Lenore Tawney (nacida Leonora Agnes Gallagher ; 10 de mayo de 1907 - 24 de septiembre de 2007) fue una artista estadounidense que trabajó en arte de fibra , collage , ensamblaje y dibujo . [1] [2] [3] Se la considera una artista pionera en la elevación de los procesos artesanales al estado de bellas artes, dos comunidades que anteriormente eran mutuamente excluyentes. [4] [5] Tawney nació y se crió en una familia irlandesa-estadounidense en Lorain, Ohio, cerca de Cleveland y luego se mudó a Chicago para comenzar su carrera. [2] En las décadas de 1940 y 1950, estudió arte en varias instituciones diferentes [1] [3] y perfeccionó su oficio como tejedora. [2] En 1957, se mudó a Nueva York [1] [3] [2] donde mantuvo una carrera de gran éxito hasta la década de 1960. [3] [6] En la década de 1970, Tawney se centró cada vez más en su espiritualidad, [3] pero continuó haciendo obras hasta su muerte. [6]
Tawney fue una de los cinco hijos nacidos en Lorain, Ohio, de madre irlandesa Sarah Jennings y padre estadounidense de origen irlandés William Gallagher. [2] [7] En 1927, dejó su hogar a los 20 años para mudarse a Chicago, donde trabajó como correctora de pruebas para una editorial de opiniones judiciales. [2] Trabajó duro y finalmente se convirtió en jefa del departamento. [3] Tawney trabajó en Chicago durante 15 años mientras tomaba cursos nocturnos en el Art Institute of Chicago (ahora School of the Art Institute of Chicago ). [8] [2] [6]
Mientras vivía en Chicago, conoció a George Tawney, un joven psicólogo, [7] a través de amigos. [2] En 1941, los dos se casaron, pero 18 meses después, George falleció repentinamente. [2] [7] Su muerte prematura le proporcionó los medios para continuar con su trabajo creativo sin restricciones financieras. [3] Después de su muerte, se mudó a Urbana, Illinois para estar cerca de su familia y se inscribió en la Universidad de Illinois para estudiar terapia de arte de 1943 a 1945. [9] [10] La introducción de Tawney a los principios de la escuela alemana Bauhaus y la vanguardia artística comenzó en 1946 cuando asistió al Instituto de Diseño de Chicago de László Moholy-Nagy . [9] [11] [7] Allí estudió con el escultor cubista Alexander Archipenko y el pintor expresionista abstracto Emerson Woelffer , entre otros, y en 1949, estudió tejido con la exalumna de la Bauhaus Marli Ehrman . [12] [13] [11] [7] Mientras estudiaba con Alexander Archipenko , fue invitada a trabajar y estudiar en su estudio en Woodstock, Nueva York, en el verano de 1947. [3] [2] [9] Allí trabajó en arcilla creando formas abstractas y figurativas. Sin embargo, Tawney encontró el trabajo absorbente y agotador y no estaba lista para comprometerse completamente con el trabajo de ser artista. Regresó a Chicago y destruyó la mayor parte de su trabajo de este período, [2] que sintió que era derivado y no fiel a su propia visión artística. [3]
En el Instituto de Diseño de Chicago y en sus estudios previos, Tawney se centró en las áreas de escultura y dibujo . [9] En 1948, Tawney compró su primer telar, a los 41 años y comenzó a aprender a tejer. [6] [2] De 1949 a 1951, Tawney vivió en París y viajó extensamente por el norte de África y Europa. [11] [2] Regresó a los Estados Unidos y en 1954 estudió con la tejedora finlandesa Martta Taipale en la Escuela de Artesanía de Penland en Carolina del Norte . [1] [10] [14] [9] [7] [15] Poco después, comenzó a experimentar con nuevas técnicas de fibra y paletas de colores en sus tejidos y a crear sus propios diseños. [10] [2] [11] [3] En 1955, comenzó a crear sus característicos tejidos de urdimbre abierta que presentaban un tejido liso , diseños superpuestos y grandes áreas de urdimbre sin tejer , que utilizaban el espacio negativo como elemento visual. [2] Un año después, su trabajo formó parte de la exposición Craftsmanship in a Changing World en el Museum of Contemporary Crafts (ahora el Museum of Arts and Design ) en Nueva York . Esta fue la primera vez que participó en una muestra en una institución nacional importante junto con otros visionarios del arte textil contemporáneo . [3]
