Kimsooja ( coreano : 김수자 ; nacido en 1957) nació en Daegu, Corea del Sur . Kimsooja es una artista conceptual multidisciplinaria que viaja entre sus tres hogares y lugares de trabajo en la ciudad de Nueva York , París y Seúl . En 1980, Kim se graduó con una Licenciatura en Pintura en la Universidad Hong-Ik de Seúl y continuó realizando su maestría allí, obteniendo el título en 1984 a la edad de 27 años. [1] Su origen como pintora fue un punto de partida crucial para la desarrollo de su arte. Ese mismo año recibió una beca para estudiar arte en la Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París, Francia, donde estudió Grabado. Su primera exposición individual tuvo lugar en 1988 en la Galería Hyundai de Seúl. Actualmente, su trabajo se presenta en innumerables museos y galerías internacionales, así como en ferias de arte públicas y otros espacios. Su práctica combina performance, cine, fotografía e instalación específica utilizando textiles, luz y sonido. El trabajo de Kimsooja investiga cuestiones relativas a las condiciones de la humanidad, al tiempo que aborda cuestiones de estética, cultura, política y medio ambiente. Su principio de "no hacer" y "no hacer", que sigue una investigación conceptual y estructural de la performance a través de modos de movilidad e inmovilidad, invierte la noción del artista como actor predominante. [2] [3]
Los grandes proyectos recientes de Kimsooja incluyen Sowing into Painting , Wanas Konst, Suecia, [2] Traversées\Kimsooja, Poitiers, Francia (2019-2020), [4] [3] To Breathe, Comisión pública para la nueva estación de metro Mairie de Saint- Ouen en París (2020), nuevo encargo de vidrieras del siglo XXI para la catedral de Saint-Etienne en Metz, Francia (2021), Trienal de la Asia Society, Nueva York (2020). Kimsooja ha expuesto en los principales museos e instituciones de todo el mundo, incluido el Museo Peabody Essex (2019); Parque de esculturas y capilla de Yorkshire (2018-2019); Instituto de Arte Contemporáneo de Perth (2018); Museo de Arte de Liechtenstein (2017); MMCA Corea (2016); Centro Pompidou Metz (2015); Museo Guggenheim Bilbao (2015); Galería de Arte de Vancouver (2013); Museo de Arte Moderno Saint-Étienne (2012); Museo de Arte Pérez Miami (PAMM) (2012); Centro Báltico de Arte Contemporáneo Gateshead, Reino Unido (2009); BOZAR , Bruselas (2008); Palacio de Cristal, Museo Reina Sofía , España (2006); Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Atenas (2005); Museo de Arte Palast Düsseldorf (2004); Museo de Arte Contemporáneo de Lyon (2003); PAC Milán (2003); Kunsthalle Vino (2002); Kunsthalle de Berna (2001); MoMA PS1 (2001); Galería Rodin , Museo de Bellas Artes Leeum Samsung (2000); CPI Tokio (2001); y CCA Kitakyushu (1999).[1]
Kimsooja representó a Corea en el Pabellón Coreano de la 55ª Bienal de Venecia (2013) y en la 24ª Bienal de São Paulo (1998), participó en Kassel Documenta 14 : ANTIDORON – The EMST Collection (2017) y ha participado en bienales y trienales internacionales: Busan (2016, 2002), Venecia (2019, 2013, 2007, 2005, 2001, 1999), Gwangju (2012, 2002,1995), Moscú (2009), Estambul (1997), Lyon (2002) y Manifesta 1 ( 1996) entre otros. [5]
Después de tener que elegir un nombre de dominio para su sitio web, Kimsooja pensó en las implicaciones conceptuales de combinar su nombre en una sola palabra. Conmemoró este acto en una pieza conceptual titulada Un nombre de una palabra es el nombre de un anarquista (2003). [6] Kimsooja vincula este proyecto con el hecho de compartir la importancia de su nombre y describe esta acción como: "Un nombre de una palabra rechaza la identidad de género, el estado civil, la identidad sociopolítica o cultural y geográfica al no separar el apellido y la primera nombre..." [7] Kimsooja aludió a las luchas y desafíos que alguna vez enfrentó para encontrar su voz y expandir su visión artística. Al adoptar el nombre de una sola palabra, no sólo se estableció como una artista contemporánea de "menos es más", sino que también reclamó su nombre como suyo y sólo de ella. [8] [9]
