Kim Whanki ( coreano : 김환기 ; hanja : 金煥基; 3 de abril de 1913 - 25 de julio de 1974) fue un pintor coreano y artista abstracto pionero . [1] Kim vivió y trabajó en varias ciudades y países durante su vida, incluidos Tokio , Japón; Seúl y Busan , Corea; París , Francia; y la ciudad de Nueva York , EE. UU., donde murió.
Kim pertenece a la primera generación de artistas abstractos coreanos, que mezcla conceptos e ideales orientales con la abstracción. Con una expresión formativa refinada y moderada basada en el lirismo coreano, creó su característico mundo artístico. Sus obras de arte tratan en gran medida de diversos tonos y patrones. [2] Las primeras obras de Kim eran pinturas semiabstractas que permitían a los espectadores ver ciertas formas, pero sus obras posteriores eran pinturas abstractas más profundamente absorbidas, llenas de líneas y espacios. [3]
El socio del artista, Hyang-an Kim, fundó la Fundación Whanki en 1978 y abrió el Museo Whanki en 1992. El museo, ubicado en Seúl , fue construido por el arquitecto coreano-estadounidense Kyu Sung Woo .
Pionero de la pintura abstracta y padrino del movimiento Dansaekhwa, Whanki Kim se hizo un lugar en la historia y el arte de Corea a una edad temprana. Whanki Kim fue un artista cuyo profundo impacto en la historia del arte coreano se vio en la primera ola del arte abstracto. Su estilo de vida nómada lo llevó a muchos lugares diferentes, como Japón, Francia y los EE. UU., lo que diferenció su obra de arte de otros artistas, que crearon su arte con sede en Corea, debido a la falta de oportunidades para viajar. Como artista itinerante que se inspiró en artistas de otros orígenes, el estilo de arte abstracto de Whanki Kim se transformó de la abstracción geométrica al arte con motivos tradicionales coreanos y luego a pinturas monocromas de puntos y líneas. Equilibró la cercanía de los valores y creencias coreanos con la incorporación de nuevas técnicas extranjeras en sus obras, que evidentemente reflejan su identidad personal y la identidad nacional de Corea, impactada por las condiciones políticas y sociales de mediados del siglo XX.
Kim Whanki nació como el cuarto hijo y único varón del rico granjero y terrateniente local Kim Sang-hyeon (김상현). Creció cómodamente en Eupdong-ri, Kijwado, Anjwa-myeon , condado de Sinan , Zenranan-dō , Corea, Imperio del Japón . Después de graduarse de la escuela primaria, Kim fue enviado a Seúl para vivir con su hermana mayor y asistir a la escuela secundaria Choongdong (중동중학교). Su familia lo apoyó para estudiar en el extranjero en Tokio, Japón, donde asistió a la escuela secundaria Nishikishiro (錦城). Durante sus cinco años de estudio, aprendió a tocar el violín. Una vez que Kim regresó a casa en 1932, su padre se opuso a los deseos de Kim de continuar sus estudios y lo hizo casar. [4] : 27–33
Su sobrino nieto es Choi Seung-hyeon (nacido en 1987), un artista, actor y rapero activo bajo el seudónimo TOP y miembro de Big Bang . [5] [6]
Habiendo decidido convertirse en artista en contra de los deseos de su padre, Kim abordó en secreto un barco con destino a Japón . [4] : 33 Así, en 1933, a la edad de 20 años, Kim se inscribió en el programa de 3 años ofrecido en el Departamento de Artes de la Universidad Nihon en Tokio. [7] Durante su segundo año en el programa, Kim se unió al Instituto de Pintura Occidental de Vanguardia (アヴァンギャルド洋画研究所, AbuangyarudoYōga Kenkyūjo ), dirigido por artistas japoneses que estaban introduciendo en Japón el cubismo , el futurismo y el surrealismo basados en su experiencia de vida y trabajo en Europa. Entre sus mentores estaban Togo Seiji y Tsuguharu Foujita . [8] : 53 En 1935, Kim recibe un premio por su primera presentación a la prestigiosa Asociación de la Segunda Sección (二科会, Nikakai , 이과전, Igwajŏn ), Cuando las alondras cantan (종달새 노래할 때), lo que marca su debut como artista. La pintura retrata a una mujer vestida con hanbok , cuyo cuerpo fue representado en formas geométricas simplificadas. La canasta sobre su cabeza es "transparente" al mostrar su contenido en un ángulo imposible, lo que revela el interés de Kim más allá del realismo y hacia la abstracción. [9] : 23 Sus experimentos de incorporación de motivos coreanos como formas simplificadas sobre el plano del cuadro continuaron, como se puede ver en Casa <집> (1936) y Terraza de tarros de salsa <장독대> (1936). También se observa que las características que se ven a menudo en las casas tradicionales coreanas, como las puertas de madera, las puertas de papel, las paredes de piedra, las escaleras y la cerámica, agregaron una sensación de orden y repetición a sus pinturas, lo que ilustra aún más su desarrollo hacia la abstracción pura. [8] : 53
