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Lillian Mathilde Genth (1876 – 28 de marzo de 1953) fue una artista impresionista estadounidense . Es más conocida por sus representaciones de desnudos femeninos en paisajes. Sin embargo, a mitad de su carrera renunció a pintar desnudos femeninos y comenzó a pintar cuadros más conservadores inspirados en sus viajes. En aproximadamente 30 años, Genth apareció en 233 exposiciones y, aunque fue muy famosa por sus pinturas mientras estuvo viva, su historia y sus obras de arte se han perdido en la historia del arte estadounidense. [1]
Lillian Mathilde Genth nació en Filadelfia, Pensilvania , hija de Matilda Caroline Rebscher y Samuel Adam. Genth comenzó su carrera artística asistiendo a la Escuela de Diseño para Mujeres de Filadelfia en Pensilvania con una beca. Durante sus años escolares trabajó para ayudar a mantenerse como diseñadora de vestidos. En la Escuela de Diseño para Mujeres de Filadelfia su maestro principal fue Elliott Daingerfield . Daingerfield influyó mucho en su estilo, lo que se puede ver en las cualidades tonalistas y colorísticas similares de sus escenas de paisajes. Genth se graduó de la Escuela de Diseño para Mujeres de Filadelfia en 1900. Recibió la beca europea William L. Elkins por logros en arte de la Escuela de Diseño de Filadelfia, que la patrocinó para pintar en Europa durante un año. [1]
Durante su estancia en Europa , Genth se instaló por primera vez en París, Francia , en octubre de 1900, donde se matriculó en clases de arte en la Académie Carmen , una escuela de arte dirigida por James McNeill Whistler . Whistler ejerció una gran influencia en el trabajo de Genth y se sabía que ella era una de sus alumnas favoritas. Durante una de las visitas de Whistler a la escuela en 1900, quedó tan impresionado por el trabajo de Genth que le regaló una paleta de pinturas; un honor que ella utilizó y atesoró durante el resto de su carrera. [2] Este fue un cumplido increíble de Whistler, que rara vez aceptaba pintoras. [3]
El estilo de Genth suele atribuirse a Whistler por las cualidades tonalistas de sus pinturas y porque él le enseñó a ver sus cuadros como un todo en lugar de como partes individuales. Después de que la Académie Carmen cerrara en 1901, Genth permaneció en Europa durante tres años más. Durante este tiempo trabajó en la pintura de paisajes, escenas de género y frentes de agua; sus desnudos no comenzarían hasta unos años más tarde. [2]
En 1904, Genth regresó a los Estados Unidos y se instaló en la ciudad de Nueva York . Fue en ese momento cuando su carrera comenzó a florecer. En 1904, Genth expuso en tres exposiciones: la Academia Nacional de Diseño , el Club de Arte de Filadelfia y el Museo de Worcester. En octubre de ese mismo año, apareció en su primera exposición individual en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania . También en 1904, Genth recibió el Premio Mary Shaw al mejor paisaje de la muestra por su obra Peasant Houses, Normandy en una exposición en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. [2] Los críticos y el público en general comenzaron a notar y apreciar el trabajo de Genth durante este año beneficioso.
Durante los dos años siguientes, Genth continuó exponiendo en las galerías de arte, museos y clubes de arte más importantes del país. En 1906, Genth desarrolló su interés por el desnudo femenino. Dejó de dibujar sus paisajes de inspiración europea y se centró en la forma femenina. Rápidamente desarrolló habilidades para dibujar la forma femenina desnuda y estableció su estilo que representa mujeres desnudas en entornos de paisajes. Cuando le preguntaron a Genth por qué cambió su forma, respondió: "Porque para mí lo más hermoso del mundo es la figura humana al aire libre. En Bretaña, un día saqué a una modelo y la hice posar al aire libre y de inmediato me llené de resentimiento por toda la belleza que me había estado perdiendo". [2]
La conservadora sociedad victoriana no estaba preparada para aceptar las figuras desnudas de Genth y al principio sus pinturas fueron rechazadas a menudo por las exposiciones y los asesores le dijeron que abandonara su nueva iconografía. Sin embargo, Genth, conocida por su personalidad feroz, perseveró a pesar de estos reveses. En 1908 su pintura, La alondra , le valió el Premio Shaw Memorial en la 83.ª Exposición Anual de la Academia Nacional de Diseño . [2] La alondra representa a una mujer completamente desnuda paseando por el bosque con la cabeza girada mirando hacia el cielo como si acabara de escuchar una alondra, como sugiere el título. Esta pintura demuestra con éxito la influencia de Whistler en Genth a través de la integración de la forma desnuda y el paisaje. El éxito de la pintura se basa en el enfoque de la pintura en su conjunto para hacer que la forma desnuda se arraigue en el paisaje en lugar de verse fuera de lugar.
También en 1908, Genth fue elegida miembro de la Academia Nacional de Diseño como asociada. Fue la mujer más joven elegida para este puesto en la academia. Desde 1910 hasta 1929, Genth apareció en al menos 164 exposiciones. [2] Durante estos años experimentó mucho éxito, popularidad y riqueza. Dividió su tiempo entre sus dos residencias: una es un apartamento en la ciudad de Nueva York y la otra es una gran finca en las montañas Berkshire en Connecticut, a la que llamó Hermitcliff. Hermitcliff era una finca de 70 acres de bosque y fue aquí donde Genth pudo pintar a sus modelos sin interrupción. Le encantaba venir a Hermitcliff y lo utilizó bien a lo largo de los años. Dijo sobre su amada finca: "Las cosas que he aprendido provienen de la tierra en las profundidades de mis bosques en Connecticut". [2]
Después de superar obstáculos preliminares y lograr el éxito en sus formas de desnudo, Genth comenzó a explorar otras formas de arte.