Mientras estaba en la universidad, Kimsooja descubrió su amor por comprender la conexión entre la estética y la psicología humana, que es el motivo detrás de muchas de sus obras. Kimsooja hace referencia, desde su primer trabajo hasta el más reciente, a cómo reaccionan los humanos ante las telas, la pintura, la escultura y más, y cómo experimentamos el mundo como humanos. [10] La serie "Sewing" de Kimsooja (1983-1992), su primer trabajo con tela, produjo un ensamblaje de sistemas horizontales y verticales. Su uso de la tela evocaba la tela bottari , una tela tradicional coreana para envolver, típicamente hecha y utilizada por mujeres. Utilizó telas que formaban estructuras cruciformes que sintetizaban una visión enredada y anudada de la sociedad y el mundo en un sistema de horizontales y verticales. [11] Al igual que el pintor espacialista Lucio Fontana , que atravesó el lienzo unicolor con una daga de filo afilado, Kimsooja también hizo arte que ya no era una pantalla de ilusión sino una estructura tridimensional mientras se tejía a través de la superficie del lienzo. trabajo, perforando agujeros en él. [11] Estos primeros trabajos cosidos, a su vez, se inspiraron en las telas y la ropa que había poseído su abuela, y al mismo tiempo fueron impulsados por el propio interés de Kimsooja en la asociación tradicional entre el trabajo femenino y la costura en la cultura coreana junto con la dinámica de la vida cívica y el poder doméstico y la notable desconexión entre el espacio público y privado. Kimsooja, que creció como mujer en Corea del Sur a mediados y finales de la década de 1990, creó un trabajo con el que muchas mujeres coreanas podían identificarse a través de sus intentos colectivos de alejarse de los sistemas sociales patriarcales en juego. Con estos medios entrelaza la tradición con el arte contemporáneo y el feminismo en Corea del Sur. El trabajo de Kimsooja obliga a los espectadores a separar el arte del artista y cuestionar la existencia de la humanidad. [12]
Después de una residencia en el MoMA PS1 en 1992-1993, Kimsooja inició una serie de instalaciones específicas que encontraron su origen en el espectro de colores coreano ( obangsaek ). [13] Creó esculturas inspiradas en paquetes de telas de colchas coreanas que se asocian en la cultura coreana con los viajes y la migración, y también pueden interpretarse en su trabajo como una alusión a las restricciones a las actividades femeninas. [14] Estos paquetes de colchas inspiraron el título de una serie de esculturas y obras de instalación que Kimsooja tituló en honor a la palabra coreana bottari , que insinúa la idea de viajar pero también se refiere a conceptos de envolver y desplegar.
En 1992, la instalación Objetos deductivos , mostrada en el MoMA PS1 , ocupaba toda una pared de ladrillos donde el artista insertaba pequeños trozos de tela coreana usada para colchas en pequeños agujeros entre los ladrillos. Los elementos escultóricos junto a la instalación mural estaban compuestos por objetos cotidianos envueltos en tela de Bottari , como un transportador, un marco de puerta, un gancho, una sierra, un carrete, una pala, un perchero o una escalera. [13] Si bien se puede utilizar cualquier tipo de tela para hacer bottari , Kimsooja prefiere la ropa de segunda mano para aludir al paso del tiempo y la vida anterior de los objetos antes de que se transformaran en obras de arte. [15]
Bottari y el acto de viajar siguen siendo temas centrales de su obra Bottari Truck in Exile (1999), realizada en la carretera mientras un camión cargado con montones de ropa, envuelto en colchas de seda, viajaba de un lugar a otro . [16] Kimsooja dedicó la pieza, que se presentó en la Bienal de Venecia, a los refugiados de la guerra de Kosovo.