Durante este tiempo, Kim participó en actividades dirigidas por muchas asociaciones de artistas de Japón, como la Sociedad Hakujitsu (白日会), la Sociedad Kofu (光風會, Kofukai , 광풍회, Kwangp'unghoe ), la Asociación de Artistas Libres (自由美術家協会, Jiyū Bijutsuka Kyōkai ), la Sociedad Room Nine (九室會; Kyushitsukai ) y la Sociedad Hakuban (白蛮会, 백만회, Paengmanhoe ). [7] El Hakuban fue establecido en 1936 después del cierre del Instituto de Pintura Occidental de Vanguardia por cinco de sus miembros, incluidos Kim y Gil Jin-seop (길진섭, 吉鎭燮, 1970-1975). [10] Su primer En enero de 1937, tan solo unos meses antes de regresar a Corea, Kim realizó una exposición individual en la Galería Amagi de Tokio. Incluso después de dejar Tokio, Kim continuó enviando obras a la Asociación de Artistas Libres de Japón hasta 1941, entre ellas Rondo <론도> (1938). ). Como uno de los primeros ejemplos de arte abstracto en la Corea moderna, el gobierno del país designó la pintura como Propiedad Cultural Registrada (N.º 535) en 2013. [9] : 24
Incluso permaneció un año más en Japón como asistente antes de regresar a Corea en 1937. El tiempo que Kim pasó en Tokio reforzó su identidad como artista abstracto. En sus años universitarios, quedó fascinado por la obra de Henri Matisse y Pablo Picasso [11]. Se dice que sus obras de 1937 y 1938, como Rondo, Aria y Gaviota blanca, muestran un claro giro hacia la abstracción con sus composiciones de formas geométricas puras que consisten en formas circulares y oblongas rítmicas repetidas con cuadrados que se cruzan o superponen. [12]
La experimentación temprana de Whanki Kim con la abstracción geométrica se inspiró en el cubismo. Su primera pieza que ganó popularidad fue When Skylarks Sing (1935), que representa a una mujer sosteniendo una canasta sobre su cabeza. El edificio del fondo juega con la luz y las sombras y es una de las muchas formas geométricas que crean profundidad en la pintura. Whanki Kim contrasta la representación realista de una mujer coreana tradicional con un fondo ambiguo que confunde el entorno exacto de la pintura. También hay una falta de detalles en el cuerpo y el rostro de la mujer. La obra de arte refleja la percepción de Whanki Kim de la Corea colonial bajo el dominio de Japón, en la que Kim, como coreano, estaba relativamente distanciado de la sociedad y tenía perspectivas diferentes a las de un artista coreano que estaba apegado e impactado por la guerra.
Después de regresar de sus estudios en Tokio, Kim continuó entablando amistad con miembros del círculo literario coreano mientras se interesaba más por el arte tradicional coreano. En 1940, esta exposición ya no se llamaba Exposición de Artistas Libres. Se llamó Asociación de Artistas Creativos, debido a las crecientes tensiones militares que no alentaban nuevas ideas. La Asociación de Artistas Creativos creó una sucursal en Corea y celebró su primera exposición en Seúl, donde Kim, otros artistas coreanos y varios artistas japoneses exhibieron su trabajo. [12] Se dice que Kim presentó seis piezas: Cuento de isla , Naturaleza muerta , Paisaje 1 , Paisaje 2 , Paisaje en Atami y Música de cámara antes de dejar la Asociación en 1941. [12]
En 1944, Kim, que se había divorciado de su primera esposa, se volvió a casar con Byun Dong-rim (변동림, 卞東琳, 1916–2004), una escritora de prodigioso talento y viuda del poeta Yi Sang . Desafiando las objeciones de sus familias, Byun adoptó el nombre artístico de Kim –Hyang-an– en el momento del matrimonio y vivió con ese nombre hasta su muerte. Kim cambió su nombre artístico a Su-hwa (수화, 樹話).
