Familia de saltimbanques (en francés: Famille de saltimbanques ) es una pintura al óleo sobre lienzo de 1905 de Pablo Picasso . La obra representa a seis saltimbanques, una especie de artista circense itinerante , en un paisaje desolado. Se considera la obra maestra del Período rosa de Picasso , a veces llamado su período circense. La pintura se encuentra en la colección de la Galería Nacional de Arte en Washington, D.C.
Esta pintura fue creada durante los primeros años de Picasso como artista después de mudarse a París desde Barcelona en 1904. Cuando era joven y tenía poco dinero, Picasso vivía en un estudio en un edificio ruinoso conocido como Bateau -Lavoir . Tuvo la suerte de estar rodeado de los muchos artistas jóvenes que vivían en el edificio y en el área local, pero para Picasso, este fue un período de soledad y pobreza. Su simpatía por las personas solitarias, pobres y aisladas es más evidente en las pinturas melancólicas de su Período Azul , que continuó hasta 1904. En 1905, Picasso cambió su perspectiva y comenzó a pintar en una nueva paleta de tonos más cálidos, representando sujetos con un tono más positivo. En este Período Rosa , Picasso desarrolló un interés en la vida del saltimbanqui, o artista ambulante de circo, a menudo representando grupos o familias de acróbatas. [1]
Familia de saltimbanquis fue pintada durante un período que va desde finales de 1904 hasta principios de 1906, cuando Picasso estaba explorando temas relacionados con el saltimbanqui. Durante este período, Picasso asistía con frecuencia al Cirque Médrano en Montmartre y se inspiró en un grupo de artistas del lugar. Picasso encontró una conexión con los artistas del circo, ya que, como él, muchos de ellos eran de España y habían vivido un estilo de vida transitorio que él también había experimentado cuando era joven. [1]
Familia de saltimbanquis es una enorme pintura de 2,13 x 2,35 metros. Fue una obra ambiciosa para un artista joven y empobrecido. La pintura consiste en un grupo de saltimbanquis, que están juntos pero parecen estar desconectados ya que no se miran entre sí. [2] Picasso se representó a sí mismo en esta composición como el arlequín vestido con un traje con estampado de diamantes. Las figuras del grupo parecen aisladas, como perdidas en sus propios pensamientos. Miran hacia una mujer que está sentada sola. Se muestra al arlequín extendiendo la mano hacia un niño que está de pie detrás de él. [1]
John Richardson y otros historiadores del arte han considerado que la atmósfera onírica de la pintura y las apariencias inexpresivas de las figuras estuvieron influenciadas por el consumo de opio por parte de Picasso , una sustancia que era utilizada regularmente por los inquilinos del Bateau-Lavoir durante este período. En el primer volumen de la biografía de John Richardson de 1991 , A Life of Picasso , afirmó que el artista fumó opio varias veces a la semana entre 1904 y 1908. [3]
El análisis de la pintura ha revelado que Picasso pintó la composición dos veces antes de completar la tercera y última capa. En 1980, EA Carmean y Ann Hoenigswald hicieron el descubrimiento mientras realizaban un examen de rayos X de la pintura. El examen reveló que había dos pinturas anteriores debajo de la superficie, la primera de las cuales representaba a una familia de circo y la segunda a una pareja de acróbatas. Esto demostró que Picasso trabajó en el lienzo durante más de un año y también ayudó a aclarar la cronología de su transición artística desde el final de su Periodo Azul en 1904 hasta su Periodo Rosa temprano en 1905. Los historiadores del arte no tienen claro si Picasso pintó sobre las pinturas anteriores porque no estaba satisfecho con ellas o porque simplemente era demasiado pobre para permitirse un nuevo lienzo. [4]
La radiografía ha mostrado las versiones anteriores del cuadro, en las que Picasso había realizado varios cambios en las figuras, como el sombrero y los hombros de la mujer, el color de las zapatillas de ballet del niño y la pierna roja del bufón. [1]
El estudio científico también reveló cómo Picasso no solo cambió las figuras a lo largo de varias versiones de la pintura, sino que también cambió la tonalidad. La imagen original era predominantemente azul, pero Picasso la cambió a rosa y permitió que los tonos azules se vieran a través de la pintura a medida que realizaba cambios en la pintura. La composición final resultante transmite una paleta de azul rosado oscuro que presenta una atmósfera general de tristeza. [5]