En la primera presentación en video de Kimsooja, Sewing into Walking-Kyungju (1994), se ve a Kimsooja en la cima de los valles de Gwangju (anteriormente escrito Kwangju), Corea del Sur, recogiendo colchas esparcidas por el suelo del valle y envolviéndolas en un paquete. Un año después, Kimsooja regresó al valle para la primera Bienal de Gwangju en Corea y esparció varias prendas hechas con telas tradicionales coreanas en el suelo de un bosque. Esta instalación, hecha con 2,5 toneladas de ropa de segunda mano y titulada Sewing into Walking- Dedicated to the victims of Kwangju , conmemoró a las víctimas de la represión de una protesta democrática en Gwangju en 1980. Esta obra estableció una analogía entre la estructura del tejido y el de la tierra, que fue de particular importancia en términos de confirmar la tridimensionalidad y la topología espacial del tejido en el trabajo de Kimsooja, así como también establecer su cuerpo en la actuación como una aguja que teje el tejido de la humanidad y la naturaleza. [17]
En Ciudades en movimiento – Camión Bottari de 2727 km [19] [20] , Kimsooja se sienta encima de un montículo de bottari que se transporta por todo el país. Documentar parte de su actuación de 11 días en su viaje a los lugares donde residió antes de exiliarse culturalmente de Corea a Nueva York a finales de los años 1990.
En 2007, Kimsooja graba su actuación en París, donde contempla nuestra realidad de migración constante en una sociedad global que nos impulsa como migrantes de cada sociedad de la que venimos y hacia la que nos dirigimos. El Camión Bottari - Migrantes se hizo con colchas de inmigrantes locales y ropa usada donada de todo París y cargada en la parte superior de una vieja camioneta Peugeot francesa. Kim partió de la 'Place de la Liberation', donde se encuentra el Musée MAC/VAL , que encargó la pieza, y que al mismo tiempo está justo en la frontera sureste de París, donde se encuentran muchos inmigrantes de China, Medio Oriente, Viven África y Europa. Continúa por diferentes barrios de París, que simbolizan la historia de los inmigrantes en Francia: Ivry (gran comunidad china), Place d'Italy, Bastille, Place de la Republic, Canal Saint-Martin (que solía tener tiendas de campaña a lo largo del canal). desde la zona de personas sin hogar, ahora muy limpiada, haciendo un túnel de agua), Gare du Nord, Goutte d'Or (una gran comunidad africana, de Medio Oriente e India), hasta el destino 'Église Saint-Bernard', donde la mayoría de los ilegales los inmigrantes se establecieron y protestaron por su derecho a vivir en Francia en 1996; Esto se ha convertido en un gran tema político en la sociedad francesa. [21]
En 1999, Kimsooja presentó su trabajo más icónico: A Needle Woman , una pieza de video de performance que se estrenó en CCA Kitakyushu y evolucionó en proyecciones posteriores como una proyección de video multicanal. [5] En Una mujer aguja , la artista aparece de espaldas a la cámara, vestida exactamente con la misma ropa y parada exactamente de la misma manera en varias metrópolis: [22] Tokio, Shanghai, Delhi, Nueva York, Ciudad de México, El Cairo. , Lagos, Londres, Patan, Nepal (1999–2001); y en una segunda serie de funciones: La Habana, Cuba; Yamena, Chad; Rio de Janeiro, Brasil; Sana'a, Yemen; y Jerusalén (2005). [5] Algunos lugares visitados en la obra son lugares de violencia, deterioro o conflictos no resueltos, lo que le otorga a la aguja una función metafórica como instrumento de curación. [22] También en A Laundry Woman (2000), un video de performance filmado en la India, se ve a Kimsooja inmóvil y parada frente a un río donde los escombros aparentemente flotan. Una mujer aguja y una lavandera expusieron las posturas del artista sobre el no hacer y la inmovilidad como forma de práctica artística; específicamente, otorgando a la acción de la inmovilidad la virtud de invertir la percepción lineal del espacio y el tiempo de la audiencia. [22] La primera versión de Una mujer aguja presentó a la artista recostada horizontalmente sobre una roca y estableció la naturaleza y la orientación espacial como tema central de su obra. Además, adquirió gran importancia su uso del espectro de colores coreano ( Obangsaek ), en el que cada color representa una dirección cardinal en la tradición coreana. [23]
