Kitano Ken (北野謙, nacido en 1968) es un fotógrafo japonés que se graduó en la Facultad de Tecnología Industrial de la Universidad de Nihon . Kitano ha realizado exposiciones individuales y participado en varias exposiciones colectivas a nivel nacional en Japón e internacionalmente en países como Bélgica, China, Francia, Alemania, Suecia, Taiwán y Estados Unidos. [1] En 2004, ganó el Premio de la Sociedad de Fotografía, [2] y en 2007, ganó el Premio al Recién Llegado de la Sociedad Fotográfica de Japón . [3] Fue artista residente en el Centro de Arte de Fotografía Three Shadows en Beijing, China, en 2010. En 2012, pasó un año en Los Ángeles, California, en el Programa de estudios en el extranjero para artistas emergentes que fue supervisado. por la Agencia Japonesa de Asuntos Culturales. [1]
Kitano también ha publicado numerosos libros de fotografía, como nuestro rostro: Asia [4] y FLOW AND FUSION. También ha colaborado en otros libros como Witness #2, con Moriyama Daido , [5] y Photography? ¿Fin? Siete visiones: nuevas experiencias fotográficas. [6]
Este fue el primer proyecto de Kitano, una serie de paisajes urbanos tomados predominantemente en todo Tokio cerca del final del boom económico japonés, que terminó alrededor de 1992. Kitano utilizó una técnica de obturador lento, que captura el movimiento de personas o vehículos en una nube amorfa y desmaterializada. como entidad. Le fascinaba la desmaterialización de los sujetos humanos que aparecían como nubes en sus imágenes y sentía que estaba “analizando el mundo a nivel molecular”. Katsuya Ishida, director de la galería MEM en Tokio, explica que la desmaterialización capturada a través de las nubes del movimiento humano latente con la energía y el dinamismo de la pujante economía japonesa hizo que Kitano se sintiera conectado “con todos en el universo en su conjunto”. [7]
Ishida explica que después del fin del milagro económico japonés en 1991, Japón se vio acosado por varios desastres agravados por el estancamiento económico. Tras el gran terremoto de Hanshin y los ataques con gas sarín en el metro de Tokio, Kitano perdió su iniciativa artística y dejó de producir obras. Durante este tiempo, Kitano viajó varias veces a México, donde estuvo expuesto a las pinturas murales a gran escala de artistas como Diego Rivera y José Clemente Orozco que representaban una multitud de personas que Kitano enumera como "figuras de la era precolombina" . Invasores, violadores, sacrificios vivos, déspotas, resistentes, niños, clérigos, prostitutas, estafadores, comerciantes, agricultores,… coexistiendo en una sola imagen”. Estos murales lo inspiraron a tomar retratos, que luego superpuso uno encima del otro para crear retratos compuestos de personas de “diferentes razas, países, clases, ocupaciones y religiones de todo el mundo”. Ishida dice que la línea divisoria entre las series Flow y Fusion y su posterior serie Our Face es la difuminación de la individualidad, que se encuentra como “parte de la entidad más grande del paso del tiempo” en la que él “(explora) el estado de la humanidad”. existencia en relación con la individualidad”. [7]
Kitano viajó a varios lugares de Asia y fotografió a personas en diferentes localidades, como Estambul, Turquía; Sinkiang, China; Taipei, Taiwán; Mae Hong Son, Tailandia; Daca, Bangladesh; y Kermanshah, Irán. Luego desarrolló esos retratos de localidades específicas en una sola imagen. [8]
El crítico de fotografía Yu Hidaka utiliza el concepto de Mille Plateau, mil mesetas , para describir la serie Our Face . Las mil mesetas están “formadas por la configuración continua de… diferencias sin un solo vértice o jerarquía”, y el concepto fue desarrollado por el antropólogo estadounidense Gregory Bateson . En cada imagen de la serie Our Face , los individuos o las diferencias se superponen con el mismo tiempo de exposición en una sola imagen o Mille Plateau. Hidaka sostiene que estas imágenes compuestas funcionan para aplanar o aflojar las relaciones, como las que existen entre religión, género y estatus socioeconómico. [4]
