Leon Kelly (21 de octubre de 1901 - 28 de junio de 1982) fue un artista estadounidense nacido en Filadelfia , Pensilvania. Es más conocido por sus contribuciones al surrealismo estadounidense , pero su trabajo también abarcó estilos como el cubismo , el realismo social y la abstracción . Solitario por naturaleza, un rasgo de carácter que se volvió más exagerado en la década de 1940 y más tarde, el trabajo de Kelly refleja su determinación de no estar limitado por las tendencias de su tiempo. Su gran producción de pinturas se complementa con una prolífica cantidad de dibujos que abarcan su carrera de 50 años. Algunas de las colecciones donde está representada su obra son el Museo Metropolitano de Nueva York, el Museo Whitney de Arte Estadounidense , el Museo de Arte Moderno , el Museo de Arte de Filadelfia y la Biblioteca Pública de Boston .
Kelly nació en 1901 en su casa del 1533 de Newkirk Street, en Filadelfia, Pensilvania. Fue el único hijo de Elizabeth (née Stevenson) y Pantaleon L. Kelly. La familia residía en Filadelfia, donde Pantaleon y dos de sus primos eran dueños de Kelly Brothers, una exitosa empresa de sastrería. La prosperidad de la empresa le permitió a su padre comprar una granja de 144 acres en el condado de Bucks, Pensilvania, en 1902, a la que llamó "Rural Retreat" [1]. Fue aquí donde Pantaleon llevó a Leon a pasar todos los fines de semana lejos de las presiones de los negocios y de las decepciones de su matrimonio en decadencia. Los recuerdos idílicos y pacíficos de la granja permanecieron con Leon e impregnaron su trabajo de un amor por la naturaleza que emergió más tarde en la Serie Lunar, en Return and Departure y en las imágenes de insectos de su obra surrealista. "En todo caso", dijo una vez, "soy panteísta y veo un espíritu en todo, la hierba, las rocas, todo".
A los trece años, Kelly dejó la escuela y comenzó a tomar lecciones privadas de pintura con Albert Jean Adolphe, un profesor de la Escuela de Arte Industrial (ahora la Universidad de las Artes) en Filadelfia. Aprendió la técnica copiando las obras de los viejos maestros y visitando el Zoológico de Filadelfia, donde dibujaba animales. Los dibujos realizados en 1916 y 1917 de elefantes, serpientes y antílopes, así como copias de pinturas de viejos maestros como Holbein y Miguel Ángel , anunciaron un impresionante talento emergente. En 1917, estudió escultura con Alexander Portnoff, pero sus estudios se detuvieron abruptamente con el inicio de la Primera Guerra Mundial. Al ser demasiado joven para alistarse, se unió al Cuerpo de Intendencia en el Depósito del Ejército en Filadelfia, donde sirvió durante más de un año cargando barcos con suministros y, junto con otros artistas, trabajando en dibujos para camuflaje. [2]
En 1920, la suerte de la familia cambió drásticamente. El negocio de su padre había fracasado debido a la introducción de la ropa confeccionada y su matrimonio, infeliz desde el principio, se disolvió. Destrozado por las circunstancias, Pantaleon abandonó Filadelfia para comenzar una existencia errante en busca de trabajo, dejando a Kelly a cargo del sustento de su madre y su abuela. Encontró un trabajo en 1920 en la Freihofer Baking Company, donde trabajó de noche durante los siguientes cuatro años. [2] En estas circunstancias, Kelly continuó desarrollando sus habilidades en el dibujo y la pintura y se enteró de los avances revolucionarios en el arte que estaban teniendo lugar en París.
Durante el día se le concedió permiso para estudiar anatomía en la Escuela de Osteopatía de Filadelfia, donde diseccionó un cadáver y perfeccionó su conocimiento de la figura humana. También conoció y estudió grabado con Earl Horter, [3] un ilustrador muy conocido, que había amasado una importante colección de arte moderno que incluía obras de Brancusi , Matisse y obras cubistas de Picasso y Braque . [4] Entre los artistas que rodeaban a Horter se encontraba Arthur Carles , un pintor carismático y controvertido que enseñaba en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania . Kelly se inscribió en la Academia en 1922, convirtiéndose en lo que Carles describió como "su mejor alumno".
En los tres años siguientes, la obra de Kelly abarcó desde estudios académicos de moldes de yeso, pasando por el puntillismo, hasta paisajes del parque Fairmount de Filadelfia, así como una serie de pasteles que mostraban influencias de Matisse a Picasso. Influenciado por la colección de Earl Horter y Arthur Carles, dominó el cubismo analítico en obras como Las tres peras (1923) y en 1925 experimentó con el purismo en Luna detrás de la casa italiana . En 1925, Kelly recibió una beca Cresson y el 14 de junio partió hacia Europa.