Corea se liberó del dominio japonés en 1945 y estableció su gobierno independiente en 1948. El mismo año, Kim, junto con los artistas Yoo Youngkuk y Lee Kyusang (이규상, 李揆祥, 1918-1967), creó el Grupo del Nuevo Realismo (신사실파, Shinsashilp'a ). Su idea fundacional era buscar nuevos tipos de pintura realista y contribuir a la percepción de una "nueva formación de la realidad", que podría existir al margen de la influencia directa de Japón, así como de las luchas ideológicas de derecha e izquierda que dominaron el período de la Guerra Fría de Corea. [8] : 63–64 Navegando entre la figuración y la no figuración, el grupo ha sido considerado desde entonces pionero del arte abstracto coreano y uno de los grupos de artistas más influyentes en el arte moderno coreano. [13] Entre los miembros participantes se encontraban Chang Ucchin , Paek Youngsu (백영수, 白榮洙, 1922–2018) y Lee Jung-seob . [13]
Para la segunda exposición del Grupo del Nuevo Realismo celebrada en 1949, Kim presentó su pintura Jarra y flores <백자와 꽃> (1949). La obra, en la que una pieza de porcelana blanca se representa como una forma geométrica abstracta redonda, se considera uno de los primeros ejemplos de la obra de Kim en los que emplea la cerámica como un motivo significativo por el que recibió elogios de la crítica. [8] : 64 Desde su regreso a su país natal desde Japón, Kim había coleccionado y desarrollado un gusto sofisticado por las antigüedades y la cerámica coreanas, especialmente por un tipo de vajilla de porcelana blanca hecha en el período Joseon ampliamente conocida como jarras de luna . [7] Se sabe que disfrutaba exhibiendo y observando cerámica coreana en su casa, mientras representaba los mismos objetos en sus pinturas. Como motivo en las pinturas de Kim, la cerámica coreana se empleó como una solución estética para reconciliar la tradición con la modernidad. [14] : 29–30
Nuestros frascos [coreanos] abrieron mi campo de visión sobre la calidad estética y la gente coreana, por lo que se puede decir que el libro de texto que utilicé fueron estos frascos. [15]
Las obras de Kim de 1942 y 1950, basadas en sus presentaciones en las exposiciones neorrealistas , muestran una inspiración en la naturaleza y la vida cotidiana. Su deseo de presentar composiciones puras y objetos simplificados es evidente en obras como Woods . [12]
Durante la Guerra de Corea , el gobierno de Corea del Sur se trasladó a la ciudad portuaria de Busan , en el sur, junto con muchos refugiados. Whanki Kim también huyó de Seúl en busca de seguridad en el sur y entró en un campo de refugiados durante tres años. Se dice que estos años fueron una época de sufrimiento para Whanki Kim: su esposa, Hyang-an Kim, recuerda su fuerte ira y su hábito de beber, aunque él continuó pintando. Algunas de las obras producidas durante este tiempo son Refugee Train <피난열차> (1951), Landscape at Chin-hae , Shanty y Jars and Women <항아리와 여인들> (1951). [12]
El óleo de Kim Un tren de evacuación de 1951 es otro ejemplo de su temprana obra abstracta que refleja su distanciamiento de la guerra de Corea. Esta pintura muestra una multitud de refugiados amontonados en vagones de tren, creando un ambiente claustrofóbico. Mientras que algunos artistas optaron por representaciones tristes y más realistas de esta época utilizando tonos oscuros, Whanki Kim añadió su propio toque de tonos más brillantes de rojo y azul y formas simples. Parece haber una contradicción entre el ambiente urgente y claustrofóbico de los coreanos que huían de la guerra y la representación de los refugiados, que parece una caricatura. Esta pintura también refleja una época en la que el arte abstracto estadounidense era promovido por la United States Information (USIS). El arte occidental era fácilmente accesible para los artistas coreanos a través de suscripciones financiadas a periódicos, revistas y publicaciones de arte, que introdujeron las tendencias contemporáneas de la abstracción. El verdadero origen de esta agenda fue la campaña anticomunista liderada por Estados Unidos contra el arte realista socialista de Corea del Norte, y el SII pagó a artistas surcoreanos, entre ellos Whanki Kim, cuyo trabajo representaba un antídoto contra las prácticas culturales norcoreanas. Esto se oponía al arte producido a la fuerza con temas de Stalin y Kim Il Sung durante la época en que Corea del Sur estaba bajo el dominio norcoreano.