Si bien los retratos fotográficos se han utilizado a menudo como representaciones de la individualidad de la subjetividad, Ayelet Zohar explica que fotógrafos japoneses como Ken Kitano, Tomoko Sawada , Yasumasa Morimura y Cozue Takagi han utilizado el retrato fotográfico para abordar cuestiones de "ficción y performatividad... usando estrategias de mimetismo, mascarada, camuflaje, disfraz, multiplicidad, yuxtaposición y repetición". Afirma que la serie Our Face de Kitano aborda cuestiones de "capas y memoria", donde a través de la superposición de retratos de personas, las obras llegan "al borrado de la identidad individual". Para Zohar, las imágenes singulares de Kitano ocultan a los individuos "bajo la máscara de un retrato unificado, donde las capas ocultas permanecen secretas, como las capas de un sitio arqueológico o del inconsciente". Estas metáforas de la arqueología y el inconsciente permiten a Zohar analizar el trabajo de Kitano en el contexto del análisis de Derrida del "bloc de escritura místico" de Freud , que "conserva rastros de sucesos pasados". Derrida va un paso más allá del concepto de Freud y sostiene que los sistemas de lenguaje e imágenes contienen "huellas... que prefiguran el lenguaje, el significado y la significación". La serie Our Face de Kitano aborda la investigación de Derrida sobre el concepto de "huella". Al superponer la individualidad de sus sujetos, Kitano capta las huellas de una historia más profunda que prefigura cualquier identidad subjetiva individual que puedan tener sus sujetos. [9]
Zohar también compara el trabajo de Kitano con la investigación genética del siglo XIX de Sir Francis Galton , quien intentó desarrollar un sistema para categorizar el origen étnico a través de los rasgos faciales. Ella menciona que Nancy Burson creó retratos en capas similares que utilizaron imágenes por computadora en la década de 1980 y que criticaban las nociones de eugenesia del siglo XIX propuestas por investigadores como Galton, pero Zohar sostiene que el trabajo de Kitano no es subversivo como el de Burson. En el análisis de Zohar, las obras de Kitano se sitúan entre la clasificación de Galton y la crítica de Burson, como "evidencia de la multitud en la que nos hemos convertido y del valor perdido del retrato personal en un mundo inundado de información visual sin fin". [9]
La serie One Day de Kitano son fotografías de larga exposición que capturan la trayectoria del sol durante un día; las imágenes resultantes son paisajes y paisajes urbanos con una franja blanca atravesando el cielo. Kitano invoca la memoria colectiva en su elección deliberada de ubicaciones en lugares como “zonas cero de explosiones de bombas, islas de convalecencia para pacientes de lepra y viejos campos de batalla en Okinawa”. En un ensayo para la serie, Kitano comparó su proyecto con el intento de Monet de capturar la luz cambiante de la Catedral de Rouen. [10]
Mientras que la serie One Day de Kitano sigue el movimiento del sol a lo largo de un solo día, la serie Gathering Light de Kitano captura el movimiento del sol a través de una larga exposición a lo largo de seis meses. Los rayos de luz de las obras son captados por una cámara que permanece en varios lugares durante seis meses. Las imágenes resultantes son paisajes y paisajes urbanos con franjas parecidas a cebras en el cielo donde se han registrado los movimientos del sol a lo largo del tiempo. El ángulo de los rayos de luz, que son registros del movimiento del sol a través del cielo, en las fotografías indican la latitud y longitud de la posición de la cámara. Como la cámara se deja durante seis meses, el sol queda obstruido por las nubes de lluvia, por lo que la imagen resultante es también una especie de registro meteorológico. [11]
Las obras de Kitano están incluidas en varias colecciones públicas como la del Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio; Museo de Arte de la Prefectura de Aichi; Museo de Arte Fotográfico de Tokio; El Museo Nacional de Arte de Osaka; y el Museo de Arte Moderno Saitama; [12] Museo J. Paul Getty; [13] y Museo de Arte Moderno de San Francisco. [14]