Lee Seung-taek (nacido el 12 de mayo de 1932) es un artista interdisciplinario coreano. Es escultor, artista de instalaciones y artista de performance, y su concepto se basa en la noción de "anticoncepto" o " antiarte " en la escena artística coreana. [1] [2]
Como uno de los pioneros de la primera generación del arte experimental [3] en Corea, Lee es conocido por sus obras de arte "no escultóricas" [4] que incluyen "exhibiciones de piezas en piedra, cuerda y papel de periódico". [5] Lee trabajó principalmente de forma independiente y creó obras que se desviaron de los conceptos artísticos dominantes en Corea . [6] "Libre de las exigencias del nacionalismo crudo o de perseguir el llamado mundo del arte internacional", el trabajo de Lee llegó a ser visto como "el punto de partida para un tipo diferente de linaje de vanguardia". [7] Se ha esforzado por investigar nuevas formas de crear arte experimentando con objetos no materiales. [8]
En 2009, Lee fue el primer destinatario del Premio del Centro de Arte Nam June Paik . [9]
Nacido en Kowon , provincia de Hamgyeong en Corea del Norte , Seung-taek Lee ha tenido una amplia gama de intereses desde la infancia. [8] [10] Utilizó su talento para el arte para escapar de Corea del Norte durante la Guerra de Corea . [10] Se ganó la vida dibujando retratos para soldados estadounidenses durante y después de la Guerra de Corea. Como estudiante, Lee quedó fascinado por la filosofía de Nietzsche , lo que lo llevó a dedicarse al arte experimental de lo metafísico. Con su ambición de "dejar una huella como artista en la historia del arte moderno coreano", decidió convertirse en un artista de su propio mundo pensando inversamente sobre el mundo y expresándose libremente a sí mismo y sus ideas. [8]
Según el crítico de arte Oh Sang-ghil, Lee fue degradado a un nivel no convencional en el mundo del arte moderno coreano, ya que la mayoría de los artistas y críticos de arte "siguieron inquebrantablemente las tendencias del arte occidental y creyeron que era la única manera de sobrevivir". [10] Lee consideró que esos artistas y críticos desconocían su propia identidad y comenzaron a experimentar con ensayos y errores de imitación para comprender la verdadera naturaleza del arte moderno coreano. A menudo se lo consideraba un "personaje herético y rebelde" entre los artistas y críticos de Corea; sin embargo, continuó su viaje de búsqueda de su propio arte en un mundo del arte coreano entonces convencionalizado. Comenzando con su arte de instalación no figurativo , Historia y tiempo , en la Exposición de pregrado de 1958 para el Departamento de Escultura de la Universidad Hongik , se apartó de las convenciones del arte moderno coreano. [11] Durante una exposición para recibir el Premio Internacional de Arte del Centro de Arte Nam June Paik , el curador en jefe del Centro de Arte Nam June Paik, Tobias Berger, mencionó que "la obra de arte de Seung-taek Lee supera los principales centros de la historia del arte moderno occidental tradicional". [10]
En 2008, Lee fue asesor de Korea Performance Art Spirit (KoPAS). [12] En 1988, se desempeñó como vicepresidente de la Asociación de Bellas Artes de Corea y ha trabajado como su asesor desde 1989. Se convirtió en comisionado representante de varios comités, como el de Reciclaje a través del Arte del Teatro Nacional de Corea en 2007, la Bienal de Venecia en 1990 y la Exposición de Intercambio de Arte Moderno entre Corea y Japón en 1985. De 1970 a 1987, dio conferencias sobre historia del arte moderno en la Universidad de Seúl y la Escuela de Graduados durante nueve años y en la Universidad Mokwon y la Escuela de Graduados durante nueve años.
A finales de los años 50, Seung-taek Lee se inspiró en una pequeña fotografía de una escultura de Giacometti . [13] La imagen mostraba un cuerpo femenino compuesto de huesos desnudos, sin carne ni músculos. Lee se preguntó si podía negar siquiera los huesos, el resto, y pasó a crear obras sin formas sólidas; se interesó en la inmaterialidad . Luego se inspiró en el humo que salía del horno de petróleo de Arabia Saudita , que se transmitía en las noticias. Se dio cuenta de que el humo, el viento y el fuego son los únicos elementos que pueden expresarse sin una forma sólida.
Después de que la Guerra de Corea llegara a un final provisional en 1953, Lee fue a la Universidad Hongik en Seúl para especializarse en Escultura. [14] Realizó una gran escultura llamada Historia y Tiempo en 1958 para su exhibición de graduación universitaria. La obra consiste en una pieza de yeso en forma de U , que está envuelta con alambre de púas y untada con colores rojo y azul. Según el artista, el rojo representa el comunismo y el azul representa la democracia. Quería expresar la "tragedia de los países débiles atrapados entre superpotencias en guerra de la Guerra Fría " durante la Guerra de Corea.