El primer viaje a Europa duró aproximadamente tres meses y medio y le permitió a Kelly conocer una cultura y un lugar al que se sentía como en casa. Aunque regresó a la Academia en otoño, unos meses más tarde se fue a Europa de nuevo para comenzar una estancia de cuatro años en París. Se mudó a un apartamento en el número 19 de la rue Daguerre en París y comenzó una existencia intelectualmente rica pero en comodidades, muy pobre. "Tenía un bloque de cemento sobre el desagüe del fregadero de la cocina para mantener a las ratas fuera del apartamento", explicó una vez. Frecuentaba los cafés y entablaba amistad con Henry Miller , James Joyce y el crítico Félix Fénéon , entre otros. Sus días se repartían entre copiar pinturas de viejos maestros en el Louvre y perseguir ideas modernistas que se arremolinaban en el trabajo de todos los artistas que lo rodeaban.
Entre los mecenas de esta época se encontraban el oficial de policía Leon Zamaran, coleccionista de Courbets , Lautrecs y otros, que comenzó a coleccionar las obras de Kelly. Otro fue Albert C. Barnes, de la Colección Barnes de Filadelfia. [5]
En 1929, Kelly se casó con una joven francesa, Henriette D'Erfurth, que aparece con frecuencia en pinturas y dibujos realizados entre 1928 y principios de los años 30.
El desplome de la bolsa de 1929 hizo imposible que continuara viviendo en París, y Kelly y Henriette regresaron a Filadelfia en 1930. Alquiló un estudio en Thompson Street y comenzó a trabajar y participar en exposiciones en las galerías de la ciudad. Las obras de 1930 a 1940 mostraron influencias y experimentación continuas con los temas y técnicas adquiridos en París, así como una breve incursión en el realismo social. La Little Gallery of Contemporary Art compró El bebedor de absenta en 1931 y en 1932 expuso El juicio de París (1932), una ambiciosa pintura de temática clásica. En octubre de 1934, "Interior de un matadero" y varias otras obras se incluyeron en la "Segunda exposición regional de pintura y grabados de artistas de Filadelfia" en el Museo Whitney de Nueva York. [6]
Kelly se unió al Proyecto de Obras de Arte Públicas de Filadelfia y trabajó en bocetos para un mural destinado al Edificio de Administración Escolar. [7] Si bien sobrevivieron algunos bocetos, uno está en el Metropolitan, el mural se perdió. Las duras condiciones financieras de la vida de Kelly continuaron y, a fines de la década de 1930, Henriette, que no hablaba inglés y cuya única compañía fuera del hogar era Helen Lloyd Horter (que hablaba francés), regresó a Francia de forma permanente. Cuando se finalizó su divorcio, Kelly comenzó a ver a Helen Lloyd Horter, una pintora de Filadelfia y compañera de estudios en la Academia y que ahora era la ex esposa de Earl Horter. En 1941 se casaron.
Kelly continuó trabajando en su estudio de la calle Brandywine en Filadelfia, impartiendo clases pequeñas para obtener algunos ingresos. El estudio de Kelly de los maestros de la colección del Louvre dio como resultado una gran admiración por el pintor renacentista Leonardo da Vinci . Su influencia es evidente en los cuadernos de Kelly de esta época, que están llenos de dibujos de almenas y armamento de la Segunda Guerra Mundial que recuerdan los dibujos de Leonardo de los mecanismos de la guerra. También compartía la fascinación de Leonardo por la ciencia y la dinámica subyacente de cómo funcionan las cosas. Su interés por el sistema nervioso y los aspectos sensoriales de la anatomía humana se convertirían más tarde en componentes importantes de sus figuras abstractas de los años 50 y 60.
En 1942, Kelly se mudó de Filadelfia a la casa de verano de Helen en Harvey Cedars, en Long Beach Island , Nueva Jersey. En la década de 1940, Harvey Cedars era un asentamiento escasamente habitado. Durante los veranos, en la ciudad existía una pequeña colonia de artistas, pero en invierno la población de recolectores de almejas, dragadores y pescadores que vivían todo el año la recuperaban. Con sus playas azotadas por el viento, sus amplias extensiones de cielo y sus pantanos intactos, Long Beach Island era el lugar perfecto para que Kelly se reencontrara con el entorno natural que había amado de niño en la granja de su padre. En la quietud de este lugar, sus observaciones de libélulas, pájaros e insectos en el jardín comenzaron a traducirse en una delicadeza de líneas y un lenguaje de formas que llegarían a caracterizar sus pinturas y, especialmente, sus dibujos.