Los críticos han sugerido que La familia de los saltimbanquis es un retrato grupal encubierto de Picasso y su círculo social, simbolizado como pobre, independiente y aislado. La pintura fue retirada del salón español en la IX Bienal de Venecia en 1910, porque la organización la consideró inapropiada. [6]
Las figuras de la pintura han sido descritas como representaciones de identidades específicas. Mientras que el arlequín se parece a Picasso, el pequeño acróbata se parece al amigo de Picasso, el poeta Max Jacob . El acróbata de cejas profundas se considera una representación de André Salmon y se dice que el gran bufón es una representación de Guillaume Apollinaire . Fue junto a estos amigos que Picasso frecuentaría el Circo Medrano. [7] En su libro Picasso y Apollinaire: La persistencia de la memoria , Peter Read señala que los dibujos preparatorios para la obra revelaron que el gran bufón era en realidad una representación de El Tío Pepe Don José, el jefe de una compañía de circo. Continúa opinando que las figuras de la pintura son alegóricas y representan a Picasso y su círculo social enfrentando un nuevo siglo sin un camino claro que los guíe. [8]
Harold B. Plum señala que las figuras del cuadro están colocadas de izquierda a derecha en orden descendente de altura, siendo la figura más alta el propio Picasso. Describe la pintura como una ilustración de la transición personal del artista. "En la pintura, estaba representando una metamorfosis desde la niñez tardía hasta la edad adulta, en la vida y en el arte". [9]
EA Carmean ha establecido una conexión entre las figuras del cuadro y las circunstancias de la vida personal de Picasso. En la época en que Picasso trabajaba en este cuadro vivía con su pareja Fernande Olivier . Ella había traído a casa a una niña de diez años de un orfanato y luego la había devuelto. Carmean señaló que en el cuadro, el arlequín, que representa a Picasso, está tratando de alcanzar a la niña que está de pie detrás de su espalda. En el lado derecho del cuadro hay una mujer aislada, que representa a Olivier, que está sentada con una mano en su hombro y la otra en su regazo como si estuviera sosteniendo a un bebé desaparecido. Carmean considera que esta imagen es una metáfora de este incidente emocional en la vida de Picasso. [4]
La Familia de Saltimbanquis es la culminación del ciclo Saltimbanqui, una serie de dibujos, pinturas, grabados y esculturas en las que Picasso se centró desde finales de 1904 hasta finales de 1905. Tras estudiar la vida de los artistas circenses del Circo Medrano, Picasso decidió retratarlos no desde la perspectiva alegre de sus actuaciones, sino como un grupo aislado dentro de una imagen estática y melancólica. El Museo de Orsay describe la pintura como una obra maestra y señala que "Picasso está menos interesado en el espectáculo, generalmente excluido del marco, que en los otros aspectos de sus vidas, capturando un espacio medial entre los mundos público y privado donde convergen la trivialidad más banal y la gracia más sublime". [10]
El cuadro fue comprado directamente a Picasso en 1908 por el empresario parisino André Level para la colección La Peau de l'Ours. Seis años después, fue vendido en el Hôtel Drouot y adquirido por las Galerías Thannhauser de Múnich. En algún momento entre noviembre de 1914 y junio de 1915, el lienzo fue comprado por Hertha Koenig y luego por la Galería Valentine de Nueva York. En 1931, la obra de arte fue vendida a Chester Dale , quien finalmente la donó a la Galería Nacional de Arte a través de un legado en 1963. [11]
El poeta bohemio-austriaco Rainer Maria Rilke (1875-1926) se inspiró en esta pintura cuando escribió la quinta de diez elegías en sus Elegías de Duino (1923). Rilke utilizó las figuras en la pintura de Picasso como un símbolo de "la actividad humana... siempre viajando y sin residencia fija, son incluso un poco más fugaces que el resto de nosotros, cuya fugacidad fue lamentada". Además, aunque la pintura de Picasso representa a las figuras en un paisaje desolado del desierto, Rilke las describió como de pie sobre una "alfombra raída" para sugerir "la soledad y el aislamiento definitivos del hombre en este mundo incomprensible, practicando su profesión desde la infancia hasta la muerte como juguetes de una voluntad desconocida... antes de que su 'puro demasiado pequeño' se hubiera convertido en 'vacío demasiado'". [12]
Ingmar Bergman citó la imagen de Picasso como inspiración para El séptimo sello . [13]