manos del compositor. Se utiliza de nuevo en el segundo movimiento de su Concierto para violín (1992).
El silencio del movimiento anterior se rompe con una fuerte disonancia en las octavas D y E. Así introducido, el tema principal se escucha en octavas, una danza vivaz y vigorosa en 7/8. Este tema principal se caracteriza por una melodía escalar más baja en la que cada nota está acompañada por un E más alto. Después de una serie de transformaciones de esta melodía en la mano izquierda, esa mano toca el tema como una figura de acompañamiento mientras que la mano derecha toca una versión ligera, juguetona y rítmicamente mutada de la melodía escalar del tema principal. Así, el tema principal regresa en ambas manos en todo su esplendor, desvaneciéndose brevemente para una reafirmación de la idea melódica secundaria antes de que el tema principal concluya decisivamente el movimiento.
Aunque el patrón de acento rítmico impulsa el movimiento, Ligeti elimina pulsos de ciertos compases para "reiniciar" el patrón en secciones en las que la repetición del tema con la mano izquierda se desvía de la derecha. Ligeti refuerza aún más los orígenes de danza folclórica del movimiento al utilizar una gran cantidad de quintas abiertas en el acompañamiento que corresponden a las cuerdas abiertas de un violín o un violonchelo. De hecho, los numerosos "saltos" métricos y desfases rítmicos pueden referirse a músicos folclóricos que entran accidentalmente en los momentos equivocados.
Otro movimiento "serio", que comienza con una octava grave de Do ♯ , que el compositor marcó como "campanas de sonido grave". De estas profundidades surge una melodía que consiste en una serie de pares de 3ras menores en un ritmo consistente de semicorchea/corchea con puntillo (que guarda cierta similitud con el " Verbunkos " de la suite de danza Contrastes de Bartók ). Estos motivos melódicos y rítmicos se utilizan a lo largo del movimiento. Después de la presentación inicial y lúgubre del tema, viene una repetición repentina y fuerte de 3ras menores en la mano derecha, junto con una reafirmación del tema principal en la mano izquierda marcada "como si entrara en pánico". Después de estas exploraciones más agitadas del tema, prevalece una textura mucho más ligera con trémolos que acompañan a otra melodía centrada en la tercera menor. La pieza concluye cuando las "campanas" de Do ♯ grave continúan su ineludible tañido.
El movimiento más abiertamente virtuoso de Musica ricercata . El uso aparentemente libre de la disonancia se puede rastrear hasta la bitonalidad entre Re y Do ♯ , de la que se derivan muchos de los motivos conflictivos. Comenzando con una melodía cromática baja y rítmica (alternando entre compases de 2/4 y 3/8), se introduce rápidamente una melodía arpegiada más alta como tema secundario . Después de una fuerte reafirmación del tema de apertura, Ligeti hace la transición a un conjunto de material etiquetado como " capriccioso e burlesco", que utiliza una melodía arpegiada con acompañamiento cromático , efectivamente una combinación de las dos ideas principales hasta el momento. A medida que Ligeti hace un uso cada vez mayor de la disonancia de segunda menor entre los dos centros de tono de Re y Do ♯ a través de nuevas reafirmaciones de los temas primero, segundo y tercero, comienzan a desarrollarse grupos de tonos . Estos grupos agrupan tonos a través de una sección marcada como "insistente, rencorosa" antes de culminar en un único grupo grande que utiliza todas las clases de tonos cromáticos excepto C y D. Esto está marcado para repetirse "a menudo" y tocarse "como un loco". Después de construir hasta el máximo, un silencio proporciona un respiro antes de una reafirmación del tema del arpegio que culmina en la primera clase de tono del movimiento, D.
En la primera interpretación de Seis bagatelas para quinteto de viento, el último movimiento (un arreglo de Musica ricercata X) fue omitido por ser demasiado «peligroso» debido a su disonancia y cromatismo. [8]
El compositor barroco Girolamo Frescobaldi es considerado un innovador importante en el campo del ricercare , un precursor de la forma de fuga posterior del contrapunto imitativo . De hecho, este movimiento final de Musica ricercata está estructurado como un ricercare o fuga libre, y más tarde se publicó en una versión para órgano titulada Ricercare per organo – Omaggio a Girolamo Frescobaldi en 1953.
El tema es una serie de tonos que emplea los doce tonos cromáticos. Las entradas sucesivas del tema se producen en la quinta, como en una fuga propiamente dicha, pero siempre siguen inmediatamente al enunciado completo del tema anterior. El contrasujeto , una escala cromática descendente simple, siempre se escucha en una voz inmediatamente después de su enunciado del tema. Sin embargo, Ligeti no se adhiere a muchas restricciones de la fuga, ya que las entradas sucesivas a menudo dan lugar a una gran cantidad de movimiento paralelo entre las voces. Los valores rítmicos disminuyen gradualmente con las entradas sucesivas del tema, lo que establece una dicotomía entre valores rítmicos más largos y más cortos en el medio de la pieza. Después de una serie de stretti que extienden las voces externas hasta los mismos bordes del rango del piano, el tema se vuelve rítmicamente fragmentado e irregular, y finalmente se posa en la clase de tono final A, con la que comenzó toda la obra.
La obra completa ha sido grabada por Pierre-Laurent Aimard (1996), Fredrik Ullén (1998), Noelia Rodiles (2014) y Bruno Vlahek (2020). Selección de movimientos (IV, III, X, IX, V, VII) registrados por Kit Armstrong (2014). [9]