León Ferrari (3 de septiembre de 1920 – 25 de julio de 2013) fue un artista conceptual contemporáneo argentino . Durante su extensa carrera artística (1954-2013), sus obras de arte a menudo protestaban contra el gobierno argentino, el occidente imperialista y la Iglesia.
La obra de protesta de Ferrari, "Civilización occidental y cristiana", que mostraba a un Cristo de tamaño casi natural colgado en una cruz de un avión de combate estadounidense, generó controversia cuando la creó en 1965 y ha sido exhibida muchas veces desde entonces. Ferrari provocó protestas contra su obra a lo largo de su carrera, incluso por parte del Papa Francisco cuando todavía era el cardenal Jorge Bergoglio.
Ferrari nació el 3 de septiembre de 1920 en Buenos Aires, hijo de Susana Celia del Pardo y Augusto César Ferrari; su padre era un conocido pintor de San Possidonio , Italia . De joven, Ferrari estudió ingeniería eléctrica en la Universidad de Buenos Aires . [1] Ferrari trabajó como ingeniero hasta los treinta años. [2] En 1946, Ferrari se casó con Alicia Barros Castro y los tres tuvieron tres hijos: Marialí, Pablo y Ariel. Comenzó a hacer arte de manera informal durante ese mismo año. [3] En 1952, Ferrari se mudó a Italia con su familia porque su hija, Marialí, estaba luchando contra la tuberculosis y quería que tuviera acceso a atención médica de alta calidad. [4]
Casi por casualidad, comenzó a trabajar con arcilla y comenzó a dedicar un tiempo sustancial a las obras de cerámica en 1954. [1] Su primera gran exposición individual tuvo lugar en Milán en 1955. [3] Ese mismo año de 1955, regresó a Buenos Aires. Con su regreso a Argentina, Ferrari comenzó a explorar la escultura utilizando diferentes medios, incluyendo madera, yeso y cemento, y, en 1959, alambre. 1962 marcó la primera incursión de Ferrari en el arte del papel y la tinta. A partir de 1963, Ferrari utilizó palabras y escritura a mano en gran medida en muchas de sus obras. [4] Comenzó a usar plásticos y objetos en 1964, marcando el comienzo de sus collages que usaría durante el resto de su carrera. [1]
En 1976, Ferrari se llevó a su familia a São Paulo , Brasil, entrando en un período de exilio , debido a las amenazas de la dictadura argentina de la época. Sin embargo, justo después de su partida, el hijo de Ferrari, Ariel, que había decidido quedarse en Argentina, fue secuestrado por la dictadura. La última carta que la familia Ferrari recibió de su hijo llegó en febrero de 1977. En 1978 recibieron la noticia de que lo habían encontrado muerto el 26 de febrero de 1977. [5] Durante su tiempo en el exilio, Ferrari exploró nuevas formas de arte, incluido el arte postal, la fotocopia, la litografía e incluso escribió algunos libros. [4]
Ferrari regresó a Argentina en 1991, y continuó haciendo arte todo el tiempo. [6] En 2008, creó la Fundación Augusto (su padre) y León Ferrari que mantiene viva la memoria del artista. [3] Murió el 25 de julio de 2013, a la edad de 92 años. Está enterrado en el Cementerio de La Chacarita . [7]
Ferrari comenzó su carrera haciendo pequeños dibujos, pero principalmente hizo esculturas hasta 1962, cuando comenzó a emplear su motivo de toda la vida del lenguaje y la escritura caligráfica áspera. Ferrari creó arte de protesta utilizando collage , fotocopias y esculturas en madera , yeso , alambre y cerámica . A menudo usó texto, especialmente recortes de periódicos o poesía , particularmente en sus piezas de protesta contra la Iglesia y el gobierno argentino. Su arte a menudo trató el tema del poder político y la religión. Algunas de sus imágenes más controvertidas mostraban santos , la Virgen María y Jesús encontrados en tostadoras o microondas, sobre figuras desnudas o siendo defecados por pájaros vivos. Trata temas de la política exterior de los Estados Unidos con la Guerra de Vietnam en su obra más conocida, La civilización occidental y cristiana ( 1965). En esta obra, Cristo aparece crucificado en un avión de combate , como protesta simbólica contra la Guerra de Vietnam y el imperialismo occidental ([1]).