En 1957, Lee recibió el encargo de su maestro y escultor Kim Kyong-sung para ayudar a crear una estatua de bronce del general estadounidense Douglas MacArthur, que entonces era respetado por los coreanos por su desembarco anfibio en septiembre de 1950 que inclinó la balanza de la guerra de Corea a favor de las Naciones Unidas y las fuerzas de Corea del Sur. Durante ese año, Lee también produjo una de sus piezas de piedra Godret llamada Godret Stone (1957). [15] La piedra Godret se refiere a una piedra que se utiliza para hacer nudos al trenzar esteras artesanales en Corea. [16] Su interés en los cambios fundamentales en la materialidad física condujo a la producción de la serie de piedras Godret. Aunque las piedras Godret moldeadas de Lee parecen suaves y moldeables, son duras y sólidas en esencia. En 2004, Lee explicó con más detalle su pensamiento detrás de la pieza en el ensayo de Kim Yung-hee Following the Godret Stone: Entangled Energy/Spiritual World with Modernity (Siguiendo la piedra Godret: energía enredada/mundo espiritual con modernidad ). El impacto visual de la obra proviene de la "tensión entre la barra de madera, precariamente colgada de dos cuerdas delgadas, y los grupos de piedras bifurcadas que evocan efectivamente una sensación de presión gravitacional". [14]
A principios de la década de 1960, Lee viajó por toda Corea en busca de nuevos temas para su arte. [17] Los encontró en la naturaleza (mares, playas, campos y productos agrícolas), en entornos artificiales (muros de piedra en la isla de Jeju y elementos arquitectónicos manufacturados) y en áreas desconocidas como las granjas de algas. En 1964, creó una obra de instalación llamada The Wind Fence en el río Han en la isla de Nanji. La obra se inspiró en las cercas de cuerdas de colores alrededor de los campos de ajo en el campo. The Wind Fence (1964) está compuesta de palos de madera y tela. [18] Los palos de madera están firmemente incrustados en el suelo en una orientación circular. Las telas están atadas a cada palo y conectan horizontalmente cada palo de madera con otro, formando cuatro círculos en zigzag. En general, forman la forma de una cerca. Lee considera que encontrar nuevos temas es importante para inventar nuevos conceptos y métodos para su arte. [17] Ese mismo año, realizó algunas performances como El lienzo en llamas flotando en el río (1964). [19] Quemó sus pinturas antiguas y las dejó flotar en el río Han para demostrar su impulso desafiante de "escapar de los lazos del pasado".
En 1961, Lee comenzó la primera de sus obras de onggi , u oji , la "loza oscura semiporosa utilizada tradicionalmente en Corea para almacenar y fermentar varios condimentos". [20] En la segunda exposición de la Asociación de Formas Originales (Wonhyonghoe), presentó públicamente sus obras basadas en onggi . Se unió al grupo para su segunda exposición en noviembre de 1964 en el Centro de Información Central junto al Palacio Toksu en Seúl, Corea.
Lee también creó obras con cabello en la década de 1960. En 1963, produjo la primera de dos obras de 1963 hechas con cabello llamada My Hair . [21] Esta obra inspiró una serie de obras bidimensionales e instalaciones hechas con cabello. [22] En 1967, creó una enorme obra de instalación que se hizo a partir del experimento accidental de Lee, que ocurrió cuando fue a un campamento militar cerca de la DMZ para dibujar un retrato para un comandante de división. Obtuvo bolsas llenas de cabello de nuevos reclutas y las usó para crear la obra de instalación en una iglesia entonces recién construida.
Para capturar sus obras de arte experimentales y de performance a gran escala, Lee utilizó la fotografía desde principios de los años 60. Como el tamaño de su obra no quedaba claro en las fotografías, se tomó fotos de sí mismo con su arte para aclarar la escala de las obras. Las fotos que muestran al artista y su proceso de trabajo de campo se han convertido en una marca registrada de Seung-taek Lee.
