La muerte de la Virgen es un óleo sobre tabla de roble delpintor flamenco Hugo van der Goes . Terminada hacia 1472-1480, muestra a la Virgen María en su lecho de muerte rodeada de los Doce Apóstoles . La escena está tomada dela "Legenda aurea" del siglo XIII de Jacobus de Voragine [1], que relata cómo los apóstoles fueron llevados, a petición de María, en nubes por ángeles a una casa cerca del Monte Sión para estar con ella en sus últimos tres días. [2] Al tercer día, Jesús se apareció sobre su cama en un halo de luz rodeado de ángeles para aceptar su alma en el momento en que finalmente se mencionó su nombre. [3] Tres días después, reapareció para aceptar su cuerpo.
En 1777, el inventario de la abadía cisterciense de Ten Duinen , en Brujas, recoge esta pintura. Borchert cree que Johannes Crabbe (Jan Crabbe) la encargó para esta abadía o para una sucursal cercana a Brujas. En 1804, el Ayuntamiento de Brujas la trasladó en 1828 a la Academia, cuyo museo constituye el núcleo del Groeningemuseum .
La Muerte de la Virgen fue pintada casi con toda seguridad por encargo y, junto con sus retablos de Monforte y Portinari , es una de las obras más importantes de van der Goes. Es probable que sea una de sus últimas pinturas terminadas antes de morir. Según el historiador de arte Till-Holger Borchert , el panel "pertenece a los logros más impresionantes y artísticamente maduros de la pintura neerlandesa temprana ". [4] Según Lorne Campbell , la pintura es la "obra maestra más idiosincrásica" de van der Goes. [5]
María aparece recostada sobre un lecho de madera, vestida con una túnica azul y un tocado blanco, con la cabeza apoyada sobre una almohada blanca contra un cabecero. Su piel es fina y pálida, y sus manos están entrelazadas en oración. Está rodeada por los doce apóstoles que se agolpan alrededor de su lecho. Pedro está vestido con la túnica blanca de un sacerdote y sostiene una vela que, en el ritual contemporáneo de la época, será entregada a la mujer moribunda. Sobre ella aparece Cristo en un halo de luz, con los brazos abiertos para recibir el alma de María [6] , mientras que sus palmas están abiertas para mostrar las heridas sufridas en el Calvario . Con este gesto, Cristo se identifica a sí mismo como redentor y vencedor de la muerte [4] .
La muerte marca una ruptura en el estilo de van der Goes; la línea ha cobrado mayor importancia, se elimina el escenario y la imagen carece de profundidad y está muy contraída, con solo la cama, la puerta y el cuerpo de la Virgen como indicadores espaciales. [7] Es famosa por no mostrar a los apóstoles ni de la manera idealizada tradicional ni como tipos de figuras convencionales, sino que representa a cada uno como un individuo único, mostrando su dolor a través de una gama de expresiones y gestos, desde la tristeza y la desesperación hasta la empatía y la compasión. Debido a que el artista no ha utilizado la representación tradicional, es difícil identificar a cada apóstol. [8]
La obra es la más conocida de varias pinturas posteriores a la muerte de María atribuidas a van der Goes o seguidores. Algunos historiadores del arte, incluido Friedrich Winkler (1964), creen que pintó al menos tres versiones, aunque en general se acepta que los bocetos preparatorios realizados para la obra de Brujas fueron posteriormente copiados y reproducidos como pinturas por seguidores de finales del siglo XV. Una copia fiel se encuentra en el tesoro de la Catedral de San Salvador ( Brujas ). Dos pinturas similares en los Museos Estatales de Berlín y la National Gallery de Londres se atribuyen como "según van der Goes". Por lo general, se cree que son versiones posteriores de un dibujo a pluma sobre papel en el Museo Herzog Anton Ulrich de Brunswick , probablemente una copia de un boceto preparatorio original de van der Goes. [2] Estas obras son similares a las pinturas de Brujas, pero muestran la imagen al revés. [notas 1] La fotografía infrarroja muestra que la composición se planificó de manera muy detallada antes de aplicar el dibujo subyacente. El historiador de arte Lorne Campbell escribe: "Es posible que el dibujo de Brunswick refleje una de sus primeras ideas para la pintura de Brujas y que los cuadros de Berlín, Praga y Londres hagan eco, aunque sea de forma lejana, de una etapa posterior en su desarrollo de la composición de Brujas. [9]
El cuadro ha sido objeto de intensos debates en cuanto a su fecha y significado. Van der Goes pasó los últimos años de su vida sumido en la depresión. Varios historiadores del arte, incluido Max Friedländer , consideran que la obra fue pintada alrededor de 1480, cuando el artista comenzó a mostrar los primeros signos de sufrimiento mental y, por lo tanto, la ven como una expresión de su enfermedad. La susceptibilidad del artista a la depresión y la locura en los últimos años de su vida (murió en 1482 o 1483) fue descubierta en 1863 en una crónica de su contemporáneo Gaspar Ofhuys, quien registró una noche de 1480 en la que van der Goes comenzó a hablar con entusiasmo sobre cómo era un alma perdida y condenada e intentó suicidarse y tuvieron que sujetarlo a la fuerza.
Este relato contribuyó en gran medida al valor de la pintura a los ojos de los pintores de finales del siglo XIX. Vincent van Gogh menciona a van der Goes tres veces en sus cartas, la primera en 1873 a su hermano Theo, y en dos ocasiones más cuando escribió que se identificaba con el retrato de van der Goes en la emotiva pintura de Emile Wauters de 1872 Hugo van der Goes recibiendo tratamiento en el Claustro Rojo . [7] El historiador de arte Erwin Panofsky describió a van der Goes como "el primer artista que estuvo a la altura de un concepto desconocido para la Edad Media pero apreciado por la mente europea desde entonces, el concepto de un genio bendecido y maldecido a la vez por su diversidad con respecto a los seres humanos comunes". Panofsky continúa describiendo cómo la planitud de la obra representa una "irracionalidad del espacio, la luz, el color, [la] expresión de la enfermedad mental del artista". [10]
Otros historiadores del arte, entre ellos Dirk de Vos y Susan Koslow, rechazan esta tesis y sostienen que una concepción totalmente individualizada de la escena no habría sido aceptable para los comisarios del cuadro. En su opinión, la forma simplificada y contraída de la obra se debe a un deseo de "subrayar la solemnidad del acontecimiento y su naturaleza milagrosa; Van der Goes puede haber decidido que la riqueza material sería una distracción y una falta de decoro". [10]
Van der Goes fue un artista muy progresista y original, pero al mismo tiempo muy influenciado por artistas contemporáneos y predecesores. La inspiración para esta obra se puede detectar en La muerte de la Virgen de Petrus Christus (c. 1457-1467) [11] [5] y en obras atribuidas al taller de Rogier van der Weyden [12] . La pintura tiene una sorprendente similitud con el grabado del mismo nombre de Martin Schongauer (c. 1470-1475), especialmente en su tono y estado de ánimo generales, la representación de María y la representación de los apóstoles sentados a la izquierda de María. Sin embargo, hay diferencias significativas; la cama en el grabado de Schongauer tiene dosel y la distribución de los apóstoles es muy diferente en las dos obras. El Schongauer está fechado como muy tarde en 1475, y es un tema de debate crítico significativo y a veces duro y divisivo en cuanto a qué obra fue la primera (véase más arriba). [12]