Cuando Kim Whanki regresó a Seúl en 1953, su obsesión por los jarrones creció una vez más y aún más que antes. Dibujó jarrones una y otra vez en sus obras, entre ellas Jarra y poesía, Jarra blanca y mujer, Jarra y Jarra y flores de ciruelo. Su regreso a Seúl también le permitió enseñar en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Hongik , realizar una exposición individual en la Galería USIS y ser elegido miembro de la Academia Coreana. [12]
Los diarios de Kim muestran que su partida a París era algo que llevaba planeando bastante tiempo. A partir de 1954, muchos artistas coreanos hicieron este viaje, entre ellos Nam Kwan, Kim Heung-su y Kim Chong-ha. París, la capital mundial del arte moderno, fue el lugar que los curaría de su sentimiento de inferioridad, que había resultado de sus experiencias negativas con el arte occidental en Japón. [12] Aunque muchos artistas y sus obras cambiaron significativamente durante los viajes al extranjero, Kim conservó intencionalmente su estilo artístico y continuó retratando motivos de jarras, pájaros, montañas, ciervos y flores de ciruelo. [12] Mientras estaba en Francia, Kim llegó a comprender y apreciar mejor las cualidades únicas de Corea y el arte coreano.
Whanki Kim viajaba con frecuencia a nuevos lugares para adoptar nuevas técnicas artísticas e incorporarlas a su obra, y su objetivo a lo largo de su carrera fue alcanzar esta universalidad de una "integración sin límites de la estética oriental y occidental". Estaba cansado de que sus obras se consideraran un abandono de los valores coreanos o una imitación débil del arte occidental "auténtico". Un símbolo de la lucha de Whanki Kim por alcanzar esta integración perfecta del estilo tradicional/moderno y oriental/occidental fue el jarrón buncheong de la dinastía Joseon. La cerámica de la dinastía Joseon se puede caracterizar por ser grande, blanca, gruesa y deforme, y tiene una función utilitaria. Una pieza infame es el "Jarrón de la Luna", que es un recipiente de porcelana blanca con forma redonda, como una luna. Cuando viajó a París, sus pinturas sufrieron un cambio intenso, incluida la paleta de colores que se volvió principalmente azul y comenzaron a imitar las superficies de cerámica moteada. En la década de 1950, Whanki Kim comenzó a incorporar motivos tradicionales del paisaje coreano, como la luna azul, las montañas y las flores de ciruelo. Jar (1958) de Whanki Kim representó la transición de trazos planos e irregulares a una acumulación de capas. La textura de esta pieza es evidentemente gruesa y moteada, similar a la cerámica tradicional coreana. Además, el jarrón como tema no tiene sentido del espacio ya que no hay objetos de referencia a su alrededor. La escala de la luna es tan grande como el jarrón, lo que crea un efecto de "zoom in" y se suma a la abstracción del arte. Agregar estos motivos coreanos a su obra de arte hizo que Kim fuera más consciente de su identidad coreana en una época de viajes constantes. Visitar París fue una experiencia transformadora para Whanki Kim, ya que pudo experimentar con el efecto de vidriera de las pinturas de Roualt para replicar la naturaleza y la textura 3D del jarrón buncheong en el lienzo 2D. Fue capaz de combinar el carácter coreano de las jarras de la dinastía Joseon con elementos del movimiento expresionista abstracto.