Ferrari comenzó a pintar en 1946, y luego comenzó a hacer arte seriamente en 1954. Gran parte de su trabajo temprano es escultura, a menudo de cerámica o hecha de cemento. [5] Sus primeras obras incluyeron cerámica y escultura, con raíces profundamente abstractas. (Véase su obra "Mujer" de 1960 como ejemplo). En 1954 fue invitado a participar en la X Trienal de 1954 por Lucio Fontana , luego, en 1955, realizó su primera exposición individual en Milán . Sus esculturas durante este tiempo eran abstractas, en su mayoría figurativas, sin los mensajes políticos velados (o desvelados) que marcaron gran parte de su trabajo posterior. A partir de 1959, comenzó a esculpir utilizando otros medios como el alambre y la madera tallada. [3] Ferrari exhibió su primera escultura de alambre en 1961. [8] Comenzó a dibujar en marzo de 1962, [9] abriendo un período de lenguaje y arte basado en la palabra que continuaría durante el resto de su carrera. Comenzó a realizar collages y trabajos objetuales en 1964. [10]
A partir de 1962, Ferrari comenzó a utilizar el lenguaje y las letras como tema común en muchas obras de arte. Los estudiosos señalan múltiples influencias como explicaciones del interés de Ferrari por las palabras. Una de las razones es que su hija pequeña perdió la capacidad de oír debido a una meningitis y sus padres tuvieron que enseñarle el lenguaje de otra manera. [2] Otra razón es que el pensamiento político argentino dentro de la esfera pública estaba en gran medida controlado por unos medios corruptos en ese momento, por lo que Ferrari quería presentar las palabras a través del arte como un medio diferente para el lenguaje en protesta contra los medios. [5] También se ha dicho que el razonamiento de Ferrari para utilizar este medio "cuestiona la distinción entre arte y lenguaje, entre pura visualidad e información codificada, y entre gesto gráfico y caligrafía". [11]
Ferrari no siempre utilizó el lenguaje de forma inteligible. Por ejemplo, a veces se limitaba a utilizar líneas y letras para crear la imagen del texto, como en su obra Reflexiones de 1963-64. [12] Otro ejemplo famoso de su escritura ininteligible es la famosa obra de Ferrari Carta a un general . Esta obra está escrita en un estilo caligráfico muy suelto que no permite al espectador leer claramente el mensaje. Esta obra representaba los pensamientos de Ferrari de que la comunicación efectiva con un poder político (como un general dictatorial) es imposible. [5]
Sin embargo, cuando escribía de manera inteligible, lo hacía a menudo en forma de ensayo, carta o poesía, transcribiendo sus pensamientos sobre política, acontecimientos actuales o su propia obra de arte. Estas piezas todavía estaban escritas en un estilo descuidado y caligráfico, pero uno podía leer las palabras con mucha más claridad. Un ejemplo de esto es la pieza titulada Cuadro escrito que realizó en la que responde a las críticas a su exhibición en la exposición del Premio Nacional del Instituto Torcuato di Tella en 1965. [5]
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En 1965, Ferrari presentó cuatro obras de arte para el Premio Nacional del Instituto Torcuato di Tella . Cada pieza tenía temas religiosos, pero una pieza se destacó entre el resto: la famosa La Civilización Occidental y Cristiana de Ferrari , un Cristo de tamaño casi natural colgado crucificado en un avión de combate estadounidense. El director del Centro de Artes Visuales del instituto, Jorge Romero Brest , le dijo a Ferrari que eliminara esta famosa obra o no se le permitiría participar. A diferencia de la manera contraria en que defendió sus obras de arte más tarde en su vida, Ferrari estuvo de acuerdo y retuvo la obra de la exposición. A pesar de su eliminación de la provocativa pieza, los críticos de arte todavía atacaron a Ferrari por la forma en que sus otras piezas criticaban el cristianismo. Respondió escribiendo una carta escrita a mano, en forma de boceto, cuestionando la condena de sus críticos de su propio arte profundamente crítico. Esta obra de arte responsiva se titula Cuadro escrito . [13] La controversia en torno a La civilización occidental y cristiana manifestó el papel central de Ferrari en el arte de protesta política de Argentina.