En 1940, Helen Horter se puso en contacto con Julien Levy , un compañero de clase de Harvard de su cuñado Paul Vanderbilt, para proponer una exposición de dibujos de Kelly. La galería de Levy, The Julien Levy Gallery en la calle 57 de Nueva York, estaba a la vanguardia de la innovación y el surrealismo. Su establo incluía a Salvador Dalí , Arshile Gorky , Yves Tanguy , Roberto Matta , Max Ernst , Joseph Cornell y Marcel Duchamp . [8] Levy quedó impresionado por el trabajo de Kelly y comenzó a representarlo. Su primera muestra fue una exposición que viajó a la Art Alliance en Filadelfia en 1941. Le siguió una exposición individual en marzo de 1942 en Nueva York. En 1943, la revista View publicó desnudos de Kelly y Picasso que resultaron en la prohibición de la edición en los EE. UU. En 1944, hubo una segunda exposición individual en la Julien Levy Gallery. [9]
Una de las características distintivas de la obra surrealista de Kelly son los enormes mosquitos que acechan en los lienzos. Estos insectos gigantescos y su entorno están meticulosamente representados, lo que da verosimilitud a la idea de que, de hecho, pueden existir en algún paisaje desconocido. Bastaba con pasar una tarde de verano al aire libre en el sur de Nueva Jersey para apreciar que el tamaño de estas criaturas era en parte una alegoría de su implacable salvajismo. Si bien los mosquitos dominaban la obra surrealista de Kelly, comenzaron a aparecer otras criaturas, como escarabajos, pájaros y, más tarde, un caballo en una serie de dibujos realizados para su hija Paula, The Butterfly Horse, Birth of Pegasus . [10]
En 1944, Kelly pintó La meseta del ajedrez para la exposición de Julien Levy titulada "Imágenes del ajedrez", que se inauguró el 12 de diciembre de 1944. El concepto de la muestra fue formulado por Marcel Duchamp y Levy, e invitaron a participar a 32 artistas (la cantidad de piezas de ajedrez de un juego). [11] La muestra incluía nuevos diseños de piezas de ajedrez, así como paisajes oníricos surrealistas que incorporaban imágenes del ajedrez. En la noche del 6 de enero de 1945, se inició una partida de ajedrez con los ojos vendados en la que el maestro de ajedrez George Koltanowski se enfrentó a varios de los artistas y al propio Julien Levy. [12] Kelly, que no jugaba al ajedrez, limitó su participación a una pintura de un doble paisaje, en el que el más grande y dominante representaba un plano que se alejaba marcado como un tablero de ajedrez rodeado de árboles oscuros, delgados y sin hojas y acantilados. Debajo había una vista más amplia del mismo paisaje, pero a una escala mucho más pequeña.
A medida que Kelly se instalaba en la isla, su obra siguió evolucionando. Su relación con la naturaleza se intensificó y las impresiones que le dejaba se entretejieron en varias series de pinturas: Return and Departure y la serie Lunar. La serie Return and Departure se realizó a mediados de la década de 1940 como reacción al flujo y reflujo estacional de la vida en la isla barrera, el flujo de las mareas, la migración de pájaros y mariposas y la afluencia de visitantes de verano que se retiraban nuevamente en otoño. Los pájaros en particular comienzan a aparecer en su obra como símbolos de lo fugitivo y lo efímero. "Los pájaros y su relación mística y silenciosa con los elementos. Vienen y van como las contrapartes espirituales de los seres humanos. Bajan del espacio infinito para detenerse por un momento como la aparición del alma". Además escribió: "La gente que viene a mí a partir de un hilo fino y luego se va y en su partida se reduce a un hilo fino. Estas pinturas fueron hechas en la costa y se relacionan con un sentimiento de gente que viene y se va desde una pequeña plataforma en la eternidad y el espacio infinito". Véase "Pastoral Atlántica", 1944, que es un boceto preliminar para una pintura del mismo nombre realizada en 1945. Las representaciones abstractas de figuras varían en tamaño y están dispersas por la página para indicar la apariencia de su aproximación y partida.
En 1946, el Whitney adquirió dos cuadros de este período: "Departure Under the Umbrellas" y "Magic Bird". [13] Aunque Levy cerró su galería en 1949 y abandonó Nueva York para establecerse en Connecticut, él y Kelly continuaron su amistad y relación de trabajo durante la década de 1950.