A su regreso a Seúl en 1959, casi inmediatamente le ofrecieron el puesto de decano de la facultad de Bellas Artes de la Universidad Hongik. En 1960, se convirtió en presidente de la Escuela de Arte Hongik. Se encontró enseñando y realizando tareas administrativas con más frecuencia que concentrándose en el arte. A menudo se sentía frustrado durante este tiempo debido a los conflictos con otros miembros de la junta y la falta de conexión entre la realidad y los sueños que tenía para las instituciones de arte. [12]
1963 fue el primer año en que Corea participó en la Bienal de São Paulo , en la que Kim participó como comisionado del país y entre los siete artistas destacados: Young-ju Kim (김영주, 金永周, (1920-1995), Yoo Youngkuk , Kim Ki-chang , Suh Se-ok , Han Yong-jin (한용진, 韓鏞進, 1934-), y Yoo Gang-yeol (유강열, 劉康烈, 1920-1976). [16] : 143 Presentando tres obras: Moonlight in Summer Night <여름 달밤> (1961), Moonlight Night of Island <섬의 달밤> (1959), y Cloud and Moon <운월> (1963)–Kim recibió una mención honorífica por pintura. [7] Al ver las obras en la Bienal, como las del artista estadounidense Adolph Gottlieb , que recibió el Gran Premio, Kim expresó su deseo de que se "internacionalizara" el arte coreano. [14] : 30
"La sala coreana [en la Bienal] era buena. Mi pintura tampoco era mala. Sentí confianza en que mi arte tenía un significado... Hay belleza en mi arte, y esta belleza proviene de haber vivido en el campo coreano". [17]
En 1963, Kim se trasladó a Nueva York, una ciudad que estaba surgiendo como un nuevo centro para el arte moderno. [18] Hyang-an Kim se unió a Kim en Nueva York al año siguiente. Con una beca de la Asia Society financiada por la fundación de John D. Rockefeller III, se establecieron en un estudio en el Upper West Side de Manhattan. [18] Allí encontró el apoyo de varios agregados culturales coreanos, los artistas coreano-estadounidenses Po Kim , John Pai (1937–) y Nam June Paik , así como los artistas estadounidenses Adolph Gottlieb y Mark Rothko . [16] : 151
Cuando Whanki Kim llegó a Nueva York, comenzó a experimentar con nuevos materiales, como páginas de periódico y pinturas al óleo. Tenía curiosidad por saber cómo reaccionaban las diferentes pinturas al óleo con el aceite sobre el periódico, lo que creaba una "sensación cambiante y en movimiento de la pintura sobre una superficie" en comparación con el efecto de absorción de la pintura de acuarela, lo que llevó a su interés por el papel maché. Una escultura de papel llamada Daejup (1968) representa la transformación que experimentó el arte de Kim para fusionar las pinturas al óleo sobre los periódicos con esculturas en 3D. Whanki Kim se enorgullecía del hecho de haber conservado la "coreanidad" en su arte, ya que la pintura al óleo sobre papel imitaba la superficie moteada de la cerámica de la dinastía Joseon. Daejup es un amplio frasco negro que se ensancha cerca de la parte superior y tiene puntos simétricos que rodean el revestimiento del frasco. Los puntos están desordenados intencionalmente para agregar un sentido orgánico a la obra, similar a los frascos del período de Joseon. Lo que hizo a Whanki Kim tan extraordinario fue que, incluso cuando se mudó a Nueva York y aprendió estas nuevas técnicas de papel maché, protegió elementos de su tierra natal. Nueva York le permitió liberarse de todas las obligaciones sociales y concentrarse únicamente en la creatividad de su trabajo. Sin embargo, es importante reconocer que otros artistas coreanos en su ámbito no tuvieron el privilegio y la oportunidad de dejar todas sus responsabilidades para dedicarse al arte. Por lo tanto, Whanki Kim tenía una ventaja en lo que respecta al acceso a técnicas extranjeras y la capacidad de explorar.