Junto con la serie Godret Stone, Lee creó la serie Tied Stone a partir de finales de los años 50. [23] Muchas de sus obras en torno a la idea de "atar" se produjeron en los años 70, como Tied Stone (1972) y otras series de Tied Stone y Tied Book (1972). [24] Para desafiar las leyes de la naturaleza, cambió la propiedad de la piedra de dureza a ternura a través de sus obras. Lee creó otras piezas relacionadas hechas con cordones y cuerdas con porcelana y obras de instalación, como White Porcelain (1972) y Drawing (1974). [25] Además, produjo obras que son hechas por la naturaleza. [26] La imprevisibilidad de sus temas, como el viento, el fuego y el humo, jugó un papel importante en la realización de sus obras de no materialidad. Paper Tree (1970) y Wind-Folk Amusement (1971) son las obras emblemáticas de Lee de la serie del viento. El artista utilizó materiales cotidianos, como tela y papel, para visualizar la dirección y la fuerza del viento. [25] En la exposición internacional MOT en Londres, la instalación Paper Tree y la documentación fotográfica de Wind-Folk Amusement dan forma a la "fugacidad de la naturaleza" y capturan el movimiento energético del viento. Además, el concepto de no materialización de Lee se revela en la serie Fire, como Burning Buddha Statue (1965-1971), en la que prende fuego a un icono sagrado. Tal acto a menudo se pasa por alto como una blasfemia contra Buda; sin embargo, según el artista, es un acto de "purificación" que recuerda la antigua historia del budismo. [24] El paisaje y los elementos naturales actúan como un medio artístico, así como un telón de fondo para las actuaciones e instalaciones al aire libre de Lee. [25]
En la década de 1960, la pobreza y las secuelas de la guerra de Corea dieron lugar al desarrollo económico y la modernización de toda la sociedad. [6] Comenzó un movimiento de plantación de árboles en las montañas y Lee se dio cuenta de la crisis de la contaminación. El movimiento verde se convirtió en otra forma de su arte experimental. Mientras pintaba enormes cascadas en lugares alrededor de la montaña Bukhan, sus otras obras relacionadas también se volvieron más ecológicas y promovieron la importancia de salvar la naturaleza dañada por la civilización. Tales ideas se retratan en obras como Artista plantando musgo (1975) y Campaña verde (1975). [27] Lee creó un paisaje verde en Instalación de campaña verde (1976), que se asemeja a un río verde, al verter una mezcla de fertilizante, musgo y agua sobre una roca para crear un diseño más natural. [28]
En la década de 1980, Lee continuó produciendo obras que contribuyeron al movimiento verde. La serie incluyó Green (1983) [29] y Green Campaign (1985), [30] una performance en un sitio de reparación de carreteras. Muchas de sus obras tenían diferentes formas de interacción con el modelo de la tierra. Una de sus performances se llama Earth Play (1989), que se tituló así debido a la interacción física de la obra con los participantes. [28] También creó otras piezas de tierra que pretendían generar un sentimiento de culpa en aquellos que dañan la naturaleza. [31] Además, Lee expresó su placer por trabajar en su arte en aislamiento, como en las montañas o campos profundos sin preocuparse por la atención de otras personas. A menudo realiza performances experimentales para sí mismo o para un pequeño número de personas en el campo del arte. Declaró para el Self-Burning Performance Art Festival en 1989 que haría una o dos obras de arte en varios tipos cada día del período de exhibición, y luego quemaría las obras. En 1989, dirigió Self-Burning Performance [32] y Burning Modern Sculpture [33] en 1984 para demostrar estas ideas. Además, Lee presentó su filosofía de "pensar de forma inversa" cuestionando la necesidad de los marcos y su papel en la presentación estética de las pinturas. [34] Por lo tanto, produjo obras a lo largo de los años 70 y 80. Muchas de ellas eran marcos de madera con las esquinas y los bordes unidos por cordones de colores. Su idea de "pensar de forma inversa" también se refleja en sus obras que rodean el tema del sexo. Considera que el sexo es el "fundamento de la historia humana" y que ha desempeñado un papel importante en la evolución social. Debido a que el sexo y el arte son entidades inseparables, muchos artistas, incluido Seung-taek Lee, utilizan el sexo como motivo. A través de sus obras de objetos como Sexual Organs on TV (1987), satirizó los roles de la televisión. Por otro lado, Lee creó su comentario visual sobre cuestiones éticas del sexo. Colocó objetos con forma de genitales en árboles, botellas de licor, botas y otros objetos para desafiar la noción común de vergüenza ante las imágenes sexuales.
Lee ha seguido produciendo obras relacionadas con los temas que ha investigado durante más de cincuenta años. Creó más obras escultóricas relacionadas con cuestiones medioambientales, como Energyless Earth y Discouraged Earth en 1992. [31] También dirigió varias performances como Earth Performance (1990) y Wind Performance at a Back Hill (2009) en el Nam June Paik Art Centre. Junto con enormes abstracciones pictóricas, Lee utilizó acuarela, musgo y otros materiales para transformar la tierra en un lienzo. [35] En la Bienal de Arte de Gwangju , Lee expuso un monumental autorretrato doble The Artist to be Out of Breath (1991). La obra consiste en "fardos de ropa vieja unidos en delgadas armaduras de múltiples extremidades de las que brotan dos cabezas enormes y ceñudas". Como si estuvieran sufriendo de agotamiento, los arreglos retorcidos, que parecen cuerpos, están dispuestos en el suelo. Vigas de madera con patrones en blanco y negro conectan esos arreglos. En un contexto más amplio, la obra trata sobre la división de Corea y la alegoría de un estado desgarrado por la guerra, junto con las diferencias ideológicas de la Guerra Fría . Además, Lee creó A Bridge Not Able to Cross en 1990 para retratar los problemas de la nación dividida. [36] Con ferviente ardor, Seung-taek Lee ha "cultivado su propio mundo artístico" durante más de sesenta años. Su constante cuestionamiento de "¿puede incluso esto ser arte?" lo ha motivado aún más a investigar nuevos objetos y arte no materiales. Ha seguido realizando actuaciones y exposiciones en todo el mundo y produce obras en Seúl , Corea.