En la primavera de 1946, Kelly aceptó un trabajo como profesor en la Escuela del Museo de Brooklyn. Allí entró en contacto con su colección de textiles peruanos y su impacto cambió su rumbo durante los siguientes años. Kelly había llegado a la conclusión de que los artistas estadounidenses habían estado bajo la influencia de Europa durante demasiado tiempo y estaba buscando otra tradición visual que se acercara más a la experiencia estadounidense. La encontró en los textiles y comenzó a estudiar la civilización y el arte peruanos. En 1947 se mudó al oeste para enseñar arte en la Universidad de Wyoming en Laramie, Wyoming, donde permaneció durante dos años. En unas vacaciones de Navidad, viajó a Nuevo México para visitar a su amiga de la familia, Edith Warner, y a los indios de San Ildefonso .
A partir de estas influencias, Kelly fusionó colores y formas con referencias culturales de las culturas indias para crear su propia iconografía. Sobre estas pinturas escribió: "... al desarrollar mi obra a partir de los temas preincaicos, no quise perder ni sacrificar de ninguna manera los métodos o conceptos contemporáneos de la pintura". Una de las principales características de esta fase fue el uso de formas planas sin sombras similares a las que se ven en los textiles. Escribió que "esto me proporcionó una sensación inusual de desapego de las figuras y los objetos de una conexión terrenal positiva". Los títulos de algunas de las obras realizadas bajo esta influencia son: "El sacerdote con aparición de una virgen" (1949), "El príncipe solitario" y "El sacerdote y la virgen tejedora de Cuzco" (1947). Varias obras de este período se exhibieron en una muestra individual en la Galería Hugo en Nueva York en 1950.
George Balanchine asistió a la inauguración de la muestra en la Galería Hugo . Lo acompañaba George Volodine, un compañero bailarín que había emigrado con él a los Estados Unidos. Volodine dirigía una escuela de danza en Westport, Connecticut, donde preparaba a los estudiantes para las audiciones con el Ballet de la Ciudad de Nueva York . Kelly y Volodine entablaron una amistad que duró más de una década y resultó en una colaboración en los diseños de vestuario y escenografía. Cuadernos llenos de dibujos trazan el progreso del ballet "Flame", así como propuestas para otras producciones. "Flame" se produjo en Westport en 1950. En la década de 1950, Kelly vivía a menudo solo en Harvey Cedars. Las tensiones en su matrimonio habían dado lugar a las periódicas separaciones de Helen y su hija Paula. En la década de 1950, la isla estaba escasamente habitada, especialmente durante el invierno, por lo que los meses solos debieron parecer muy largos. La serie Lunar nació de la experiencia de las noches tranquilas cuando Kelly y su perro Rusty caminaban por la calle hacia la bahía antes de acostarse. La luna, al elevarse sobre el paisaje llano y recorrer sus fases, sugería la forma de las figuras que comenzaron a poblar sus lienzos. Combinadas con la delicada línea inspirada en la fisiología de los insectos, las figuras lunares describían una respuesta emocional a la pálida presencia nocturna de la luna.
La obra de Kelly había alcanzado su máximo esplendor y las diversas influencias de los años cuarenta se fusionaron en un estilo distintivo. En los años siguientes su obra se distingue por una calidad de dibujo que confirma la opinión de Alfred Barr en 1944 de que "Kelly era uno de los mejores dibujantes estadounidenses". El entorno de la isla proporcionó a Kelly abundantes temas, desde naturalezas muertas hasta bañistas que se transformaban en diseños abstractos y retozones que recordaban a las figuras lunares.
En 1960, Kelly recibió la beca de la Fundación William y Noma Copley y vivió durante un año en Mallorca, España. Un viaje al norte de África durante esa época dio como resultado temas de figuras veladas como las que se ven en un gran dibujo "El harén en el Generalife", de 1963, que actualmente se encuentra en una colección de la ciudad de Nueva York.
Después de dejar la Julien Levy Gallery, Kelly estuvo representado por la Alexander Iolas Gallery de Nueva York y realizó una exposición de dibujos en Milán en 1952. En 1956 expuso con la Edwin Hewitt Gallery de Nueva York. Otras galerías a las que estuvo afiliado incluyen: Zabriski, The Washburn Gallery, Berry Hill Gallery y actualmente Francis Naumann Gallery y Betty Krulick Gallery en la ciudad de Nueva York. En 1981, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York compró "Vista at the Edge of the Sea", 1940. Kelly murió en 1982 en su casa de Long Beach Island.
El fotógrafo Pete Muller es el nieto de Kelly.