Lo más notable de la época del artista en Nueva York es el surgimiento de la serie de "pinturas de puntos sobre lienzo" (점면전화, Chŏmmyŏnjŏnhwa ) o simplemente conocidas como "pinturas de puntos". En 1970, Kim comenzó a producir pinturas que llenaban toda la superficie de sus lienzos sin imprimación con pequeños puntos irregulares utilizando pintura al óleo mezclada con trementina. [16] : 195 Un ejemplo temprano y significativo es ¿Dónde, en qué forma, nos volveremos a encontrar? <어디서 무엇이 되어 다시 만나랴> (1970), titulada en honor a un poema de su amigo y poeta coreano Kim Gwang-Seop (김광섭, 1905-1977). Aunque la obra es el resultado de años de experimentación con la abstracción y los elementos geométricos que componen la pintura (punto, línea y plano), la paleta tenue y la pintura diluida en agua produjeron un efecto de tinta borrosa, que evoca la pintura con tinta del este de Asia. [8] : 135–137 Con ¿Dónde, en qué forma, nos volveremos a encontrar?, Kim recibió el Gran Premio en la primera edición de la Exposición del Gran Premio de Arte Coreano. [19] Drásticamente diferente del trabajo de Kim de Corea que representaba motivos y sentimientos coreanos, su estilo puramente abstracto dejó una gran impresión en la escena artística coreana. [16] : 189
Kim continuó produciendo "pinturas de puntos" en lienzos de mayor tamaño y experimentó con diferentes colores, especialmente con una gama de tonos azules. [8] : 142–147 En 1971, Kim dio un giro en su composición al organizar los puntos de manera circular o curvilínea, como se ve en Universe 05-IV-71 #200 (1971). Universe , que se considera una de las obras más importantes de la obra del artista en la actualidad, fue bien recibida en Nueva York en ese momento. [20] [21] La obra se incluyó en la muestra individual de Kim en la Galería Poindexter de Nueva York, donde continuó exponiendo anualmente, hasta su muerte en 1974. [22] : 11
El movimiento Dansaekhwa, también conocido como pintura monocromática, incluía pinturas en tonos grises, marrones, beige y blancos producidas a finales de los años 60 y aplicadas a pinturas que manifestaban una fusión entre el cuerpo y la mente del artista al explorar la fisicalidad de los materiales de la pintura. Este movimiento surgió del deseo de recuperar el orgullo de la "coreanidad" que les había robado la guerra y de la necesidad de un fuerte control político y social. También se apartó del estilo japonés Nihonga que representaba el período colonial de Corea y adoptó pinturas abstractas en las escenas artísticas occidentales durante la era de la modernización. En Universe (1971), Kim pintó filas repetidas de círculos hechos de puntos que capturan la esencia de las olas que pulsan en la orilla. Los puntos "parecen proliferar como células vivas" y "representan el flujo de poderosa energía solar", lo que permite al público experimentar la sinestesia. Como no hay dos puntos iguales, el movimiento de cada pieza es desigual y hace que el ojo pierda el foco y se pierda en la pintura. Whanki Kim se distingue de otros artistas por la temporalidad de su obra. Las pinturas estadounidenses tienden a tener ese aspecto de "todo a la vez", mientras que la obra de Whanki Kim es constantemente dinámica y hay una sensación implícita de movimiento en todo momento. Nueva York fue un período de transición importante porque los motivos habituales, como el pájaro y la luna, fueron reemplazados gradualmente por puntos y líneas, como se ve en esta obra. Sus piezas se volvieron menos figurativas y más abstractas con horizontales y verticales lineales y disposiciones diagonales. En comparación con sus obras anteriores con tonos muy brillantes, Universe, junto con sus obras posteriores, eran de color azul grisáceo o negro y encapsulaban la paleta "Whanki Blue". Además, Kim diseñó esta pieza para que el público pudiera imaginar el movimiento de cuerpos celestes brillantes imitados por los puntos dinámicos. Los individuos se sienten estimulados a convertirse en "uno" con la pintura. Esta transición y desaparición de los motivos coreanos también puede hablar de la distancia de Whanki Kim con su identidad coreana cuando se instaló en Nueva York y se absorbió en obras extranjeras.
Durante su carrera en Nueva York, surgieron obras que representaban temas cósmicos y planetarios, sonido, eco y música. [12] En la segunda mitad de su estancia en Nueva York, Kim pasó mucho tiempo haciendo collages, obras de papel maché y pinturas al óleo sobre papel de periódico. Fue durante esta época cuando Kim empezó a utilizar puntos en sus obras, a veces incluso cubriendo lienzos enteros con sólo puntos, como en ¿Dónde y en qué forma nos volveremos a encontrar? (1970) y 05-IV-71 #200 (Universo) (1971). Esta última se vendió por 102 millones de dólares de Hong Kong (13,03 millones de dólares estadounidenses), superando su estimación de 48-62 millones de dólares de Hong Kong, y se convirtió en la obra de arte coreana más cara. [23]
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