Debido a sus métodos de tejido poco ortodoxos, Tawney fue rechazada tanto por el mundo de la artesanía como por el del arte, pero su estilo distintivo atrajo a muchos admiradores devotos. [7] A partir de 1955, el trabajo de Tawney se hizo más conocido y, en consecuencia, más criticado y discutido. [15] En 1957, su amiga Margo Hoff escribió la primera evaluación crítica de su trabajo en un artículo titulado, Lenore Tawney: la urdimbre es su lienzo para la revista Craft Horizons. [2] [3] [15] En este artículo, Tawney reflexionó sobre que a los pintores les gustaba su trabajo, mientras que los tejedores tendían a rechazarlo. [15] Los tejidos de urdimbre abierta de Tawney fueron controvertidos y alteraron las tradiciones y técnicas históricas de larga data en el tejido. [15] [2] Sus interrupciones significaron el comienzo de una era de cambio en el mundo de las fibras. [2]
En noviembre de 1957, Tawney demostró su compromiso con su trabajo y su carrera al mudarse a la ciudad de Nueva York, el centro del mundo del arte moderno. [1] [2] [3] Se instaló en Coenties Slip, donde había una colonia establecida de artistas modernos conocidos como Ellsworth Kelly , Robert Indiana , Agnes Martin y Jack Youngerman . [1] [2] [3] [7] [14] La artista desarrollaría una estrecha amistad y relación artística con Agnes Martin , [2] quien escribiría el ensayo para la primera exposición individual de Tawney en el Museo de Staten Island . [7] Después de ocho meses, Tawney comenzó a alquilar tres pisos de un antiguo loft de veleros que tenía un piso superior con un alto techo estilo catedral para acomodar sus crecientes piezas textiles. [2] [3]
En 1961, la primera exposición individual de Tawney, que incluía cuarenta tejidos que había producido desde 1955, se inauguró en el Museo de Staten Island [1] [2] . Esta exposición fue la primera exhibición pública de los nuevos tapices de urdimbre abierta de la artista. [1] En 1961, Tawney estudió la técnica de tejido de gasa peruana con la artista de fibra Lili Blumenau [3] [2] y fue pionera en una "caña abierta" para su telar con el fin de producir formas tejidas más mutables. [3] La caña abierta permitió que las urdimbres fueran más sueltas y fáciles de manipular a mano para adaptarse a las nuevas visiones de Tawney. [1] [9] Sus primeros tapices combinaban lo tradicional con lo experimental, utilizando la técnica de tejido de gasa peruana e incrustaciones de hilos de colores para crear un efecto pictórico que parecía flotar en el espacio. Durante este mismo tiempo, Tawney comenzó a trabajar en su conocida serie Woven Forms. Las Woven Forms eran monumentales tejidos colgantes, exhibidos lejos de la pared e incorporando espacio negativo. [1] Estos tejidos escultóricos tipo tótem abandonaron el formato rectangular de los tapices tradicionales y a veces incluyeron objetos encontrados como plumas y conchas. [16] Mientras trabajaba en esta serie, la paleta de colores de Tawney pasó a negros, blancos y neutros. [2] [3] Las piezas de la serie Woven Forms eran cada vez más grandes, y la más alta medía 27 pies de alto. [6] [3] [9] Dos años después, en 1963, la exposición Woven Forms en el Museum of Contemporary Crafts (ahora el Museum of Arts and Design ) se organizó en torno a su serie del mismo nombre. [1] [9] [11] [2] Esta fue la primera exposición importante que mostró la gama de nueva experimentación que se estaba produciendo en la disciplina de la fibra y 22 de las 43 piezas eran de Tawney. [2] [3]
Entre 1964 y 1965, la artista comenzó a crear obras de dibujo , collage y ensamblaje . En el verano de 1964, Tawney vio un telar Jacquard cuando visitó una fábrica de etiquetas en Nueva Jersey . [2] Le interesaba cómo se movían los hilos sobre el telar y esta experiencia inspiró una serie de dibujos a tinta sobre papel cuadriculado. [3] [9] Esta serie de ocho piezas inspiraría más tarde la serie de los años 90, Drawings in Air, un estudio tridimensional de líneas como hilos en el espacio. Tawney suspende hilos en el espacio con la ayuda de plexiglás y marcos de madera. La serie Drawings in Air utilizó cajas de plexiglás con agujeros perforados para sostener el "dibujo" geométrico con hilo. [11] Los hilos se basaron nuevamente en el tejido de urdimbre del telar Jacquard que le había llamado la atención por primera vez en 1964. [11]
En 1965, Tawney comenzó a crear trabajos en collage y ensamblaje . [9] [11] Los collages de Tawney abarcaban desde postales, libros, cajones tridimensionales y sillas completamente fabricadas. También experimentó con la aplicación del collage a obras tejidas. [2] Existe una superposición entre sus piezas de collage y ensamblaje, ya que su ensamblaje a menudo incluye collage. Los elementos físicos con los que Tawney hizo collages incluían páginas de libros raros en diferentes idiomas, fotografías, recortes de periódicos y revistas, cartas cosmológicas, símbolos tántricos, ilustraciones de libros de historia del arte y guías de la naturaleza, partituras musicales y sus propios dibujos y escrituras. [7] Sus collages contenían una variedad de mensajes, desde secretos hasta humorísticos. [ cita requerida ]