Una de las protestas más prolíficas de Ferrari dentro del mundo del arte argentino fue su participación en Tucumán Arde . Tucumán Arde fue una serie de exposiciones de arte organizadas por un grupo de artistas argentinos cuyo objetivo era exponer las malas acciones del gobierno argentino en Tucumán , Argentina. Las exposiciones mostraban fotografías, artículos y videos cortos recopilados por el grupo de artistas que mostraban las dificultades y la angustia económica de las personas que vivían en Tucumán. Como estas exhibiciones eran una exposición del gobierno corrupto, atacando a la poderosa y peligrosa dictadura argentina de la época, muchos de los artistas que ayudaron con Tucumán Arde permanecieron en un segundo plano, sin querer poner un objetivo en la espalda al proclamar su participación en los eventos. [5]
Después de desempeñar un papel tan central en el arte de protesta acalorado y altamente politizado, Ferrari se tomó un descanso de la creación artística. Aunque puede haber estado haciendo arte durante estos años, sus obras no aparecían en la esfera pública. [14] Además de esto, Ferrari había estado muy involucrado en la escena de protesta política de Argentina en la década de 1960. Es posible que haya tomado la decisión de mantener un perfil bajo por un tiempo después de un período altamente dinámico de protesta, que incluyó su participación en Tucumán Arde . En 1976, Ferrari abandonó el país y entró en un período de exilio en São Paulo , Brasil.
Ferrari realizó su primera escultura de alambre en 1961. [8] Se basó en su conocimiento de los metales de su trabajo como ingeniero, haciendo uso de metales como acero, bronce, cobre, plata, paladio, tantalio y oro. [9] Aunque hizo esculturas de alambre en la década de 1960 y principios de la de 1970, no eran su foco. Sin embargo, regresó al medio a fines de la década de 1970 con obras como Prisma , Maqueta y Planeta . [15] Los estudiosos del arte sugieren que las esculturas de Ferrari representan la forma en que muchas piezas pequeñas (alambres individuales, por ejemplo) pueden unirse para crear una función más fuerte como un todo (la escultura completa). [5]
En la década de 1980, Ferrari descubrió que muchas de sus esculturas de alambre zumbaban o creaban tonos musicales cuando se dejaba que el viento soplara a través de ellas. En relación con este tema de los tonos musicales, Ferrari creó una serie de esculturas con instrumentos incrustados en ellas que podían tocarse. En 1981, realizó una exposición llamada "Las 14 Noches de Performance" en la que tocaba los instrumentos. Estas esculturas le permitieron a Ferrari jugar con la idea de que su obra de arte "hiciera ruido" en el mundo. [5]
A partir de 1985, Ferrari creó obras de arte en las que imágenes cristianas (principalmente El Juicio Final de Miguel Ángel ) se colocaban debajo de jaulas de pájaros y se permitía que los pájaros (incluidas palomas, jilgueros, canarios y gallinas) defecaran sobre las imágenes. La idea detrás de estas obras de arte era bastante evidente: Ferrari quería demostrar que las ideas de las imágenes cristianas eran "mierda". Ferrari realizó exposiciones de esta exhibición de pájaros en galerías de todo el mundo, primero en el Museo de Arte Moderno de São Paulo , luego en otras ciudades, incluidas Buenos Aires y Nueva York . [3]
Tras un período de dibujos en su mayoría ininteligibles y ásperos, Ferrari entró en un período de grabados, creando su famosa serie conocida como "Heliografías". Estas obras eran bocetos y diseños de planes urbanos absurdos, incluidos planos de ciudades, diseños de autopistas, mapas de barrios, distribución de muebles y otros patrones más simplistas. Ferrari explica estas obras de arte Heliograph: "Estas obras expresan el absurdo de la sociedad contemporánea, esa especie de locura diaria necesaria para que todo parezca normal". [16] Junto con este concepto de absurdo, los académicos sugieren que Ferrari deseaba señalar los peligros de seguir ciegamente un patrón o movimiento. Creó grabados donde pequeñas figuras estaban atrapadas dentro de un bucle cerrado, avanzando en el bucle pero nunca saliendo. Con esta idea de elegir ciegamente la uniformidad, Ferrari esperaba establecer vínculos con la forma en que muchos argentinos simplemente permitían de manera ambivalente que la injusticia continuara con su adhesión ciega al status quo. [5] En ocasiones, dentro de estos grabados, Ferrari cambiaba el patrón, como en su pieza Adulterio , donde un rey blanco rompe el patrón y se acuesta con una reina negra. Esto tenía como único objetivo plantear la pregunta: ¿qué pasa si rompemos el patrón? [9]