Para A Mirror Woman: The Sun and The Moon , encargado por la Shiseido Art Foundation en 2008, Kimsooja filmó la puesta de sol y la salida de la luna a lo largo de la playa de Goa, India. Luego, el artista superpuso digitalmente un eclipse, en el que las imágenes del Sol y la Luna se fusionaron.[2]
En Tierra – Agua – Fuego – Aire , una proyección de video multicanal que se estrenó en la Bienal de Lanzarote de 2009, España, la fusión de elementos básicos fue captada en vivo por el artista en la isla de Lanzarote , en las Islas Canarias , Guatemala y Groenlandia. . [5] Aquí, el concepto de fusión realzó la idea de experimentos anteriores sobre inmovilidad, encarnados continuamente en la representación persistente del artista de la permanencia y la impermanencia, las estructuras horizontales y verticales, los movimientos hacia adelante y hacia atrás de la costura. [24]
A partir de 2010, Kimsooja inició un proyecto cinematográfico de 16 mm titulado Thread Routes . Dividida en seis capítulos, la serie se desarrolla como un poema antropológico que toma como tema central el acto de enhebrar. Se desarrolla en seis zonas culturales diferentes alrededor del mundo, sus seis capítulos preliminares se rodaron en Perú, Europa, India, China, América del Norte y África del Norte. [25]
To Breathe: Invisible Mirror/Invisible Needle , que se estrenó en La Fenice de Venecia en 2006, fue una proyección de vídeo de nueve minutos de un espectro de colores que llenó todo el escenario del teatro. Una pista de audio de cinco canales titulada The Weaving Factory (2004) acompañó la pieza, formando un par de inhalaciones y exhalaciones de la propia respiración del artista que se volvió cada vez menos ágil a medida que el espectro cromático continuaba su gestación. [26]
Durante las últimas dos décadas, Kimsooja ha desarrollado obras que utilizan luces y colores, en paralelo al espectro de colores de Obangseak, que representa las cinco direccionales cardinales en la filosofía coreana, en respuesta a muchos edificios históricos y modernos.
A Lighthouse Woman (2002) fue una instalación site-specific donde Kimsooja utilizó luz, color y sonido para transformar el faro abandonado en Morris Island (Charleston, Carolina del Sur) para el Festival Spoleto de 2002 . A Lighthouse Woman inauguró una serie de trabajos que el artista creó como proyectos conmemorativos que incluyen: Sewing Into Walking - Dedicado a las víctimas de Kwangju (1995); Nombres plantados (2002); Mandala: Canto por Auschwitz (2010); y Una mujer espejo: la tierra de ninguna parte (2003). [47] Otro trabajo conmemorativo, An Album: Hudson Guild de Kimsooja , es un proyecto de vídeo creado en colaboración con el Hudson Guild Senior Center en Chelsea, Nueva York, en 2009. [5]
To Breathe – A Mirror Woman , fue desarrollado para el Palacio de Cristal de Madrid en 2006, [26] fue una instalación de espejos que cubría el suelo del Palacio. Toda la cúpula del palacio estaba cubierta con una película translúcida que difractaba la luz del día y el Palacio también estaba repleto del sonido de la respiración del artista. [27]