Un ejemplo del prolífico trabajo de collage de la artista son los collages de postales que envió a familiares y amigos. [7] [6] Comenzó a crear collages de postales en la década de 1960 cuando cambiaba de estudio con frecuencia y viajaba internacionalmente. [9] Algunos de sus collages fueron creados y enviados durante sus viajes, como lo evidencian los sellos internacionales. [7] Estos pequeños collages en postales de tamaño estándar son un ejemplo temprano de arte postal . [3] La artista disfrutó de cómo la aplicación del matasellos fechaba la obra y ofrecía una adición aleatoria a la pieza. [3] [7] Muchos ejemplos de estos collages de postales están incluidos en las colecciones de archivos de artistas como Toshiko Takaezu , Maryette Charlton y Lillian Kiesler en los Archivos de Arte Americano . [17] [18] [19]
Tawney realizó ensamblajes en una variedad de formas, desde esculturas hasta construcciones de cajas y cofres. [2] Los ensamblajes de medios mixtos de la artista incorporan pequeños objetos encontrados, como plumas, ramitas, guijarros, cuerdas, huesos, madera y cáscaras de huevo. [2] Estas delicadas y poéticas piezas eran a menudo de naturaleza espiritual y contenían mensajes elusivos sobre la búsqueda de la paz interior y la fragilidad de la vida. Continuó coleccionando y ensamblando estas piezas hasta su muerte en 2007. Aunque Tawney es conocida principalmente por sus contribuciones al arte de la fibra , sus carteras de collage y ensamblaje son extensas e impresionantes. Los collages de postales y las construcciones de ensamblaje de Tawney llenaron dos exposiciones completas sin piezas textiles en la Galería Willard en 1967 y 1970. [9]
En la década de 1970, el interés en las obras de arte contemporáneas en fibra disminuyó y la carrera de Tawney perdió algo de su impulso. [3] Durante este período, la artista se dedicó cada vez más a su espiritualidad y el ritmo al que producía trabajo anteriormente disminuyó. [3] [6] Sin embargo, continuó creando collages y ensamblajes y su tejido evolucionó y progresó. Sus tejidos de mediados de los setenta eran de gran escala, monocromáticos y con frecuencia tenían ranuras. En marcado contraste con sus anteriores obras de urdimbre abierta, estas piezas estaban tejidas de forma apretada y densa. [3] En su trabajo de la década de 1970, el círculo dentro de un cuadrado era un dispositivo que se repetía como símbolo de unidad. [2] [3] [9] La cruz también era un símbolo repetido en su trabajo que representaba el encuentro de los opuestos. [2]
En 1977, Tawney creó la primera pieza de su monumental serie Nubes. [1] [3] [20] La artista recibió el encargo de crear una pieza para el Edificio Federal en Santa Rosa , California . En ese momento había una sequía en California y Tawney se inspiró para hacer una nube. La nube estaba hecha de un soporte de lienzo que tenía miles de hilos de lino atados y cayendo en cascada hacia el espacio. Luego, el lienzo se adjuntó a una estructura de rejilla encima. [2] [3] [9] Esta primera pieza, "Serie Nubes IV", se completó y se inauguró en 1978. [2] Tawney continuó creando obras de esta serie hasta 1983. [1] [3] La serie de nubes solía ser un gran encargo público, pero a veces también se exhibía en espacios de galerías más pequeños. [3]
Desde finales de la década de 1950 hasta su muerte en 2007, Tawney vivió y trabajó principalmente en la ciudad de Nueva York , viajando al extranjero con frecuencia. A sus 90 años, su visión comenzó a fallar gradualmente, pero continuó haciendo arte con la ayuda de un asistente. [6] En 1989, la artista estableció la Fundación Lenore G. Tawney, a la que donó sus recursos artísticos y financieros. [21] Creó la fundación con el objetivo de hacer que las artes visuales sean más accesibles y crear oportunidades para los artistas emergentes. [21] La Fundación Lenore G. Tawney está representada por la galería Alison Jacques . [22] "Los primeros cien años", dijo con una sonrisa en su centésimo cumpleaños, "fueron los más difíciles". [23]
El trabajo de Tawney fue incluido en la exposición Women in Abstraction de 2021 en el Centro Pompidou . [24] Su trabajo también fue incluido en la exposición Making Knowing: Craft in Art, 1950–2019 en el Museo Whitney de Arte Estadounidense desde 2019 hasta 2022. [25]
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