En 1997, Ferrari creó dos series utilizando braille. En la primera, tomó líneas de los poemas y cuentos del famoso escritor argentino Jorge Luis Borges y estampó las palabras en braille sobre fotografías eróticas o de desnudos. En la segunda serie, Ferrari utilizó versículos de las Sagradas Escrituras grabados en braille. En ambos casos, la idea era obligar a los espectadores a tocar o, como Ferrari describía a menudo, "acariciar" los cuerpos desnudos representados en las impresiones para poder entender las palabras escritas en la imagen. Un ejemplo de esto es la pieza de Ferrari titulada La Serpiente en la que se ha reimpreso un sello japonés que representa a una pareja teniendo sexo. Las palabras "la serpiente me engañó y comí", que son Génesis 3:13 (traducido: "la serpiente me engañó y comí"), están grabadas en braille sobre el área de la imagen donde se unen los genitales de la pareja. Ferrari creó estas obras de arte a menudo como una forma de contrarrestar la demonización de la mujer, la sexualidad y, a menudo, la homosexualidad por parte de la Iglesia . [17]
En 1994, Ferrari realizó una exposición en Buenos Aires titulada "Cristos y maniquíes". Esta galería incluyó algunos grabados y pinturas de desnudos grabados en braille (como se mencionó anteriormente), pero también incluyó otra forma de arte corporal. Ferrari tomó maniquíes y con algunos pegó imágenes cristianas sobre la parte superior, mientras que con otros escribió en su clásico estilo caligráfico rayado. Los maniquíes que utilizó no tenían brazos, piernas o cabezas completas, pero sí tenían curvas acentuadas y una postura claramente sexualizada. Para uno de estos maniquíes cubiertos de imágenes, titulado Devoción , utilizó muchas imágenes cristianas diferentes, incluidos los milagros de Jesús, los martirios de los santos y el nacimiento de Cristo, con una figura central que era la Virgen María . El objetivo de estos maniquíes era "vestir" el cuerpo desnudo con estas imágenes cristianas, al mismo tiempo que yuxtaponía la virginidad de María con la sexualidad y la desnudez del cuerpo femenino. Otro maniquí titulado Dueteronomio era un maniquí sexualizado y sin extremidades de manera similar, esta vez cubierto con secciones del Libro de Deuteronomio , escritas en el estilo caligráfico de Ferrari. La idea con la que Ferrari juega aquí es la de la "vestidura de gracia" que cubría a Adán y Eva en el Jardín del Edén , reteniendo la vergüenza que su desnudez traería más tarde. Sin embargo, en lugar de que estas palabras e imágenes representen esa "vestidura de gracia", Ferrari invita al lector a pensar en la desnudez en términos positivos, en lugar de la forma típicamente negativa y vergonzosa que él propone para el pensamiento cristiano sobre la desnudez. Si la desnudez es positiva aquí, entonces las escrituras y las imágenes retienen la sexualidad natural del cuerpo. El cristianismo se convierte en un impedimento para la sexualidad natural que emana del cuerpo. [17]
En 1995, Ferrari fue invitado a enviar imágenes para el periódico argentino de tendencia izquierdista Página/12 como parte de la reedición de la revista del proyecto gubernamental Nunca Más de 1984 , destinado a descubrir la verdad detrás de los Desaparecidos ("desapariciones") argentinos en los años 1960-1980. En sus contribuciones, Ferrari regresó a un enfoque mucho más duro y abiertamente político-crítico en su arte. Sus obras a menudo yuxtaponían imágenes de personas argentinas o figuras políticas ( Videla y Agosti , por ejemplo) junto a figuras de Adolf Hitler y la Alemania nazi . Ferrari también mezcló imágenes cristianas y temas del Infierno , Satanás y la Condenación . Un ejemplo específico es cuando Ferrari superpuso la esvástica nazi en una foto del cartel de entrada del Colegio Militar de la Nación , donde los oficiales argentinos recibieron entrenamiento. Los críticos, incluidas figuras políticas como Ernesto Juan Bossi, escribieron a Página/12 para quejarse. Ferrari respondió a estas críticas con rapidez y contundencia, diciendo que él no era el que utilizaba las ideas nazis (pero en realidad eran sus críticos los que las utilizaban). Las polémicas imágenes de Ferrari tenían como único objetivo invitar a los espectadores a contemplar en qué se diferenciaban los regímenes políticos argentinos y la Alemania nazi, o en qué podrían ser similares. [5]
A principios de la década de 2000, Ferrari exhibió una serie de obras de arte en las que utilizaba pequeñas figuras de plástico de personajes cristianos, entre ellos Jesús , la Virgen María y varios santos . Las colocó dentro de lo que él consideraba "situaciones calientes", como microondas, licuadoras y sartenes.