En Lotus: Zone of Zero se instaló por primera vez en el Palais Rameau, Lille, Kimsooja colgó seis filas de círculos concéntricos que consistían en 384 linternas del templo en forma de flores de loto desde el pabellón de cristal. Seis oradores alineados en el círculo tocaron simultáneamente cantos gregorianos , tibetanos e islámicos , que resonaron por toda la sala y se unieron en el centro hueco. Según Kimsooja, este es el reino de "Zero", en el que diferentes religiones forman una unión armoniosa que trasciende a un espacio para la meditación y la contemplación. Las numerosas linternas que colgaban en lo alto estaban destinadas a humillar al espectador y recordarle su relación con su comunidad. Kimsooja creó Lotus: Zone of Zero en respuesta a la guerra de Irak ; quería crear un lugar donde diferentes religiones y personas de diferentes culturas pudieran vivir en un estado de coexistencia armoniosa. [28]
Kimsooja representó a Corea para el pabellón de Corea del Sur en la 55ª Bienal de Venecia en 2013. [5] Para la pieza titulada To Breathe: Bottari , Kimsooja envolvió todo el interior del pabellón nacional con una película translúcida que difractaba la luz del día, bañando la estructura interna con espectros de luz. Su pieza sonora The Weaving Factory (2004-2013) también llenó el pabellón con el sonido de la artista inhalando y exhalando. [29] Estos aspectos de la luz y el sonido se intensificaron aún más en To Breathe: Blackout (2013), una cámara anecoica donde el público quedaría en completa oscuridad y sin sonido excepto el del propio cuerpo del espectador. [29]
Otros encargos públicos notables incluyen: A Needle Woman: Galaxy was a Memory, Earth is a Souvenir (2014), una escultura monumental de 46 pies de altura encargada e instalada para la Bienal 2014 del Cornell Council for the Arts en el campus de la Universidad de Cornell ; [30] y Mandala: Zone of Zero , que se estrenó en The Project en la ciudad de Nueva York en 2003 y consistía en el sonido de cánticos tibetanos, gregorianos e islámicos animando una gran máquina de discos con forma de objetivo.
En 2019, Kimsooja se apodera de la ciudad de Poitiers para la primera edición de Traversées, un nuevo evento artístico y cultural internacional, estrechamente vinculado a la suerte de un lugar emblemático, el Palacio de los Duques de Aquitania, y su barrio circundante, el corazón de la historia y el patrimonio de la ciudad. Para Traversées\Kimsooja, comisariada por las directoras artísticas Emma Lavigne y Emmanuelle de Montgazon, la artista presentó más de una docena de instalaciones específicas dentro de los monumentos históricos de la ciudad, entre ellas Archive of Mind (2019), To Breathe (2019), To Breathe. - The Flags (2019), y Bottari 1999-2019 (2019), consistente en un contenedor de transporte pintado con colores Obangseak y lleno de objetos personales de la artista, acumulados en su apartamento de Nueva York durante veinte años. Kimsooja envuelve sus pertenencias en un contenedor y las transporta de un continente a otro, una metáfora de su perpetuo nómada Bottari.
En 2020, Kimsooja es el primer artista contemporáneo del siglo XXI al que se le encargaron vidrieras permanentes para la Catedral de Metz en Francia. En el verano de 2020, Kimsooja inauguró una nueva instalación en Wanås, Suecia, llamada "Sowing into Painting", donde presentó películas, esculturas, pinturas y plantaciones. [31] Este proyecto fue creado con la idea de: "Al plantar un campo de plantas de lino, ella encapsula metafóricamente todo el ciclo de producción material y considera la interacción de la impermanencia y la perpetuidad, y de la vida y el arte. Estas plantas, que son cultivadas y cosechadas en un período de varios meses, se transformarán en pinturas que podrían durar siglos". [32]
En 2023, se inauguró una obra de arte permanente en la estación de metro Mairie de Saint-Ouen de París . "To Breathe" comprende paredes de vidrio que difractan la luz, instaladas en el vestíbulo de la estación. [33]
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