En la crítica de arte de las décadas de 1960 y 1970, la planitud describía la suavidad y la ausencia de curvatura o detalles superficiales de una obra de arte bidimensional.
El crítico Clement Greenberg creía que la planitud, o bidimensionalidad, era una cualidad esencial y deseable en la pintura , un criterio que implica el rechazo de la pictórica y el empaste . La valorización de la planitud condujo a una serie de movimientos artísticos, entre ellos el minimalismo y el abstraccionismo pospictórico . [1] [2]
El modernismo artístico se produjo durante la segunda mitad del siglo XIX y se extendió hasta la mayor parte del siglo XX. Este período artístico se caracteriza por las formas artísticas que consisten en una imagen sobre una superficie plana bidimensional. Esta evolución artística comenzó en la década de 1860 y culminó 50 años después. Para entonces, casi todas las obras tridimensionales habían sido eliminadas. Este nuevo enfoque de la pintura tenía como objetivo crear una apariencia visual de realismo. Al mirar una superficie con solo dos dimensiones, nuestra percepción de profundidad es una ilusión. La reducción de la profundidad en la pintura fue consecuencia de la investigación. Esta nueva esencia del autoanálisis intentó establecer una experiencia o efecto en el espectador de la pintura. [3]
El término plano se puede utilizar para describir gran parte de las obras de arte estadounidenses populares de los años 1950 y 1960. El arte de este período tenía un diseño básico pero colorido que mantenía un grado de forma bidimensional. Por lo tanto, el término plano se utiliza para describir este medio. La idea básica del minimalismo comenzó en Rusia en 1913 cuando Kazimir Malevich colocó un cuadrado negro sobre un fondo blanco y afirmó que:
El arte ya no quiere servir al Estado ni a la religión, ya no quiere ilustrar la historia de las costumbres, no quiere tener nada que ver con el objeto como tal y cree que puede existir en sí y para sí sin cosas. [4]
Una de las primeras obras de arte minimalistas fue creada en 1964 por Dan Flavin . Produjo una escultura de neón titulada Monument for V. Tatlin . Esta obra era un ensamblaje simplista de tubos de neón que no estaban tallados ni construidos de ninguna manera. La idea era que no debían simbolizar nada, sino simplemente existir. El enfoque minimalista del arte consistía en concebir con la mente antes de la ejecución. Los modos tradicionales de composición artística fueron rechazados en favor de la improvisación, la espontaneidad y el automatismo . Este nuevo estilo expresionista consistía en la creación de patrones improvisados donde cada pincelada se consideraba una expresión y una libertad subjetiva. [5]
Este concepto inspiró una forma de arte completamente nueva llamada Pop Art . Mantuvo la combinación de colores y la simplicidad del minimalismo , pero tomó prestadas imágenes de la cultura pop para volverse identificable. Las obras ahora en cuestión tenían un significado para el espectador con imágenes familiares, pero aún conservaban el enfoque vanguardista del minimalismo . El Pop Art es un movimiento bien reconocido en la cultura de la década de 1960. Este tipo de arte era muy libre, de moda y rebelde. Era salvaje y colorido, pero muchas obras conservaban la idea de la planitud bidimensional. [6]
El Pop Art pasó de moda y surgió un nuevo movimiento. El Op Art o Arte Óptico era ahora la última tendencia en decoración del hogar y moda. Esta forma de arte moderno comparte una fuerte relación con la cultura, el pensamiento y el diseño de la década de 1960. Esta nueva forma de arte se centró en la pintura no objetiva que se centraba en el diseño, el color, la forma y la línea. Estas pinturas se dibujaban a mano o se creaban con una ayuda mecánica. Presentaban un diseño bidimensional de aspecto plano que podía parecer que salía en una forma casi tridimensional. Algunas piezas parecían moverse debido a la forma y la colocación de las líneas, creando un truco para la vista . Esta forma de arte fue creada para probar los límites de la percepción consciente del espectador. [7]
Los colores brillantes ya no eran los preferidos, ya que gran parte del arte óptico es en blanco y negro con poco uso del color. Los diseños presentados migraron de nuevo a la idea minimalista del arte simplemente existente y no representando un ideal. Una artista muy conocida de este estilo es Bridget Riley, que dio forma a la escena del arte contemporáneo de principios de los años 50 y 70. Sus obras están diseñadas para atraer la mirada de tal manera que estiran y desordenan el sentido perceptivo. Se la considera una artista innovadora en el ámbito del arte moderno. Su trabajo consiste principalmente en patrones detallados de líneas y círculos para crear un desafío óptico para el espectador. [8]
Riley compone su arte con la idea de que todos tenemos una visión limitada de cómo vemos las cosas y nuestra visión rara vez se amplía a nuevas capacidades. Su obra confronta al observador con nuevas sensaciones imaginativas, y el propósito general del artista desaparece y es reemplazado por lo que el espectador concibe. Esta forma de arte no tiene un tema claro y delineado, por lo tanto, permite una libertad total para que uno componga su imaginación. La obra de Riley ignora el objeto y, en cambio, se centra en el movimiento visual para crear un patrón aparentemente infinito. El arte de Riley apareció en la moda de esa época. Patrones similares siguen siendo populares en la ropa de hoy. [9]