Véase la sección anterior, titulada “Civilización occidental y cristiana”.
En 1997, Ferrari fundó un grupo llamado CIHABAPAI (Club de los Impíos, Herejes, Apóstatas, Blasfemos, Ateos, Paganos, Agnósticos e Infieles). El día de Navidad de 1997, Ferrari, en conjunto con el CIHABAPAI, envió una carta al Papa Juan Pablo II , pidiéndole que eliminara la doctrina del Juicio Final de la teología católica . En su carta, señaló contradicciones entre el pensamiento católico y el dogma católico , cuestionó las ideas sobre el perdón y llamó a su complacencia en las atroces violaciones de los derechos humanos que ocurrieron en Argentina en la segunda mitad de la década de 1950. [5]
En 2001, el grupo envió otra carta pidiendo la eliminación del concepto de Infierno .
En 2000, Ferrari realizó una exposición llamada "Infiernos e Idolatías" en el Centro Cultural de Buenos Aires. Ferrari presentó obras de arte relacionadas con el Juicio Final y otras figuras cristianas. Incluyó su serie de pájaros defecando sobre imágenes cristianas, así como piezas más nuevas en las que se colocaron santos de plástico dentro de varios dispositivos de cocina como tostadoras, sartenes y microondas. La exposición generó protestas por parte de católicos devotos, monjes y monjas. Esto se tradujo en manifestantes que arrojaron basura y granadas de gas lacrimógeno al museo. [18]
Su obra volvió a ser objeto de controversia cuando en 2004, una retrospectiva de sus obras en la sala de exposiciones Palais de Glace en Recoleta, Buenos Aires , se vio obligada a cerrar. 70.000 personas acudieron a la exposición, incluidos algunos asistentes que atacaron y destruyeron algunas de las obras de arte. Poco después, un equipo de abogados católicos exigió que se cerrara la exposición. Ferrari refutó las críticas que cuestionaban cómo los cristianos podían pasar 2.000 años condenando el sufrimiento de Jesús en la crucifixión , al mismo tiempo que ignoraban y justificaban a millones de pobres y marginados del mundo. Un juez finalmente cerró la exposición cuando el cardenal Jorge Bergoglio (ahora el actual papa Francisco ), que entonces era arzobispo de Buenos Aires, declaró blasfemas las obras de arte , y se hizo un anuncio en todas las iglesias de la diócesis de Buenos Aires . El gobierno de la ciudad apeló la decisión y la galería fue reabierta. Ferrari dio su último paso agradeciendo públicamente al cardenal la publicidad gratuita de su exposición, cuyo número de visitantes seguía aumentando. [6] [18]
Carta a un General surgió de los trabajos de Ferrari con el lenguaje y las letras de principios de los años 60. Esta obra de arte está hecha en una hoja de papel de 31,1" por 48,1" con bolígrafo y tinta negra. [19] La obra es una de las primeras piezas de protesta política de Ferrari. Lleva una idea simple: al usar un lenguaje y letras que son casi ininteligibles, Ferrari representa la incapacidad de comunicarse. En el título de la obra, Ferrari solo especifica un "General", que, dado el marco temporal, podría entenderse como un líder de uno de los regímenes opresivos de Argentina de los años 50 y 60. Por lo tanto, Ferrari está mostrando que la comunicación con líderes como este es imposible. [5] Además, al usar letras que no se pueden leer, Ferrari puede "decir" lo que quiera sin miedo a las repercusiones, ya que nadie podrá leerlas. Muchos años después, se le cita hablando de esta pieza: "Es difícil escribir una carta 'lógica' a un general. Una carta que diga cosas, que no sea sólo insultante, que sea 'artística'. La incomprensibilidad de estas cartas es más que una protección contra la censura [ ¿sic ? ], refleja una incapacidad para escribir una carta como la de Rodolfo Walsh. Eso es una carta. Lo que hice fue una imitación de una carta, o una carta oculta, que podría hacer que uno se pregunte: '¿Esto significa algo o no?'" [9]