El 12 de agosto de 1928, Genth anunció que ya no pintaría desnudos femeninos. En un comunicado de prensa, publicó: “La señorita Genth se permite anunciar que ha dejado definitivamente de pintar desnudos. En el futuro, se dedicará exclusivamente a temas españoles y orientales”. [2]
El motivo por el que Genth dejó de pintar desnudos sigue siendo un misterio, aunque varios de sus amigos revelaron que Genth se había vuelto muy religiosa. Dijeron que sus nuevos amigos de la iglesia la convencieron de que dejara de pintar sus figuras desnudas. [2] Sin embargo, estos relatos van en contra de la personalidad decidida y decidida de Genth. No era el tipo de mujer que sucumbía a las normas sociales aceptadas, como se vio en su carrera anterior, cuando perseveró con sus pinturas de desnudos.
A lo largo de la década de 1920, Genth realizó múltiples viajes a España y se enamoró del sol y la cultura de ese exótico país. Escribió un artículo sobre sus viajes por España titulado “Castillos en España”, en el que escribió: “Nadie conoce el glamour de España a menos que haya vivido allí: la gloriosa luz del sol y las flores”. [2] Entre 1926 y 1927 viajó por toda España. Sus pinturas de esta época muestran su pasión y admiración por la cultura española e incluyen imágenes de mujeres poderosas. Sus pinturas utilizan colores vibrantes y retratan a sus mujeres como fuertes, hermosas y valientes. [2]
Una de sus pinturas más famosas de esta época es Las Abanicas , que representa a cuatro mujeres con prendas de colores brillantes que participan en la Feria de Sevilla , un festival en Sevilla, España . La pintura consta de muchos patrones, colores y pinceladas que se unen para crear una composición hermosa y brillante. Otro aspecto de la cultura española que intrigó a Genth fue la tauromaquia y creó dos pinturas notables en torno a este tema: La novia del torero y Corrida de toros . [2]
Durante sus viajes de 1926, Genth también se detuvo en el norte de África para pintar en las principales ciudades. Genth era una mujer curiosa y estaba decidida a encontrar temas nuevos e interesantes para pintar y explorar. Viajó sola y llevó consigo todos sus materiales y pinturas [4] y su tiempo en el norte de África fue breve pero agitado. El arte que realizó durante estos viajes representó una variedad de diferentes escenas de la vida cotidiana y retratos de las mujeres locales. [4] En el propio artículo de Genth "Un viaje de pintura en el norte de África", escribe sobre historias del viaje y las experiencias y dificultades de pintar en el camino. Habla de los mercados vibrantes y la cultura extranjera, pero principalmente describe los colores hermosos pero únicos de las ciudades. [4]
En 1931, Genth regresó de un viaje a Asia y anunció que dejaría de pintar temas europeos y africanos y se centraría en Oriente . Cuando se le preguntó por qué, simplemente dijo: “La gente vive en ciclos”. [2] Una de las principales razones de su viaje fue un encargo del rey Pradjadhipok, el rey de Siam .
Genth hizo su primera escala en Japón para ver y pintar luchas de sumo . Durante su estancia en Japón, también pintó una serie de paisajes urbanos de Tokio , siendo una de las pinturas más destacadas la Calle del teatro, Tokio . [2]
Luego Genth viajó a Hong Kong, China , donde pintó Hong Kong de noche , una hermosa pintura que contrasta la luz y la oscuridad de la ciudad desde lejos.
Luego, Genth viajó a Siam , la actual Tailandia , para pintar para el rey. En Bangkok, Tailandia, creó el cuadro La barcaza real , que representa al rey y sus barcos durante el Festival del Agua . [2]
La parada favorita de Genth en Asia era Papúa porque la isla era muy remota y prácticamente no había sido tocada por extranjeros; un barco no había desembarcado allí en más de cuatro años. [2] En Papúa pintó Boda papú (Puerto Morsby) , que captura una vibrante ceremonia de matrimonio con pinceladas de tonos tierra.
Después de Papúa, viajó a Fiji , Bali y Pago-Pago antes de regresar a la ciudad de Nueva York . [2]
Genth vivió el resto de su vida en la ciudad de Nueva York y expuso en algunas exposiciones más durante la década de 1930, pero sus muestras se hicieron cada vez menos frecuentes. En sus últimos años viajaba en coche al norte del estado de Nueva York cada otoño para presenciar el cambio de color de las hojas y pintaba pequeños bocetos de paisajes. [2]
Murió el 28 de marzo de 1953, en su casa de la ciudad de Nueva York, a los 76 años. [2]
La obra de Genth se conserva en las colecciones permanentes de muchas instituciones, incluido el Museo de Arte Hickory , [5] el Museo de Arte Frye , [6] [7] el Museo de Arte Estadounidense de New Britain , [8] [9] el Museo de Arte de la Universidad de Michigan , [10] Cheekwood Estate and Gardens , [11] Salisbury House , [12] y el Museo Smithsonian de Arte Estadounidense . [13]