Esta obra, titulada La Civilización Occidental y Cristiana, es una figura de plástico de tamaño casi natural de Jesús colgado crucificado en un avión de combate estadounidense de plástico de 6 pies con la nariz apuntando hacia el suelo. Esta es la obra más famosa de Ferrari y ha sido exhibida en todo el mundo innumerables veces. En esta obra de arte, Ferrari presenta una contradicción: por un lado, los cristianos creen en una religión que gira en torno a la idea de Jesús de que las personas deben amarse y no matarse entre sí , mientras que, por otro lado, muchos cristianos lo hacen de todos modos, incluso utilizando el cristianismo para justificar la guerra . Además, al utilizar un avión estadounidense, Ferrari está cuestionando el imperialismo del gobierno estadounidense , específicamente en el contexto de la guerra de Vietnam . Como reflexión final, cuando la gente sale a protestar contra la obra de arte en sí, uno debe preguntarse: ¿por qué hay protestas vehementes contra una obra de arte mientras los cristianos se quedan de brazos cruzados y permiten que el sufrimiento ocurra diariamente sin protestar en absoluto? [5]
La Planeta surge del regreso de Ferrari a la escultura con alambre en los años 1970 y 1980. Esta obra de arte es enorme, mide 51 pulgadas de diámetro y está hecha de acero inoxidable. [20] Los alambres de acero parecen sobresalir en todas direcciones, creando una esfera de alambres más pequeños y rectos. La escultura es tan grande que cuando se exhibió por primera vez, la puerta de la galería tuvo que romperse para que la pieza pudiera caber dentro. Cuando el viento soplaba a través de esta escultura, moviéndola aunque sea un poco, el roce de los alambres de acero causaba un tono bajo y zumbante que muchos encuentran musical. Esta pieza era parte de una serie que hizo Ferrari que tenía como objetivo "invertir el péndulo". [9]
Esta obra pertenece a la serie de Ferrari titulada "Heliografías" de la década de 1980. La serie incluye muchas piezas, principalmente hechas con papel y diazotipia . La serie representó muchos temas, pero todos con temas recurrentes. El tema básico era un bucle cerrado repetitivo de algún tipo, ya sea una carretera, el diseño de una calle, el diseño de una habitación, el orden de los muebles o simplemente un objeto con un patrón. Bairro es una pieza bastante típica de la serie. Se realizó originalmente en 1980 con diazotipia y representa un diseño grande y complejo de calles, edificios, parques, plazas y casas. La idea detrás de esta pieza, así como muchas otras de "Heliografías", es que cuestiona "los sistemas de orden más diversos en nuestro mundo y sus demandas socioculturales de territorio, ya sea la iglesia, el estado o la arquitectura". [1]
Una de las obras más provocativas de Ferrari, El Juicio Final, era una pieza profundamente conceptual que no requería la participación de la vista, sino de otra parte. Ferrari repitió este tipo de pieza muchas veces usando varias imágenes del Juicio Final , pero para esta pieza específica utilizó El Juicio Final de Miguel Ángel . Colocó una impresión del famoso fresco debajo de una jaula de pájaros y simplemente dejó que los pájaros defecaran por toda la pieza. La idea detrás de esta obra era realmente muy simple: el Juicio Final es "mierda". [9]
Quienes conocieron a Ferrari parecen recordar siempre su espíritu lúdico y juvenil. En su vejez, se le conocía por no dejarse llevar por la corriente y por mantenerse siempre enérgico y deseoso de luchar contra las injusticias del mundo. Muchos lo criticaron por ser demasiado político en sus obras de arte, a lo que Ferrari respondió con esta famosa frase: "Lo único que pido al arte es que me ayude a expresar lo que pienso con la mayor claridad posible, a inventar signos visuales y críticos que me permitan condenar de manera más eficiente la barbarie de Occidente", escribió en 1965. "Alguien podría demostrarme que esto no es arte. No tendría ningún problema con ello, no cambiaría de rumbo, simplemente cambiaría su nombre, tachando arte y llamándolo política, crítica corrosiva, cualquier cosa, en realidad". [21] Aunque Ferrari pasó su vida luchando contra los críticos con respuestas, imágenes e ideas agudas y cáusticas, Ferrari nunca perdió su buen humor. Fue admirado y querido por muchos a su alrededor. [5]
Recibió, entre otros, el Premio de la Asociación de Críticos de Arte de São Paulo a la Mejor Exposición de Arte de 1983, una Beca Guggenheim en 1995, el León de Oro en la Bienal de Venecia en 2007 y, en 2012, la Fundación Konex de Argentina le otorgó el Premio Konex de Diamante de las Artes Visuales, nombrándolo el artista visual más importante de Argentina en la última década. [22]